En este artículo continuamos la historia de la banda Eloy hasta el lanzamiento de su segundo álbum Inside en 1973.
Eloy es una banda alemana de rock progresivo formada en 1969, cuyo estilo va desde el rock espacial al rock sinfónico. Su nombre proviene de la novela La máquina del tiempo, de H. G. Wells, en la que los Eloi, que son una de las estirpes humanas del futuro, llevan una existencia casi paradisíaca.
A pesar de su nacionalidad y período de tiempo, la banda generalmente no se considera krautrock debido a su sonido, que tiene mucho más en común con el rock progresivo inglés y los grupos de rock sinfónico como Pink Floyd, King Crimson, Yes y Camel.
1971: Comienzos y primer álbum de Eloy En un anterior artículo comentamos los comienzos de la banda Eloy hasta el lanzamiento de su primer álbum homónimo en 1971.
Portada del primer álbum de Eloy
1973: Inside Eloy. En un anterior artículo comentamos su segundo álbum Inside publicado en 1973.
Portada del álbum Inside
En este artículo continuamos su historia hasta la publicación de su tercer álbum Floating.
Las cifras de ventas de Inside fueron lo suficientemente buenas como para llamar al álbum un estimable éxito. "Dondequiera que pudimos conectar nuestro equipo, actuamos", dijo Frank Bornemann con respecto a la cantidad de conciertos que la banda tocó en ese momento.
Eloy en 1974
Tras la grabación de su segundo álbum, la banda estaba formada por el cantante y guitarrista Frank Bornemann, el guitarrista Manfred Wieczorke, que también toca el órgano, con Luitjen Janssen en el bajo sustituyendo a Wolfgang Stöcker y Fritz Randow en la batería.
Wolfgang Stöcker dejó la banda en 1973 por una vida menos ajetreada
Con esta formación, grabaron el que sería su tercer álbum Floating entre enero ymayo de 1974 en los EMI Studios de Colonia (Alemania), el cual fue lanzado en 1974 en Alemania en el prestigioso sello Harvest de EMI (Pink Floyd, Deep Purple entre otros). El álbum es una continuidad del álbum anterior, progresando hacia el típico sonido Eloy, una síntesis de sonidos esféricos, ritmos pulsantes, guitarras poderosas y arreglos concertantes complejos, con el que van ganando cada vez más fans.
Luitjen Janssen, el nuevo bajista que permanecería poco en la banda
Con Floating, Eloy alcanzó su primer pico artístico. La marca de hard rock del grupo alemán se encuentra con el rock progresivo encajado maravillosamente para este conjunto de cinco canciones. Las deficiencias estructurales de la canción más larga del álbum anterior ahora son cosas del pasado: "The Light From Deep Darkness" es una montaña rusa de 15 minutos. La canción de apertura se acerca mucho a los primeros Santana, gracias a una enérgica pista de batería y el trabajo de órgano de Manfred Wieczorke, más cerca esta vez de Gregg Rollie que de Jon Lord (Deep Purple). Pero lo más destacado del álbum reside en el riff contagiosamente pesado de "Castle in the Air", tal vez el fragmento de sonido más reconocible en los primeros tres álbumes de Eloy. El nuevo bajista Luitjen Janssen le da a la canción un tremendo impulso. La letra de "Plastic Girl" es más realista (y se relaciona con "Plastic People" de Frank Zappa) que el creciente interés del grupo en la metafísica y las referencias de la era espacial. El álbum está coronado por "Madhouse", un tema rockero frenético que muestra cómo Bornemann ha integrado la influencia de Jethro Tull en su música. Los fans de los álbumes conceptuales de Eloy (Dawn, Ocean, Planets) tienen una tendencia a mirar con esnobismo los primeros tres LP, pero Floating se erige como un gran logro de rock, sin importar lo que el grupo grabará a continuación. La música no tuvo que adaptarse a una trama y no está empapada de sintetizadores. Como resultado, se siente más honesto y directo.
