En este artículo nos ocupamos del álbum Die Mensch-Maschine / The Man-Machine de la banda alemana Kraftwerk.
Kraftwerk traducido "central eléctrica" es una banda alemana formada en Düsseldorf en 1969 por Ralf Hütter y Florian Schneider. Ampliamente considerados innovadores y pioneros de la música electrónica, Kraftwerk fue uno de los primeros grupos exitosos en popularizar el género. El grupo comenzó como parte de la escena experimental de krautrock de Alemania Occidental a principios de la década de 1970 antes de adoptar completamente la instrumentación electrónica, incluidos sintetizadores, cajas de ritmos y vocoders. Wolfgang Flür se unió a la banda en 1974 y Karl Bartos en 1975, ampliando la banda a un cuarteto.
La portada del primer álbum, titulado Kraftwerk (1970), mostraba un cono de tráfico, que fue una marca distintiva en esta fase inicial del grupo. El diseño de la portada, acreditado a Ralf Hütter, es un curioso guiño a la influencia de Andy Warhol y el movimiento pop art contemporáneo, que presenta un cono de tráfico de color fluorescente dibujado de una manera similar a Warhol. Un artículo anterior lo dedicamos a sus comienzos y al primer álbum: 1970: Comienzos de Kraftwerk y primer álbum
Portada original del primer álbum homónimo de Kraftwerk
La palabra "Kraftwerk" significa central eléctrica o planta y maquinaria, de ahí el uso del letrero en la portada para transmitir la idea de obras viales debido a una planta y maquinaria / hombres en el trabajo.
Para vuestro mundo la palabra “energía” tiene un distinto significado que para el nuestro. Para vosotros significa algo “muy fuerte, poderoso”. Para nosotros es más una presencia. Todas las formas de energía. Ya sea mental, intelectual o eléctrica. Toda ella repercute en nuestra música”
Ralf Hutter
El trabajo de la banda ha influido en una amplia gama de artistas y muchos géneros de música moderna, incluyendo synth-pop, hip hop, post-punk, techno, ambient y música de club. En 2014, la Recording Academy honró a Kraftwerk con un Grammy Lifetime Achievement Award. Más tarde ganaron el Premio Grammy al Mejor Álbum Dance / Electrónico con su álbum en vivo 3-D The Catalogue (2017) en la ceremonia de 2018. A partir de 2020, la banda continúa de gira. En 2021, Kraftwerk fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll en la categoría de influencia temprana.
Al comienzo de 1970Hütter y Schneider iniciaron el proyecto Kraftwerk y establecieron su propio estudio de grabación, denominado Kling Klang Studio, en el centro de Düsseldorf. Las primeras formaciones de Kraftwerk de 1970 a 1974 fluctuaron, ya que Hütter y Schneider trabajaron con alrededor de media docena de otros músicos durante los preparativos y la grabación de tres álbumes y apariciones esporádicas en vivo, incluido el guitarrista Michael Rother y el batería Klaus Dinger, que se fueron para formar Neu!.
La banda lanzó dos álbumes de rock experimental de forma libre, Kraftwerk (1970) y Kraftwerk 2. Los álbumes fueron en su mayoría improvisaciones musicales exploratorias tocadas en una variedad de instrumentos tradicionales, como guitarra, bajo, batería, órgano, flauta y violín. Las modificaciones posteriores a la producción de estas grabaciones se usaron para distorsionar el sonido de los instrumentos, particularmente la manipulación de cintas de audio y múltiples doblajes de un instrumento en la misma pista. Ambos álbumes son puramente instrumentales. En un anterior artículo comentamos su segundo álbum: 1971: Kraftwerk 2
Portada de su segundo álbum
En un anterior artículo continuamos su historia hasta la publicación de su tercer álbum Ralf und Florian en octubre de 1973 en Alemania.
Portada del álbum Ralf und Florian
En un anterior artículo nos ocupamos de “Autobahn”, su cuarto álbum, en realidad el primero conocido a nivel internacional después de sus tres primeros álbumes totalmente instrumentales y experimentales.
Autobahn fue también el primer álbum conceptual de Kraftwerk. El título se traduce en castellano simplemente como "Autopista" y se inspiró en la red de autopistas alemana. La música era como un guion de cine y un viaje hacia el sonido electrónico.
