domingo, 6 de julio de 2025

1978: David Gilmour en solitario

Contenido de esta entrada:

Introducción

Comienzos - Pink Floyd

El álbum

Portada del primer álbum homónimo de David Gilmour




Enlaces interesantes:    




En este artículo traemos los comienzos y primer álbum homónimo en solitario del músico británico David Gilmour.

Gilmour en el Royal Albert Hall en 2024

David Jon Gilmour (nacido el 6 de marzo de 1946) es un guitarrista, cantante y compositor inglés que es miembro de la banda de rock Pink Floyd. Se incorporó en 1967, poco antes de la salida del miembro fundador Syd Barrett. A principios de la década de 1980, Pink Floyd se había convertido en uno de los grupos más vendidos y aclamados de la historia de la música. Tras la salida de Roger Waters en 1985, Pink Floyd continuó bajo el liderazgo de Gilmour y lanzó los álbumes de estudio A Momentary Lapse of Reason (1987), The Division Bell (1994) y The Endless River (2014).

Portada del álbum The Endless River 

Gilmour ha lanzado cinco álbumes de estudio en solitario: David Gilmour (1978), About Face (1984), On an Island (2006), Rattle That Lock (2015) y Luck and Strange (2024). Ha logrado tres álbumes en solitario número uno en la lista de álbumes del Reino Unido y seis con Pink Floyd

Portada del álbum Luck and Strange

Produjo dos álbumes de la Dream Academy, y se le atribuye el mérito de llamar la atención del público sobre la cantante y compositora Kate Bush, pagando por sus primeras grabaciones y ayudándola a encontrar un contrato discográfico. Realizó coros en «Pull Out the Pin» en su cuarto álbum de estudio de Bush, The Dreaming (1982), y tocó la guitarra en «Love and Anger» y «Rocket's Tail» en su sexto, The Sensual World (1989). 

Portada del álbum The Kick Inside

Como miembro de Pink Floyd, Gilmour fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll de Estados Unidos en 1996 y en el Salón de la Fama de la Música del Reino Unido en 2005



En 2003, Gilmour fue nombrado Comandante de la Orden del Imperio Británico (CBE). Recibió el premio a la Contribución Sobresaliente en los Premios Q 2008. En 2023, la revista Rolling Stone lo nombró el 28º mejor guitarrista.

Gilmour ha participado en proyectos relacionados con temas como los derechos de los animales, el ecologismo, las personas sin hogar, la pobreza y los derechos humanos. Se ha casado dos veces y es padre de ocho hijos. Su esposa, la novelista Polly Samson, ha contribuido con las letras de muchas de sus canciones.

 Polly Samson en 2020





David Jon Gilmour nació el 6 de marzo de 1946 en Cambridge, Inglaterra. Tiene tres hermanos: Peter, Mark y Catharine. Su padre, Douglas Gilmour, era profesor titular de zoología en la Universidad de Cambridge, y su madre, Sylvia Wilson, era una profesora que más tarde trabajó como editora de cine para la BBC. En el momento del nacimiento de Gilmour, la familia vivía en Trumpington, Cambridgeshire; después de varias reubicaciones, se mudaron a la cercana Grantchester.

Los padres de Gilmour le animaron a perseguir su interés por la música, y en 1954 compró su primer sencillo, "Rock Around the Clock" de Bill Haley. Su entusiasmo fue despertado al año siguiente por "Heartbreak Hotel" de Elvis Presley, y "Bye Bye Love" de los Everly Brothers despertó su interés en la guitarra. Gilmour pidió prestada una guitarra a un vecino, pero nunca se la devolvió. Poco después, comenzó a aprender a tocar por sí mismo usando un libro y un conjunto de discos de Pete Seeger. A la edad de 11 años, Gilmour comenzó a asistir a la escuela Perse en Hills Road, Cambridge, que no disfrutaba. Allí conoció a dos compañeros de clase que más tarde se convertirían en los futuros miembros de Pink Floyd: Syd Barrett y Roger Waters, quienes asistieron a la Cambridgeshire High School for Boys en la misma calle. 

Syd Barrett en 1967

En 1962, Gilmour comenzó a estudiar lenguas modernas de nivel A en el Colegio de Artes y Tecnología de Cambridgeshire, pero a pesar de no terminar el curso, finalmente aprendió a hablar francés con fluidez. Barrett también era estudiante en la universidad, y los dos pasaban sus almuerzos juntos practicando la guitarra. Más tarde ese año, Gilmour se unió a la banda de blues rock Jokers Wild.

Jokers Wild


Grabaron un álbum de una sola cara y un sencillo en Regent Sound Studio, en Denmark Street, al oeste de Londres, pero solo se hicieron 50 copias de cada uno.