François Couture para AllMusic
La edición remasterizada de EMI de 2000 añade tres bonus tracks en directo.
A house of silence during the day seems bewitching
How everyone stays away no one dare to go near
Madhouse - night-time nearing
Madhouse - lights appearing
They're turning night into day
Freak musicians, smoke
Drifting slowly away with the music
Maybe all the people on the outside looking in
Don't understand the life that's there inside is not all sin
Musicians make their music, smoke, make love so if that's bad
Who outside could claim that they've got happiness like that
Which one is mad?
Mi opinión personal sobre el álbum:
Mantienen su transición hacia el progresivo. El álbum comienza con Floating que me recuerda los primeros álbumes de Santana, entre el órgano y la guitarra. Le sigue el punto culminante del álbum, la larga suite The Light From Deep Darkness en un estilo que me recuerda a una mezcla de Pink Floyd con Deep Purple. La cara dos comienza con Castle in the Air que el tema más duro del álbum, y está más en consonancia con su estilo anterior. Plastic Girl es la primera canción que usan sintetizador y es puente a su nuevo estilo. El álbum cierra con Madhouse, un tema muy rockero y animado con protagonismo de las guitarras.
Popol Vuh era un grupo musical alemán fundado en 1969 cuyo líder era el pianista Florian Fricke. Junto a él estaban Frank Fiedler (diseño de sonido, montaje), Holger Trülzsch (percusión) y Bettina Fricke (tablas y producción). Otros miembros importantes durante las siguientes dos décadas fueron Djong Yun, Renate Knaup, Conny Veit, Daniel Fichelscher, Klaus Wiese y Robert Eliscu. Con la muerte de Florian en 2001 la banda desapareció. El nombre del grupo está tomado del del manuscrito maya que contiene la mitología del pueblo k'iche ' de las tierras altas de Guatemala, el Popol Vuh; el nombre se ha traducido aproximadamente como "lugar de encuentro" o "libro de la comunidad".
Popol Vuh son considerados un grupo precursor en el uso de la electrónica y el sintetizador, pero también en la fusión con elementos de música étnica, y especialmente de música de tipo religioso.
Popol Vuh influyó en muchas otras bandas europeas con su instrumentación excepcionalmente suave pero elaborada, que se inspiró en la música del Tíbet, África y la América precolombina. Con música a veces descrita como "etérea", crearon paisajes sonoros a través de paredes psicodélicas de sonido, y son considerados como precursores de la música del mundo contemporánea, así como de la new age (nueva era) y el ambiente.
Florian Fricke
El sonido del grupo es muy variado, con algunas composiciones basadas en el sintetizador y en sonidos etéreos, como Aguirre; otras con influencias de música étnica, ritmos vivaces y melodías pegadizas, como City Raga; otras con uso exclusivo del piano, como Spirit of peace; etc.
Desarrollaron una labor de colaboración con el director de cine Werner Herzog, contribuyendo con bandas sonoras para películas como Aguirre, La ira de Dios (1972), Nosferatu the Vampyre (1979) y Fitzcarraldo (1982). El grupo está asociado con el movimiento krautrock de la década de 1970 en Alemania Occidental y se les considera precursores de la música ambiental. En la actualidad, las obras mejor reseñadas de Popol Vuh son In den Gärten Pharaos (1971) y Hosianna Mantra (1972).
En 1974, tras la salida del guitarrista Conny Veit, Daniel Fichelcher, el baterista ex-Amon Düül II que ya había participado en el anterior álbum Seligpreisung no solamente encargándose de la mayoría de las percusiones, sino que también tocando la guitarra se convierte en miembro permanente de la aventura etérea y espiritual de Popol Vuh.
Daniel Fichelscher
El título de su siguiente álbum Einsjäger und Siebenjäger es una traducción alemana de los nombres de dos personajes del libro del Popol Vuh, Hun-Hunahpu y Vucub-Hunahpu ("Cazador Uno" y "Cazador Siete").