El punto de comienzo del synth pop se remontan a la publicación de este álbum, el cual supuso un cambio en el desarrollo de la música electrónica y popular. Su revolucionario trabajo, futurista y original para la época, sería decisivo en el desarrollo de la música en los años posteriores e influenciaría fuertemente a los artistas que vendrían unos años después, especialmente en el Reino Unido.
Fue la primera vez que un grupo de música electrónica emprendía una gira. La mayoría de críticas señalan a “Autobahn” como prácticamente el primer disco de música electrónica en la historia.
Ya hemos visto que hay álbumes anteriores que pueden tener dicha distinción, aunque es el primero que se promociona en una gira. Para ello hicieron transportable su estudio de grabación. El álbum se incluyó en el libro 1001 Álbumes que debes escuchar antes de morir.
En un anterior artículo nos ocupamos del sencillo Radioactivity, del álbum “Radio-Activity”(título en alemán: “Radio-Aktivität”, en español Radio Actividad). Es el único sencillo que se extrajo del álbum. Aprovechamos para comentar la versión de 1991 y actuaciones y versiones en vivo: 1975: La radioactividad de Kraftwerk, el sencillo
En un anterior artículo nos ocupamos del álbum “Radio-Activity”(título en alemán: “Radio-Aktivität”, en español Radio Actividad) que es el quinto álbum de estudio de la banda electrónica alemana Kraftwerk, lanzado en octubre de 1975. El primer álbum completamente electrónico de la banda, es un álbum conceptual organizado en torno a los temas de la desintegración radioactiva y de la comunicación por radio.
Portada del álbum Radio-Aktivität en Alemania
En anteriores artículos comentamos el álbum Trans Europa Express:
Musicalmente, el álbum sigue la línea de su predecesor Trans Europa Express, dejando en segundo plano las máquinas de ritmo y logrando un sonido más suave en general. Fue creado y grabado en el estudio Kling-Klang de Kraftwerk en Düsseldorf, pero se mezcló en el estudio Rudas debido a que la consola del Kling-Klang no era suficiente. La mezcla estuvo a cargo de Joschko Rudas, con la colaboración en algunas canciones del ingeniero de Detroit Leanard Jackson, de Whitfield Records, quien había trabajado el año anterior en el segundo álbum de Rose Royce. Florian Schneider y Ralf Hütter fueron los productores, y entre los equipos utilizados destacó el vocoder Sennheiser VSM 201.
Vocoder Sennheiser VSM 201
The Man-Machine fue el primer álbum de Kraftwerk en el que Karl Bartos fue coacreditado como compositor.
Como en los álbumes anteriores, Die Mensch-Maschine es un álbum conceptual. Mientras que Autobahn y Radio Activity abordaban temas más alemanes y Trans Europa Express se centraba en Europa, el séptimo álbum tiene un enfoque más global y explora temas futuristas como los viajes espaciales, los robots y la gran ciudad con un matiz satírico. La inspiración para este trabajo provino del clásico alemán del cine mudo Metrópolis, dirigido por Fritz Lang en 1927.
Imagen de la película Metrópolis
Tanto el título del álbum "La máquina humana", como la canción "Metrópolis" y la idea de un mundo dominado por la tecnología, donde el ser humano libre es reducido a sirviente de una compleja máquina, están inspirados en la película.
El álbum aborda una amplia gama de temas, desde la Guerra Fría, la fascinación de Alemania por la manufactura y la relación cada vez más simbiótica de la humanidad con las máquinas.
Con la excepción de Das Model, la letra es de Ralf Hütter que la escribió junto con Emil Schult. En Spacelab y Metropolis únicamente se repite el nombre del título correspondiente.
Con un toque extra de refinamiento en su estilo mecánico, el álbum le dio al grupo la oportunidad de integrar ritmos más bailables.
Con fines promocionales, la banda mandó fabricar maniquíes que se utilizaron en algunos eventos de prensa vinculados al lanzamiento. Después de cinco años sin aparecer en televisión, Kraftwerk volvió a la pantalla en la cadena ZDF el 29 de marzo de 1978. Vestidos como robots vivientes (pantalones grises, camisas rojas y corbatas negras con LEDs rojos secuenciados), presentaron al público su nuevo sencillo (We are ...) The Robots. En el video se combinan las imágenes de los músicos con la de los maniquíes.