En agosto de 1965, Gilmour con 19 años viajó a España y a Francia con Barrett y otros amigos para conseguir algo de dinero interpretando canciones de The Beatles en las calles y en algunos bares. Allí fueron arrestados en una ocasión por indigencia, e incluso David requirió tratamiento en un hospital por su estado de desnutrición.Luego se trasladó hasta París con Barrett, donde acamparon fuera de la ciudad por una semana y visitaron el museo de Louvre.​ Durante esta época Gilmour trabajó en varios sitios, e incluso llegó a desempeñarse como conductor y asistente del diseñador de modas Ossie Clark.

Ossie Clark

David viajó por Francia en 1967 con Rick Wills y Willie Wilson, miembros de Jokers Wild. El trío realizó algunas presentaciones bajo el nombre de Flowers, sin lograr suceso comercial. Después de escuchar sus pobres versiones de otros artistas, los propietarios de los clubes se mostraban reacios a pagarles, y poco después de su llegada a París, fueron víctimas del robo de su equipo. Estando en Francia, Gilmour contribuyó como vocalista y músico de sesión en dos canciones para la banda sonora de la película À coeur joie (Yo soy el Amor), con Brigitte Bardot como protagonista.



Pink Floyd lanzó su álbum debut, The Piper at the Gates of Dawn en 1967. En mayo Gilmour retornó brevemente a Londres en busca de nuevo equipo de sonido. Durante su estadía allí vio a Pink Floyd grabar "See Emily Play" y quedó sorprendido cuando Barrett, que empezaba a manifestar serios problemas mentales, ni siquiera pudo reconocerlo. Se sorprendió también al ver la calidad y los medios de que disponían.


Dibujo de la portada del sencillo See Emily Play hecho por Barret

Cuando regresó con Bullitt a Inglaterra más tarde ese año, no podían pagar la gasolina y tuvieron que empujar su autobús desde el ferry hasta el embarcadero



Pink Floyd

En diciembre de 1967, el baterista de Pink Floyd, Nick Mason, se reunió con Gilmour y le ofreció unirse a la banda para reemplazar al cada vez más errático Barrett. La banda inicialmente pretendía continuar con Barrett como compositor.​ Uno de los socios comerciales del grupo, Peter Jenner, afirmó: "La idea era que Dave cubriera las excentricidades de Barrett, quien se dedicaría simplemente a componer cuando no estuviera en condiciones de tocar. Simplemente queríamos mantenerlo involucrado en el proyecto". En marzo de 1968 Syd aceptó irse de la banda, pues su comportamiento era prácticamente insostenible.

En 1970, Gilmour asistió al Festival de la Isla de Wight y asistió en una mezcla en vivo de una actuación de Jimi Hendrix.

Tras la salida de Barrett, la etapa de rock sicodélico finalizó y Gilmour se convirtió en el cantante principal de Pink Floyd compartiendo las voces con Roger Waters y Richard Wright en una menor medida comenzando la era del rock progresivo, la diferencia de las producciones entre estas épocas llevó el sello de Waters principalmente y Gilmour.

Imagen de la edición de 2006


En 1975, Gilmour tocó en el álbum HQ (1975) de Roy Harper.


Enlace a la lista de reproducción del álbum HQ:     HQ






Grabación

A finales de la década de 1970, Gilmour había comenzado a pensar que sus talentos musicales estaban siendo infrautilizados por Pink Floyd. Tras el Tour In The Flesh como promoción del álbum Animals y aprovechando un periodo de descanso en Pink Floyd, Gilmour preparó su primer álbum en solitario. Richard Wright, compañero de banda de Pink Floyd, hizo lo propio lanzando el álbum Wet Dream.

Portada de Wet Dream

Las pistas utilizadas para el álbum fueron grabadas entre febrero y marzo de 1978 con el ingeniero John Etchells en Super Bear Studios en Francia. Luego fueron mezclados en el mismo estudio por Nick Griffiths. El álbum fue grabado en el mismo estudio donde Wright había grabado el suyo.

John Etchells

Los músicos de sesión incluyeron al bajista Rick Wills y al baterista Willie Wilson, quienes formaban parte de Jokers Wild con Gilmour

Rick Wills

El álbum fue producido por Gilmour, y consiste principalmente en canciones de blues y rock orientado a la guitarra, a excepción de la balada dominada por el piano "So Far Away".

El tema Mihalis viene del nombre del bote de Gilmour, que a su vez viene del griego que significa Miguel.

El tema "There's No Way Out of Here" fue grabado originalmente por la banda Unicorn (como "No Way Out of Here") para su álbum de 1976 Too Many Crooks (Harvest Records, título estadounidense Unicorn 2), que Gilmour produjo. 

La música escrita durante las etapas finales del álbum, pero demasiado tarde para ser utilizada, se convirtió en "Comfortably Numb" en el álbum de Pink Floyd The Wall (1979). Sin embargo, una canción incluida en este álbum, la balada de piano "So Far Away", utiliza una progresión de coro no muy diferente al coro de "Comfortably Numb", aunque en un tono diferente.