En el álbum vuelve a colaborar la cantante coreana Djong Yun, aunque el álbum es predominantemente instrumental. Las voces se dedican más a acompañar la melodía de los temas.
Djong Yun
Así que junto con el líder de la banda Florian Fricke, se han convertido en un trío.
Continuando en la línea del anterior álbum, Fricke no hace uso los sintetizadores electrónicos y en su lugar empleó instrumentos acústicos como el piano. El álbum es música melódica sinfónica, más rockero, precursor de lo que será la música ambiental y New Age.
El álbum fue publicado en Alemania en 1974 con Kosmische Musik. Se editó también en cuadrafónico. Ha sido reeditado varias veces por varios sellos internacionales.
En 2004SPV relanzó el álbum con dos bonus tracks, "King Minos II" y Wo bist Do?.
Thom Jurek de Allmusic comentó sobre el álbum"El piano de Florian Fricke está más percusivamente presente con sus ejecuciones y grandes voces de acordes ondulando a lo largo de cada composición. Además, la guitarra eléctrica de Daniel Fichelscher retoma donde Conny Veit lo dejó, llevando el estilo solista de blues y space rock a un nuevo territorio al incorporar escalas orientales en el cuerpo principal de su fraseo de blues. Hay cinco composiciones cortas en el primer lado, que simplemente preparan al oyente para el alucinante corte del título, que ocupa la totalidad del lado dos. Aquí, además de la percusión orgánica arremolinada y el pianismo deFricke y las líneas de guitarra inclinadas, a menudo cantadas, que se repiten hipnóticamente con la tensión del rock & roll, las voces de la increíble Djong Yun se convierten en el catalizador para que los otros músicos se desplacen en espirales extendidas. Este es sin duda uno de los álbumes más bellos que Popol Vuh publicó en la década de 1970, y sigue siendo una marca de agua para su marca registrada de fusión de belleza y composición fluida.
Florian fue y sigue siendo un importante precursor de la música étnica y religiosa contemporánea. Eligió la música electrónica y su gran Moog para liberarse de las restricciones de la música tradicional, pero pronto descubrió que no le sacaba mucho partido y optó por el camino acústico en su lugar. Aquí, pasó a crear un nuevo mundo, que Werner Herzog ama tanto, transformando los patrones de pensamiento de la música electrónica en el lenguaje de la música acústica étnica.
Continúa el avance hacia la música ambiental, convirtiéndose en precursor de lo que sería el new age. Aunque este álbum lo noto más afín al rock progresivo y menos étnico y espacial, lo que se nota en el tema King Minos gracias a la guitarra de Fichelscher. Morgengrob es más relajado, la guitarra acústica comienza perezosa como desperezándose al despertar de la mañana, la canción va cogiendo ritmo con el tiempo como si el sol va saliendo animando y comenzando a calentar, culminando con un buen solo de guitarra eléctrica. "Wurfelspiel" combina muy bien guitarra eléctrica y piano en otro buen tema progresivo. La verdad que no se echa a faltar la guitarra de Conny Veit. Y para los amantes de las suites progresivas, tenemos aquí una que ocupa toda la cara B, "Einsjager & Siebenjager" con una buena conjunción de guitarra y piano, con sus cambios de ritmo. Un buen disco para escucharlo relajadamente.
En un anterior artículo comentamos la historia de la banda Renaissance desde el lanzamiento de su primer álbum homónimo a finales de 1969 hasta la publicación de su segundo álbum Illusion en 1971. Renaissance es una de las bandas representativas del rock progresivo británico.