El diseño de la imagen de portada es de Karl Klefisch y está basado en una obra del constructivista ruso El Lissitzky y el movimiento suprematista. En la portada están las palabras "inspirado en El Lissitzky". La imagen de portada, realizada en negro, blanco y rojo, es una adaptación de una ilustración del libro infantil Cuento suprematista (de dos cuadrados).
Portada de la obra de El Lissitzky
Gunther Frohling fotografió al grupo para la portada, una imagen ahora icónica que mostraba al cuarteto vestido con camisas rojas y corbatas negras.
El álbum salió el 28 de abril de 1978, lanzado por Kling Klang en Alemania y por Capitol Records en el resto del mundo. El álbum fue lanzado en versión alemana (Die Mensch-Maschine) y en versión inglesa con el título The Man-Machine.
Tras su lanzamiento, el álbum alcanzó el puesto 12 en Alemania, 9 en el Reino Unido y 130 en Estados Unidos. Fue certificado oro en el Reino Unido por más de 100.000 unidades vendidas.
Pantallazo de la lista británica
Tras su lanzamiento, Kraftwerk no publicó otro álbum ni gira durante tres años.
Recepción
El álbum les consiguió su primera portada en la revista británica New Musical Express, donde se destacó la “realización casi perfecta de sus ambiciones musicales y políticas”. Melody Maker lo describió como un “álbum majestuoso y frío”.
La vestimenta de la portada, con camisas rojas y corbatas negras, dio a la banda una apariencia falsamente fascista que fue especialmente rechazada en Estados Unidos.
Matt Mitchell, de la revista Paste, dijo que "El álbum fue el momento en que Kraftwerk tomó su característico estilo mecánico de siempre y lo reinventó para transformarlo en una estética perfecta para el ambiente de club de baile".
El equipo de GQ India comentó: "Inspirándose en la música electrónica de la contracultura alemana —un movimiento aún influyente conocido como Krautrock por el público británico— durante los años 70 y principios de los 80, [Kraftwerk] moldeó algo modernista [...] a partir de las posibilidades de la música con sintetizador."
Según Alex Linhardt de Pitchfork, la banda "simplemente suena como robots" en el álbum. Explicó: Aunque el vertiginoso mundo de las citas de Ralf Hütter no conoce límites en cuanto a pretensión, este álbum es probablemente el que mejor refleja su música ideal: sin emociones, filosofías, interpretaciones y casi sin humor. Es pura tecnología: silbidos y circuitos veloces de fábricas automatizadas, tubos hidráulicos que parpadean, odómetros y engranajes amplificados, y palmadas mecánicas anteriores a la era Pong.
Según Steve Huey, de AllMusic, "The Man-Machine está más cerca del sonido y estilo que definirían el electro-pop new wave temprano: menos minimalista en sus arreglos y más complejo y bailable en sus ritmos subyacentes." Además describió el estilo como "más orientado al pop que cualquiera de sus trabajos anteriores".
Una vez más, este álbum estableció estándares para la industria musical y los estilos musicales que siguieron.
Varios artistas británicos tomaron el álbum como referencia musical y escénica, junto con la segunda cara de Lowde David Bowie. La música de Kraftwerk sonaba en clubes británicos como Billy’s, en Londres. El uso de sintetizadores impulsó una ola de synth pop y de bandas de nuevos románticos en el Reino Unido. Uno de los primeros en seguir su estela fue Gary Numan, en 1979, quien adoptó el look de camisa y corbata negras para el escenario. La idea de dejar que las máquinas hicieran el trabajo fue retomada por The Human League durante su gira como teloneros de Talking Heads, en la que no aparecían en escena y solo usaban grabadoras y proyectores de diapositivas. En sus primeros años, Depeche Mode colocaba los sintetizadores —al igual que Kraftwerk— alineados uno junto al otro en el escenario.
Portada del álbum Low
Reediciones
Fue publicado por primera vez en CD en 1986.
En 2006 fue publicado como disco de imagen.
En octubre de 2009, se publicó una edición remasterizada del álbum en CD, vinilo y formatos digitales por Mute Records y Astralwerks.