Del mismo modo, la canción "Short and Sweet" puede verse como un precursor musical de "Run Like Hell" (también de The Wall), con sus acordes cambiantes sobre un punto de pedal D, utilizando una guitarra con bridas en afinación Drop D. "Short and Sweet" fue escrita en colaboración con Roy Harper, quien grabó una versión, en la que Gilmour tocó, para su álbum de 1980 The Unknown Soldier.






Lanzamiento del álbum

El álbum fue lanzado en el Reino Unido el 26 de mayo de 1978, y en junio de 1978 en los Estados Unidos, en Harvest y Columbia respectivamente.

Contraportada del álbum

En una entrevista con Circus en 1978, Gilmour dijo: "Este álbum [David Gilmour] fue importante para mí en términos de respeto por mí mismo. Al principio no pensé que mi nombre fuera lo suficientemente grande como para llevarlo. Estar en un grupo durante tanto tiempo puede ser un poco claustrofóbico, y necesitaba salir de detrás de la sombra de Pink Floyd".

La portada del álbum es obra de Hipgnosis, colectivo que ya había trabajado en numerosas ocasiones con Pink Floyd.  La portada es una foto en la que se incluyen Gilmour, Rick Wills y Willie Wilson. La funda interior muestra un collage de fotos entre las que se encuentra su esposa en esos momentos, Ginger.

El álbum alcanzó el número 17 en el Reino Unido y el número 29 en las listas de álbumes de Billboard en Estados Unidos; fue certificado Oro en los Estados Unidos por la RIAA. Hasta On an Island de 2006, fue el álbum en solitario de Gilmour que alcanzó la posición más alta en los Estados Unidos.

Pantallazo de la lista británica

Además, Gilmour promocionó el álbum con sus primeras entrevistas con medios de comunicación norteamericanos y estaciones de radio de rock FM. 



El sencillo  There's No Way Out Of Here

Solo un tema fue lanzado como sencillo, la canción There's No Way Out Of Here con Deafinitely como cara B. El sencillo fracasó en Europa, pero se hizo popular en las estaciones de radio de rock orientadas a álbumes en los Estados Unidos.

Portado del sencillo en Alemania

Gilmour la interpretado posteriormente en vivo:




El tema ha sido versionado posteriormente por:

  •  la banda de stoner rock de Nueva Jersey Monster Magnet en su álbum Monolithic Baby! 


  •  Iron & Wine en su álbum de versiones de 2015 Sing Into My Mouth.

Película promocional

Se hizo una película promocional de cinco canciones para promocionar el álbum. La banda estaba compuesta por Gilmour en guitarras y voces, los dos músicos del álbum (el bajista Rick Wills y el baterista Willie Wilson) más el hermano de David Gilmour, Mark, en la guitarra rítmica e Ian McLagan en los teclados. Interpretaron "Mihalis", "There's No Way Out Of Here", "So Far Away", "No Way" y "I Can't Breathe Anymore". Hubo tres coristas femeninas en "There's No Way Out of Here" y "So Far Away": Debbie Doss, Shirley Roden y Carlena Williams. La promo fue grabada en vivo en The Roxy, Londres.







Lista de temas

Toda la música compuesta por David Gilmour excepto "There's No Way Out of Here" escrita por Ken Baker. Todas las letras de la letra son de Gilmour, excepto donde se anota.

Lado 1

1. "Mihalis" [instrumental] 5:46

2. "There's No Way Out of Here" (Ken Baker) 5:08

3. "Cry from the Street" (Gilmour, Electra Stuart) 5:13



Lado 2

5. "Short and Sweet" (Gilmour, Roy Harper) 5:30

6. "Raise My Rent" [instrumental] 5:33

7. "No Way" 5:32

8. "Deafinitely" [instrumental] 4:27


Enlace a la lista de reproducción del álbum:   David Gilmour - Self-Titled Album (Official

Funda interior



Créditos 
  • David Gilmour - Guitarra, teclados y voz, piano en So Far Away
  • Rick Wills - Bajo y voz
  • Willie Wilson - Batería y percusiones
  • Carlena Williams, Debbie Doss y Shirley Roden - Coros en So Far Away y There's No Way Out Of Here
  • Mick Weaver - Piano en So Far Away
Funda interior del álbum



Recepción

Ned Raggett comentó en su reseña de AllMusic:  El álbum homónimo... no es una colección de música inmortal en comparación con las alturas del grupo de Gilmour, pero es una escucha razonablemente agradable. Ciertamente, es mucho más accesible que Animals, lanzado a principios de ese año, evitando las epopeyas por números relativamente más cortos y reflexivos. Si bien Gilmour escribió la gran mayoría de las canciones él mismo, el número más exitoso fue coescrito con el miembro de Unicorn, Ken Baker: "There's No Way Out of Here", una canción agradablemente soñadora y melancólica con un atractivo gancho acústico de guitarra slide / armónica. Que suene un poco como una toma descartada de Pink Floyd ciertamente no duele, pero uno se imagina que Roger Waters habría intentado algunas letras muy punzantes para compensar la melancolía. A lo largo del álbum, Gilmour suena como si se estuviera divirtiendo improvisando con sus compatriotas en su propio estilo particular de blues y Home Counties, agregando sobregrabaciones de teclado aquí y allá (sus esfuerzos son pasables, pero es comprensible por qué es conocido por su trabajo de guitarra ante todo)...Si bien sería difícil tararear una melodía memorable fuera de "There's No Way Out of Here", sigue siendo una experiencia lo suficientemente buena para aquellos que disfrutan de su trabajo.