En enero de 1969, los exmiembros de Yardbirds, Keith Relf y Jim McCartyse organizaron para crear un nuevo grupo dedicado a la experimentación entre rock, folk, y clásica. Formaron un quinteto con Relf en la guitarra y voz, McCarty en la batería, a los que se unieron el bajista Cennamo, el pianista Hawken, y Jane Relf (hermana de Keith) como vocalista adicional, que llegaron a editar así un par de álbumes para Elektra(Estados Unidos) y Island (Reino Unido), el primero de ellos, titulado simplemente Renaissance, lanzado inicialmente en el Reino Unido en diciembre de 1969 siendo producido por el también exYardbird Paul Samwell-Smith. En la primavera de 1970 durante la grabación de su segundo álbum Illusion la banda comenzó a desmoronarse. Keith Relf y Jim McCarty fueron los primeros en irse, decidiendo cesar como miembros de la actuación, pero seguir involucrados con la producción y composición de la banda.
Portada del álbum Ilussion de Renaissance
John Hawkenorganizó una nueva formación para cumplir con las obligaciones contractuales con Island Records y completar el álbum que había quedado inconcluso. Reclutó al cantante Terry Crowe y al guitarrista Michael Dunford (ambos de la banda anterior de Hawken, The Nashville Teens),así como al baterista de sesión Terry Slade para reemplazar a Relf y McCarty. Louis Cennamo se fue poco después para unirse a Coliseum. El bajista Neil Korner, otro ex miembro de The Nashville Teens, lo reemplazó.
Poco después de que se completara la grabación, los dos únicos miembros originales restantes, Jane Relf y John Hawken, abandonaron la banda, para ser reemplazados por la cantante de folk estadounidense Anne-Marie "Binky" Cullom y el pianista John Tout (ex tecladista de Rupert's People). John Hawken se fue para unirse a Spooky Tooth.
El plan en ese momento era que Relf y McCarty permanecieran involucrados como miembros no interpretativos: Relf como productor y McCarty como compositor. Ambos estuvieron presentes cuando la cantante Annie Haslam (ex cantante de The Gentle People) audicionó con éxito en enero de 1971. para reemplazar a Cullom (quien más tarde se casaría con el baterista Terry Slade y se retiraría de la escena musical). Mientras que McCarty continuó escribiendo canciones para la nueva banda, la participación de Relf fue de corta duración.
En algún momento de 1971, el nuevo mánager Miles Copeland III decidió reorganizar la banda, centrándose en lo que él sentía que eran los puntos fuertes de Renaissance: la voz de Haslam y el piano de Tout.
Miles Copeland III
Aparte de ellos dos, la formación se completó Rob Hendry(guitarras), Jon Camp (bajo) y Terence Sullivan (batería) para la grabación de su tercer álbum Prologue en 1972.
Portada del álbum Prologue
En un anterior artículo continuamos su historia hasta la publicación de su siguiente álbum Ashes Are Burning en 1973.
Portada del álbum Ashes Are Burning
En este artículo continuamos su historia hasta la publicación de su quinto álbum Turn of the Cards.
Poco después del lanzamiento del álbum Ashes Are Burning, Michael Dunford que había escrito canciones para los tres últimos álbumes regresó como guitarrista (acústico), completando lo que la mayoría de los fans consideran como la formación clásica de cinco miembros, que permanecería unida durante cinco álbumes de estudio: Annie Haslam (voz principal), Michael Dunford (guitarra acústica), Jon Camp (bajo), John Tout (teclados) y Terence Sullivan (batería, percusión).
La banda tocó sus primeros conciertos en Estados Unidos durante este período, disfrutando del éxito en la costa este en particular, lo que pronto resultó en un concierto orquestal especial en la Academia de Música de Nueva York el 17 de mayo de 1974. El concierto fue publicado en 2015 en un doble álbum.
Pronto Renaissance optaría por concentrarse en el mercado estadounidense, ya que la prensa del Reino Unido prácticamente los ignoró.
La banda dejó Sovereign Records y se unió al nuevo sello de rock progresivo de Miles Copeland, BTM (British Talent Management). Con él lanzarían su siguiente álbum Turn of the Cards en 1974.