En 2015 se publicó en vinilo de 180g.
En 2020 se publicó en edición limitada en vinilo rojo traslúcido.
Opinión personal
Mi vinilo es de una reedición de 1985 en España. El primer vinilo que tuve de ellos fue Computer World. The Model fue una de las primeras canciones que grabe de la radio con 14 años. Es un hito en la historia de la música electrónica y un referente para muchos artistas.
Letras
"Die Roboter"
Wir laden unsere Batterie
Jetzt sind wir voller Energie
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir funktionieren automatik
Jetzt wollen wir tanzen mechanik
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Jetzt wollen wir tanzen mechanik
Wir sind auf Alles programmiert
Und was du willst wird ausgefhrt
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir funktionieren automatik
Jetzt wollen wir tanzen mechanik
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Jetzt sind wir voller
Jetzt wollen wir tanzen
Jetzt sind wir voller
Jetzt wollen wir tanzen
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
"Das Model"
Sie ist ein Model und sie sieht gut aus
Ich nehm sie heut gerne mit zu mir nach Haus
Sie wirkt so kühl, an sie kommt niemand ran
Doch vor der Kamera, da zeigt sie, was sie kann
Sie trinkt in Nachtclubs immer Sekt (korrekt)
Und hat hier alle Männer abgecheckt
Im Scheinwerferlicht ihr junges Lächeln strahlt
Sie sieht gut aus und Schönheit wird bezahlt
Sie stellt sich zur Schau für das Konsumprodukt
Und wird von Millionen Augen angeguckt
Ihr neues Titelbild ist einfach fabelhaft
Ich muss sie wieder seh'n, ich las, sie hat's geschafft
En este artículo traemos los comienzos y primer álbum de la banda canadiense de rock progresivo, FM.
Logo de la banda
FM es un grupo canadiense de música rock progresivo formado en 1976 en Toronto, por Cameron Hawkins y Jeff Plewman (rebautizado como Nash the Slash). La banda existió desde 1976 hasta 1989, en el periodo 1994-1996, 2006 y desde 2011 hasta la actualidad. Han tenido períodos de inactividad durante su existencia. Su música ha sido categorizada como rock espacial, y las letras están dominadas por temas de ciencia ficción. En noviembre de 2011, Hawkins reformó la banda con dos nuevos músicos.
Antes de que terminara 1977, Plewman, ahora conocido como el artista en solitario 'Nash The Slash', fue reemplazado por Ben Mink, quien también tocaba el violín y la mandolina eléctricos.
El álbum se grabó utilizando el método de grabación directa a disco, sin emplear cinta de grabación. Este proceso exige que la banda interprete en vivo dos caras de 15 minutos en el estudio, sin sobregrabaciones. La mezcla se realiza en tiempo real y se transcribe directamente al disco maestro durante la interpretación. Este formato, que tuvo un breve auge en los años 70, siempre fue de edición limitada, ya que solo es posible prensar un número reducido de copias a partir del disco maestro.
Durante la sesión de grabación se grabaron seis tomas para cada lado. La edición original usa cuatro tomas en cada lado. El número de toma se determina comprobando el sufijo de número lateral en los números de matriz inscritos junto a la ranura de salida. Los sufijos A4 y B4 indican la toma cuatro.
La grabación se realizó en los Phase One Recording Studios Ltd. / The Lacquer Channel Ltd., Toronto Canadá. Los ingenieros fueron Kevin Fuller y Robin Brouwers asistidos por Jeff Stobbs y Mick Walsh. Fue producido por Paul A. Gross.
Contenido del álbum
El álbum era mayormente instrumental y contaba con una pieza en cada lado. Los críticos compararon la primera cara con una mezcla de Yes, King Crimson y Lighthouse. La segunda cara, con un aire jazzístico, terminaba con el sonido de un instrumento poco común: un monitor cerebral de ondas alfa conectado a un sintetizador, que traducía en tiempo real las ondas cerebrales del baterista Martin Deller en un zumbido palpitante.