Imagen de la edición de 2006


Classic Rock (27 de enero de 2025) escribió "Como guitarrista tiene pocos iguales, pero como compositor no es Roger Waters": David Gilmour se eleva en un álbum debut en solitario bellamente elaborado, aunque en última instancia sin desafíos."


Reediciones 

Fue reeditado en LP y casete en 1983.

Fue publicado en CD por primera vez en 1987.

Contraportada de la edición de 1987

En 2006 se publicó remasterizado en CD.

Contraportada de la edición de 2006

La última reedición conocida fue en Japón en formato mini-lp en 2020.

Edición de 2020



Opinión personal

Por fin David Gilmour pudo demostrar su capacidad compositiva. Yo pienso que el álbum se encuentra al nivel de lo que hacía Pink Floyd en aquella época, aunque en el estilo propio de Gilmour que es más roquero. El álbum comienza con el instrumental Mihalis, un rock espacial, mi tema preferido. El éxito There's No Way Out Of Here anticipa lo que será su contribución al álbum The Wall. De Cry From the Street lo mejor es la guitarra de Gilmour. De las piezas cantadas la que más me gusta es "So far away" que suena muy floydiana aunque relajada. Short And Sweet es el otro éxito del álbum. Raise my rent me recuerda a los últimos álbumes de Pink Floyd ya sin Waters. No Way es un blues en el que destaca la voz de Gilmour. El instrumental Deafinitely puede que sea la pista más progresiva del álbum. Y el álbum cierra con I Can't Breathe Anymore en la que Gilmour muestra su estado de ánimo en aquellos momentos.



Letras

There’s No Way Out of Here

[Verse 1]
There's no way out of here
When you come in, you're in for good
There was no promise made
The part you've played, the chance you took
There are no boundaries set
The time and yet you waste it still

[Verse 2]
So it slips through your hands
Like grains of sand, you watch it go
There's no time to be lost
You'll pay the cost, so get it right
There's no way out of here
When you come in, you're in for good

[Chorus]
And never was
There an answer, there an answer
Not without listening, without seeing

[Verse 3]
There are no answers here
When you look out, you don't see in
There was no promise made
The part you've played, the chance you took
There's no way out of here
When you come in, you're in for good


[Chorus]
And never was
There an answer, there an answer
Not without listening, without seeing

[Verse 4]
There's no way out of here
When you come in, you're in for good
There are no answers here
When you look out, you don't see in
There was no promise made
The part you've played, the chance you took

[Guitar Solo]

[Outro]
(There's no way out of here
When you come in, you're in for good)
(There's no way out of here
When you come in, you're in for good)
(There are no answers here
When you look out, you don't see in)
(There's no way out of here
When you come in, you're in for good)

(There's no way out of here
When you come in, you're in for good)
(There's no way out of here...)


Cry from the Street

[Verse]
Black shadows dance beyond the neon glow
There's rumours in your head that just won't let go
They hold on so tight, it makes your blood run cold
Nailed in the night trying to save your soul

[Chorus]
Don't be afraid
It's just a cry from the street

[Verse]
It's fine to believe that what they keep, they own
So you've lost someone that you thought you owned
You know it's a crime, but what can you do?
That's the price you pay with each turn of the screw

[Chorus]
But don't pay no mind
It's just a cry from the street

[Verse]
The rhythm of the night, living on your love
It's such a crying shame that things got so rough
As the sirens scream, through your blinds, you peep
I guess the chances are you wish you'd stayed asleep

[Chorus]
Don't be afraid
It's just a cry from the street


So Far Away

Why am I suspended here?
Should I kid myself that I have no fear?
I get no choice, I just have to wait
It may already be too late

I don't know what's going on
She is here, but I am gone
I am gone

My love is lying here
She's far away though she looks so near
"Time will tell," she says to me
When a warm coat is all I need

Her peace of mind, her strength of will
It will come, she's sure it will
But how can I put my mind at rest?
I feel I'm coming off second best

And I'm cut with my own knife
Is this a dream or is it real life?
Oh, sleep, come o'er me soon
I can't bear this lonely room

Look at that head lying there
The room is dark, she shows no fear
I'm lying still, my eyes are wide
My heart is pumping, I'm still alive

I'm still awake against my will
What will it ever take to still
This burning in me?