Para Turn of the Cards, Renaissance volvió a hacer uso de los estudios De Lane Lea y el coproductor / ingeniero Dick Plant. Richard Gottehrer, cofundador del nuevo sello discográfico estadounidense de Renaissance, Sire Records, también se acredita como coproductor del álbum, pero según el baterista Terry Sullivan, Gottehrer nunca puso un pie dentro de De Lane Lea Studios y su única participación en el álbum fue colaborar en el remix final de "Things I Don't Understand", que se realizó en Record Plant Studios en los Estados Unidos. Con un presupuesto más grande, el álbum pasó de un sonido con aires folk a un rock más oscuro, exuberante y orquestal. Fue el último álbum de Renaissance en incluir extractos de piezas clásicas.
"Things I Don't Understand", una pista larga (llegó a los 9:30 min) fue problemática desde el principio. Durante la primera toma, la banda entró en una improvisación instrumental espontánea con la que todos estaban muy satisfechos, pero después de regresar de un descanso descubrieron que una operación en la cinta había borrado accidentalmente toda la grabación. Los productores hicieron numerosas mezclas de la canción en una lucha por encontrar un sonido con el que todos pudieran estar satisfechos.
Richard Gottehrer
"Things I Don't Understand" fue la última contribución lanzada del miembro fundador Jim McCarty a la banda. Sin embargo, era una vieja canción de Renaissance; El bajista / vocalista Jon Camp dijo que cuando se unió a Renaissance en 1972, ya era parte de la lista de canciones de la banda. Prologue fue la última vez que McCarty escribió activamente canciones para Renaissance, en lugar de simplemente permitirles usar material que ya había escrito.
Jim McCarty
Jimmy Horowitz hizo los arreglos orquestales en el álbum. Sullivan recordó: "Era un verdadero caballero y un profesional total. Su enfoque era tener un toque suave en las cuerdas, que era exactamente lo que estábamos buscando".
Jimmy Horowitz
"Running Hard" utiliza una frase melódica utilizada por primera vez en "Mr. Pine" del álbum Illusion, así como de la pieza "Litanies" del compositor francés Jehan Alain, ambas a sugerencia del tecladista John Tout.
La música de "Cold Is Being" está tomada de "Adagio in G minor" (atribuido a Tomaso Albinoni, pero en realidad compuesto por Remo Giazotto); fue acreditado en las notas del álbum ("Gracias a Jehan Alain por la pieza de apertura de RUNNING HARD y Albinoni por COLD IS BEING").
"Mother Russia" es citada por Jon Camp como un caso en el que hizo importantes contribuciones compositivas sin ser acreditado por ellas. Betty Thatcher escribió la letra, que se basa en la famosa novela One Day in the Life of Ivan Denisovich de Aleksandr Solzhenitsyn, antes de que Renaissance tuviera música para la canción, rompiendo con el patrón habitual de la banda de usar solo las letras de Thatcher cuando las escribió para una pieza musical que le habían dado. Sullivan dijo que estuvo presente cuando Thatcher escribió la letra de "Black Flame", lo que hizo mientras estaba sentada en una silla especial en su casa.
Betty Thatcher
Lanzamiento
Turn of the Cards fue lanzado en mayo de 1974 con Sire Records en América del Norte, unos meses antes que en el Reino Unido con BTM. Fue el primer lanzamiento del incipiente sello BTM de Miles Copeland. En 1977 después de lanzar un total de 10 álbumes, incluyendo dos más de Renaissance (Scheherazade and Other Stories y el doble LP Live at Carnegie Hall), el sello cerró debido a la bancarrota. Una versión de "Mother Russia" editada a tres minutos y siete segundos fue lanzada como sencillo sólo en los Estados Unidos. Aunque el álbum, Turn of the Cards, alcanzó el puesto #94 en Billboard, el sencillo no se acercó al Billboard Hot 100.