Lanzamiento inicial
Fue lanzado en mayo de 1978 en un pequeño sello llamado Labyrinth Records, con número de catálogo LBR-1001, lo que sugiere que probablemente fue el primer (y posiblemente único) lanzamiento del sello. Esta versión fue una edición limitada de 20.000 ejemplares. Fue bien recibido por los críticos.
Fue lanzado originalmente con una carpeta desplegable. La portada fantástica de Paul Till muestra a un guerrero (posiblemente del pasado lejano, o del futuro lejano, y posiblemente femenino) mirando un portal y viendo un tubo de vacío verde brillante en primer plano, superpuesto sobre el rostro del guerrero. El concepto hace referencia al uso que hace el álbum de tecnologías de grabación antiguas, pero no obsoletas y (posiblemente) superiores: amplificadores de válvulas y el proceso de grabación directa a disco.
Portada del álbum
El tema de la cara uno se titula "Headroom" en la carpeta y "Head Room" en la etiqueta del vinilo. En el tema de la cara dos, "Border Crossing" se indican cuatro movimientos en la carpeta y cinco en la etiqueta.
Lanzamientos posteriores
Algún tiempo después del lanzamiento de la edición original (posiblemente en 1980), aparecieron varias reediciones. Uno aún conserva el título original Direct to Disc, pero tiene un nombre de compañía diferente en el sello: Kiras Music Works. Otra edición cambia el título del álbum a Head Room, o quizás Headroom. Todas las ediciones continúan usando el número de catálogo original en la portada.
Estas ediciones posteriores utilizan diferentes tomas de la pista para la cara dos. Se sabe que existen tomas uno y dos (marcadas como B1 y B2 en el área de la matriz). La banda no sabía que se habían publicado otras versiones.
Una edición remasterizada de Direct to Disc fue lanzada por Esoteric Records (ECLECM2377) el 25 de febrero de 2013.
"Tyra" – Una introducción de los tres músicos con bajo, pedales de bajo, batería y violín eléctrico.
"Reflections One" – Una pieza para violín con percusión ligera, congas, acordes de bajo y pedales de bajo.
"Reflections Two" – Los mismos temas que "One", presentados sobre un fondo de secuencias, sintetizador de cuerdas y batería con melodías de violín, voz y sintetizador.
"Real Time" – Un espacio de separación
"Scarbería" – El solo de batería se convierte en un puente improvisado sintetizado de batería, violín y bajo. La pieza concluye con una canción de rock and roll en 14/8.
Lado 2
1."Border Crossing" (Martin Deller) – 15:24 – Una composición que toma influencias del rock, jazz y música clásica.
"El Primer Movimiento" – se inspiró en los haikus japoneses; un verso de tres versos con una cadencia rítmica de 5/7/5.
"El Segundo Movimiento" – está libre de métrica ni centro tonal, y contrasta el primer movimiento con una falta de estructura.
"El Tercer Movimiento" – es introducido por una línea de bajo secuenciador ostinato. A continuación, todos los músicos improvisan sobre este patrón.
"El Cuarto Movimiento" – es en forma tradicional de canción con batería, violín, bajo eléctrico y pedales de bajo. La pieza concluye con entornos de sintetizador añadidos de ruido modulado y control de ondas cerebrales alfa de un ARP 2500.
Cameron Hawkins - sintetizador Minimoog con secuenciador Polyfusion 2040, sintetizador Micromoog con secuenciador Polyfusion AS-1, sintetizador Micromoog con controlador de percusión, sintetizador de cuerdas Elka con pedales de bajo, pedales de bajo Eko, bajo eléctrico Rickenbacker, fuzz Maestro Brassmaster, filtro Mu-tron 111, voces
Martin Deller - batería Fibes, congas, campanas y percusión varia, controlador de percusión Moog, sintetizadores ARP 2600 y ARP 2500
Ben Mink – violín eléctrico de 5 cuerdas, mandolina eléctrica de cuerpo sólido de 5 cuerdas
Imagen de la reedición en CD de 2013
Opinión personal
Se puede considerar un álbum en directo ya que grabado directamente al disco de vinilo. Contiene dos piezas largas en la que los músicos dan rienda suelta a la improvisación en la que destacan los teclados electrónicos y la batería. Esto hace que adquiera un tono jazzista sin abandonar el rock espacial. Es uno de los mejores álbumes del rock progresivo canadiense.