And I'm cut with my own knife
Is this a dream or is it real life?
Oh, sleep, come o'er me soon
I can't bear this lonely room

Sleep, come o'er me soon
I can't bear this lonely room
Sleep, don't take too long
Can't keep singing this lonely song

Ooh, oh, oh, oh
Ooh, oh, ooh, ooh

Sleep, come o'er me soon


Short and Sweet

You ask what is the quality of life?
Seeking to justify the part you play
And hide, fearing it incomplete
To try to make it any more or less than short and sweet

But short, short is from you to me
As close as we are won't to try to make it be
We're caught watching the dark in the sky
Who knows, helpless as time itself to hold the time of day

And you, you are a fantasy
A view from where you'd like to think the world should see
Be true and you will likely find
A few building a vision new and justice to our time

And we, we, the immoral men
We dare, naked and fearless in the elements
And free, carefree of tempting fate
Aware and holding off the moral nightmare at the gates

And sweet, sweet as a mountain stream
We'll look toward a new day breaking in the east
We'll meet as every future dream unfolds
And surely quality that is the very least


No Way

[Verse 1]
There's no way I'm gonna let go
There's no way because it's my show
I'm hanging on for a little while
I won't go down easy, that's not my style

[Verse 2]
I'm all tied up, tied up in a knot
And I can't decide just what it is I've got
Did I get out of touch? Did I lose my way?
I've not forgot, no, not a single day

[Instrumental]

[Verse 3]
Now you might believe I'm not a happy man
Putting myself apart from the common clan
Well, the boat we're sailing, we have a leak or two
But I know it's sound like me and you

[Verse 4]
So there's no way I'm gonna let go
There's no way because it's my show
I'm hanging on for a little while
I won't go down easy, that's not my style

[Instrumental outro]


I Can’t Breathe Anymore

I can't breathe anymore
Why that is I'm not sure
I've got my feet on the ground
In fact I'm flat on the floor

My direction is lost
I should pause to take stock
It's a new one on me
To even dream that you're free

It's a tale without an end
But the end is there for all to see
And if the end weren't so real
Coming 'round and 'round again on me

I guess it's all about my pride
I want to be there at the kill
But with or without God on my side
I know that I really will



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jueves, 3 de julio de 2025

1977: Historia de la banda argentina Bubu - El álbum Anabelas

Contenido de esta entrada:

Introducción

Comienzos

El álbum Anabelas


Portada del álbum Anabelas




En este artículo traemos los comienzos y primer álbum de la banda argentina de rock progresivo Bubu.

Bubu

Bubu es una banda de rock sinfónico y rock progresivo argentina fundada en 1976 por Daniel Andreoli y Win Fortsman. Lanzó dos álbumes de estudio titulados Anabelas y El eco del sol. En la actualidad el proyecto está dirigido por su compositor, y recientemente lanzó una reedición de estos dos LP en formato vinilo.

Su música se emparentaba con la música sinfónica o progresiva de la época, muy influenciada por King Crimson, Frank Zappa o Focus, entre otros, así como Schöenberg o Igor Stravinsky.

En 2016 reaparece el grupo con un EP, y en 2018 lanza un nuevo álbum, El eco del sol.





La banda estaba formada originalmente por el cantante Miguel Zabaleta, el compositor Daniel Andreoli, el arreglista Sergio Blostein, Edgardo "Fleke" Folino al bajo, Win Forstman al saxo tenor, Cecilia Tenconi a las flautas, Sergio Polizzi al violín, Eduardo Rogatti a la guitarra y Polo Corbella a la batería.

Wim Forstman comenta los comienzos: “Hubo un grupo previo a Bubu, llamado Sion, que se formó por acumulación de amigos, de ahí la heterodoxia de la instrumentación. Yo fui el último en incorporarme. Allí se tocaba una parte de lo que luego fue el “Cortejo de un Día Amarillo” –primer tema del disco Anabelas-. No sonaba como yo quería, entonces propuse a Sergio Blostein -que fuera quien me había invitado a ser parte del grupo- que cambiáramos algunos músicos. La respuesta fue: Ni se te ocurra porque ellos son muy unidos, son muy amigos. Así que me fui del grupo, pero la música de Andreoli me había gustado y me sigue gustando. Entonces, un tiempo después, cite a Blostein y Andreoli, en lo que era el Bar El Foro, y les propuse armar un grupo donde Andreoli haría la composición, Blostein los arreglos y yo dirigiría. Eso en cuanto a la génesis y heterodoxia, el proceso posterior fue largo. En cuanto a la música que escuchábamos la respuesta más lógica sería: de todo. La composición y los arreglos estaban todos escritos, pero yo nunca soporté participar en proyectos donde la improvisación no fuera parte, así que en Bubu hubo partes de solistas sobre bases escritas y  partes de improvisación grupal, mi principal interés”.