Hipgnosis, quien previamente había diseñado las portadas de los álbumes de la banda Prologue y Ashes Are Burning, diseñó la portada. Después de producir un guion gráfico de ideas, visitaron el estudio de grabación para tener una idea de la música, luego produjeron la obra de arte final. El castillo en el fondo es el Castillo de Warwick. y las cartas son del tarot de Joe Petagno. Al ver la portada terminada se les ocurrió el título del álbum, Turn of the Cards.
Portada del álbum
Las primeras copias de BTM en el Reino Unido tenían una contraportada alternativa, con un retrato en primer plano de Annie Haslam enmarcado en una de las "cartas".
Contraportada inicial
Contraportada definitiva
El álbum recibió buenas críticas y AllMusic lo calificó con cuatro estrellas y media de cinco. Reseña de Bruce Eder de AllMusic: Las canciones aquí encajan más fácilmente en el rock, y las influencias folk del álbum anterior se han ido. Turn of the Cards rockea un poco más duro, aunque siempre de una manera de rock progresivo, y el bajo d eJon Camp y la batería de Terence Sullivan son más duros y pesados aquí, el bajo (el único instrumento amplificado del grupo) en particular mucho más adelante en la mezcla. Este cambio funciona para dar a la banda un sonido más duro que deja espacio para los acompañamientos orquestales de Jimmy Horowitz, que son algo más prominentes que los de Richard Hewsonen el álbum anterior, con los cuernos y las cuerdas, en particular, más expuestos. Annie Haslam tiene una voz excelente en todo momento, y encuentra el acompañamiento ideal en la guitarra acústica de Michael Dunford y el piano de John Tout.
Reediciones
En 2019, Esoteric Recordings anunció una edición remasterizada y ampliada de 4 discos (3 CD más 1 DVD-audio) del álbum, la cual se lanzó el 20 de marzo de 2020. En los discos 2 y 3 se incluyen la grabación del concierto el 17 de mayo de 1974 en la Academia de Música de Nueva York. El DVD incluye una remasterización del álbum en Dolby 5.1 envolvente.
Contraportada de la edición de 2020
Bonus Tracks
7."Everybody Needs A Friend" (Inédito - grabado en De Lane Lea Studios, Wembley - 23 de marzo de 1974)(Andy Powell, Ted Turner, Martin Turner, Steve Upton)
8."Mother Russia" (edición para el sencillo publicado en Estados Unidos, inédito en CD)
9."Things I Don't Understand" (Nueva mezcla estéreo)(Dunford, McCarty)
La combinación de rock sinfónico con la suave voz de Haslam no se da en otro grupo de rock progresivo. El álbum comienza con la animada pieza sinfónica Running Hard. I think of you es una bonita balada que guarda los aires folk de sus anteriores álbumes. Things I Don't Understand es una canción animada que con sus cambios de ritmo nos recuerda a Yes. Black Flame es una verdadera joya con el comienzo suave de las guitarras acústicas, para ir subiendo el tono al cantar Haslam. El clavicordio pone el tono clásico. Cold is Being pone letras al tema clásico de Albinoni, enriqueciéndolo. Y para terminar Mother Russia pone broche final a un gran álbum donde se combina una gran orquestación, con una magnífica letra cantada por Haslam. No se puede pedir más.
Créditos
Annie Haslam - voz principal y coros
John Tout - teclados acústicos y eléctricos, coros
Jon Camp - (acreditado como "John Camp") -bajo, co-voz principal en la pista 3, coros
Terence Sullivan - batería, percusión, coros
Michael Dunford: guitarra acústica y coros
Músicos adicionales
Jimmy Horowitz – arreglos orquestales
Producción
Dick Plant – productor, ingeniero
Richard Goldblatt – productor
Hipgnosis – diseño de portada
Douglas Bogie, Mike Pela- ingenieros asistentes
Jeffrey Lesser - ingeniero de remezclas en Mediasound Studios, Nueva York