El cantante Miguel Zavaleta cuenta sobre los comienzos:  “Mi ingreso a la banda fue, más que nada, porque conocía al compositor, Daniel Andreoli, con el cual habíamos compartido una banda anterior, con música de él, también, que se llamaba Sion. Pasaron un par de años y me fueron a buscar a casa. Ya estaba todo hecho, salvo un rocanrol que era instrumental, y yo no sabía mucho lo que era ser autor, entonces metía la cuchara en todos lados. Ni pensaba que había derechos de autor. Así que hice unas partes de rocanrol que, de todas maneras, no me habría anotado como co-autor, hubiera sido un caradurismo. La obra ya estaba hecha y yo tenía poco para cantar. Entonces, como tenía poco para cantar, empecé a disfrazarme y le sumé esa partecita. La música estaba bastante organizada. Había un arreglador que era Sergio Blostein. Estaba el coro, donde había unas chicas bárbaras, entre otras cosas, que lo dirigía Abel Zuker, a veces, hermano del Zuker que había sido músico de Alas, con Moretto, un músico extraordinario de la década del 70 que después se fue a vivir a Estados Unidos. O sea que el coro, también, tenía una persona que se ocupaba de aquello. Era una cosa, todo, de lo más increíble.  La música que me influenciaba, en ese momento, era todo el rock sinfónico, King Crimson, Génesis, fue la época en la cual me enamoré de ello y decidí hacerme músico. Escuchar esa música era salir disparado hacia el universo. Era maravillosa. Y, sin dudas Peter Gabriel es, para mí, un ícono, es realmente muy importante. Era también, todo, muy importante para el público, porque era la época de mezclar mucho teatro, además de que era una música grandiosa. No era mía, era de Andreoli, no es que estoy hablando bien de mi música. Era una música grandiosa que tenía mucho de ópera, era una mezcla de cosas musicales muy altas. Y yo, como no tenía mucho para cantar, me divertía haciendo personajes. Y había lugar para la improvisación, pequeños momentos, pero no era una banda de blues que ahí viene la improvisación y venía. No. Estaba todo escrito pero, dentro de eso, había cierta improvisación”.

Miguel Zavaleta

En cuanto a las influencias en la música de la banda Daniel Andreoli comentó: “Bubu no tenía correspondencias contemporáneas ni a nivel nacional ni extranjero, también las influencias de los músicos son ciertas: Wim Forstman tenía a Coltrane como referente, Cecilia Tenconi participaba a sus dieciséis años de los grupos de improvisación de Gerardo Gandini y Polizzi ingresaba a la sinfónica nacional, no obstante las improvisaciones estaban pautadas. Y yo enamorado de Stravinsky y King Crimson era Lizard/Islands”

Cecilia Tenconi


Forstman apunta sobre las influencias: “Ya sea prog o música contemporánea clásica, tanto Polizzi (violín de la Sinfónica Nacional) como Tenconi, parte de los músicos de Gerardo Gandini, y yo participábamos en conciertos de música contemporánea, aunque en lo personal, yo había hecho mis primeras armas en el rock sinfónico con un grupo llamado Poema Hidráulico de los Siete Enanos. Mi querido Fleck, Edgardo Folino -miembro de Bubu, el bajista- amaba el rock inglés y junto con Polo Corbella, Eduardo Rogatti y yo trabajábamos como músicos de sesión”


La banda debutó en el teatro Del Globo en 1976, caracterizándose desde el comienzo por la frescura y alegría de su música, y las novedosas puestas en escena muy teatrales. La base de sus presentaciones era la historia de "Anabelas", contada por un incondicional enamorado, personificado por el vocalista Miguel Zavaleta, quien con su simpatía e interacción con el público, sumado a la actuación de la banda, lograba crear un clima festivo en cada recital. Era usual que contaran con músicos invitados que se sumaban a las puestas en escena, entre ellos Pedro Aznar en coros.





Grabación

Su primer álbum titulado Anabelas fue grabado entre marzo y octubre de 1978. La mayor parte es instrumental.  Anabelas es un trabajo conceptual consistente en tres canciones extensas, características propias del rock sinfónico. En este álbum participaron reconocidos nombres del rock argentino como Polo Corbella, Petty Guelache o Eduardo Rogatti, entre otros.

Daniel Andreoli comentó: “La mecánica, todo se construía sobre una base obstinada y los solistas iban dialogando, respetando las texturas. Originalmente, en el grupo previo a Bubu o sea, el lado A del disco no había partes vocales, era un sólo movimiento instrumental, arreglado por Sergio Blostein, no fue hasta la incorporación de Wim quien sugirió la necesidad de incluir canción texto, por ese motivo aparecen en el lado B “El viaje de Anabelas” y “Sueños de maniquí”, cuyas letras son de Wim Fortman. Zavaleta era una suerte de Peter Gabriel porteño y fue el primer cantante de Bubu ensayando su futuro Suéter, quien por ciertos desgastes grupales no llego a grabar. De un momento para otro y con la fecha de grabación encima, hubo que probar cantante y fue Pety Guelache que en plena sesión de grabación aprendió ambas canciones y así quedaron registradas.  Yo estaba muy concentrado en el armado de planillas donde apuntaba cada instrumento, en que canal, y como organizar cada sesión, era un lujo contar con 16 canales, pero era imprescindible economizar espacio para los agregados y que este todo claro a la hora de la mezcla. Los músicos estaban ceñidos a la partitura exclusivamente, durante el periodo previo al Bubu que grabó, contamos con los arreglos de Sergio Blostein, mientras que “El viaje de Anabelas “y “Sueños de maniquí“ fue escrito íntegramente en un cuarto del Collegium Musicum y las partes improvisadas eran generadas en mi presencia en la sala de ensayo, buscando texturas y colores”

Durante la grabación de Anabelas, se produjo la marcha de Miguel Zavaleta y se incorpora como cantante Pety Gualache, ex Orion's Beethoven. Zavaleta comentó las razones de su marcha: “Me fui de la banda, durante la grabación de Anabelas, porque estaba harto de este país, todos mis amigos se habían ido, este era el país más aburrido del universo. Y había mucha gente que había colaborado con el proyecto Bubu, y muchos de ellos tenían créditos en autorías y esas cosas y yo ni sabía que existían. Estaban un poco enojados conmigo. Había algunas caras raras, no de la banda, pero sí de lo periférico, había un flaco que había puesto plata. Yo no me di cuenta de que había herido a alguien. No me di cuenta de que algunos estaban heridos y yo estaba aburrido de este país y me tomé el palo. Me remplazó un pibe que cantaba muy bien, Pety Guelache. Y luego, no es que se separan, es que el país no daba para nada. Ni el propio Spinetta casi tocaba. En 1978, cerca de la ESMA, había un teatrito muy lindo, era fúnebre, no había color, nada y estaba el pobre Spinetta haciendo fuerza y ya casi no quedaba nadie. Los 70’s fueron realmente siniestros, desde el 75 para arriba, especialmente. Y me tomé el palo. El género estaba mutando. En esa época el rock era música alta, de élite, y se fue para un lado que no me interesaba. Sobrevino el pop y eso me interesó más.  Esa era música para gente que ama a la música, Bubu y otras bandas no podían tener raigambre popular, fue una época muy loca la del rock de calidad, pero duró un par de años y luego entró a caer. Esa época gloriosa, con bandas en las que además nadie ganaba un peso, aparte cuando dividís la plata entre once y la agencia, si la hay, difícilmente te quede un peso, al menos que seas los Rolling Stones. Creo que el destino estaba marcado para que el rock fuera una música genial durante algunos años y luego desapareciera como creo que, lamentablemente, está pasando. Y en esa banda, el grueso, fue compuesto por Andreoli. Era el centro”

Pety Gualache comentó como fue su incorporación: “El primer recuerdo es una conversación telefónica, creo que con Daniel Andreoli  (no sé cómo me ubicaron) donde, entre otras cosas, me preguntaba si sabía leer música y, ante mi negativa, quedamos de todas formas en encontrarnos en casa de Wim Forstman, así me mostraban de qué se trataba. Yo nunca los había escuchado, pero sabía de ellos por comentarios y notas que había leído. Así que me puso muy contento el hecho de que me llamen porque imaginé que andábamos en búsquedas similares, aunque lo mío era un poco más “rock”. Así que allá fui, a la casa de Wim, donde entre él y Andreoli me pasaron en el piano las partes cantadas, y creo que al toque ligamos, a pesar de que estaba algo nervioso. Luego, cuando ya estaba en el proyecto, trabajé un par de veces con Cecilia Tenconi y otro personaje que iba a grabar los bajos. Así fuimos puliendo las voces, porque yo también me sumé a los coros que ya estaban grabados. Y pude agregar unos agudos en falsetes tremendos: me sentía en el cielo. Por entonces King Crimson era mi mayor influencia y también Gentle Giant, Zappa y Van der Graaf, digamos toda la vanguardia de aquella época irrepetible, y que sumado a lo más pesado, tipo Deep Purple, que venía escuchando de antes, iba forjando mi propia identidad. A mí, particularmente, lo del despliegue escénico no me llamaba mucho la atención, y creo que además fue parte de la razón del cambio de cantante, creo que la idea era enfocarse más en la música. Nunca me sugirieron nada respecto a lo escénico y, por lo tanto, tenia total libertad para hacer lo mío, lástima que solamente tuve la oportunidad de un solo recital en vivo, que fue en el Luna Park, porque ya después vino la separación.  Por eso también hay muchas cosas que desconozco de la gestación del proyecto, entré muy al final. Calculo que se manejaban mucho con partitura porque casi todos estaban en distintas cosas y eso hacía que en los ensayos, por ejemplo para el del Luna, estaba solamente la base y yo que era nuevo, a algunos los conocí el día anterior al recital, en el ensayo general, por eso, los que no venían seguido tenían que leer sí o sí. Así que bueno, lo poco que duró para mí fue mágico. Recuerdo que cuando escuché en el estudio toda la banda, acostumbrado a trabajar solo con el piano, me voló la cabeza, tener toda esa tremenda obra en los auriculares y empezar a cantar fue insuperable”.




Lanzamiento del álbum

En 1978 presentan el álbum como tal, pero para cuando el disco sale a la venta la banda prácticamente había desaparecido. La edición se agotó rápidamente. La separación de Bubu fue debido a lo mismo que le sucedió a otras bandas argentinas por aquella época: dictadura, amigos en peligro, exilios, proyectos desmembrados,...
Contraportada del álbum



“Los 70’s fueron realmente siniestros”, recuerda Wim Forstman

Andreoli comentó: "En el 79 me fui a Holanda. La noche de la dictadura era extremadamente negra”.

Pety Guelache certifica el desmadre, la diáspora creativa que generó la dictadura: “Yo creo que el motivo real de la separación fue el retiro de apoyo de la producción que teníamos en ese momento, que optó por proyectos más fáciles y lucrativos. El sello tampoco hizo mucho a nivel difusión y demás; desconozco si existía algún otro motivo de desgaste en la relación de los músicos, ya que era bastante gente para ponerse de acuerdo. Y sí, los tiempos de cambio apuntaban a cosas, digamos, más “fáciles” y masivas, yo creo que Bubu era demasiada “data”. Fue una banda irrepetible, ni antes ni después hubo algo parecido en el país. Después del golpe, que significó que había que empezar otra vez de cero, ensayamos un par de veces los que quedábamos, Andreoli en el bajo, Wim en el saxo, Polo Corbella en la batería y yo, que también ahora tocaría la guitarra, pero no dio, la cosa se fue diluyendo del todo y cada uno hizo lo suyo por su lado, una lástima. No sé qué hubiese pasado si seguíamos, pero calculo que algo “grosso”, aunque difícil de imponer en un “mercado” que, salvo unas pocas y raras excepciones, se estaba poniendo bastante mediocre. Agradezco profundamente haber sido parte.”

Edgardo "Fleke" Folino dejó la banda y Andreoli intentó salvar la banda asumiendo el papel de bajista: “A fines del 78 yo retomé el bajo y tocamos en el Luna junto a Mederos, Los desconocidos de siempre y no me acuerdo qué otra banda. Mientras estábamos tocando veíamos a la policía llevarse a los que estaban en la última fila, asustados cada uno se fue por su lado, cuando llegué a mi casa, mi papá me comento que, el día del concierto, vinieron tres hombres a decirle que no debía seguir dando recitales. Mi hermana sacó un pasaje de ida a Holanda, donde vivía mi amigo y hermano Norberto Glodburd, artista plástico”. Así se exiló en Ámsterdam. 




Lista de temas

Lado 1

1. «El cortejo de un día amarillo» (Daniel Andreoli (compositor) / Sergio Blostein (arreglos)) 19:25



Lado 2

1.  «El viaje de Anabelas» (Daniel Andreoli (compositor) // Wim Forstman (letra)) 11:08

2.  «Sueños de maniquí» (Daniel Andreoli (compositor) // Wim Forstman (letra)


Enlace a la lista de reproducción del álbum:   Anabelas

Enlace al álbum completo: BUBU - Anabelas [full album]





Créditos 
  • Petty Guelache - voz
  • Eduardo Rogatti - guitarra
  • Edgardo "Fleke" Folino - bajo
  • Polo Corbella - batería
  • Win Forstman - saxo tenor, letras
  • Sergio Polizzi - violín
  • Cecilia Tenconi - flautas
  • Mario Kirlis - piano


Reediciones 

Fue publicado por primera vez en CD en 1989 en Estados Unidos con Music Hall.

Contraportada de la edición de 1989

En 2007 fue reeditado en Argentina en CD con EMI.

Contraportada de la edición de 2004

En 2018 fue publicado en ficheros WAV para descarga.

En 2020 fue publicado en Corea del Sur en vinilo rojo con estrías azules.


En 2021 fue publicado en Alemania en vinilo de 180g en edición limitada.



Opinión personal

Este álbum es como la culminación del rock progresivo argentino. A pesar de la fecha que se publicó, 1978, tiene un rock progresivo complejo con aires a King Crimson. La situación en Argentina no ayudó por lo que la banda terminó por separarse quedando esta joya en el olvido. El álbum es principalmente instrumental en la que destaca el saxo de Win Forstman. Tiene un sonido de vanguardia que me recuerda al Rock In Opposition. En progarchives está entre los 100 mejores álbumes de todos los tiempos.


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