Este artículo lo dedicamos a Eberhard Schoener y el álbum Video Magic publicado en 1978.
Eberhard Schoener (nacido el 13 de mayo de 1936) es un músico, compositor, director de orquesta y arreglista alemán. Sus actividades combinan muchos estilos y formatos. Originalmente violinista clásico y director de música de cámara y ópera, fue uno de los primeros en adoptar y popularizar el sintetizador Moog en Europa. En los años 70 viajó a Indonesia e incorporó elementos musicales de Asia en su propia obra. Ha colaborado con músicos de rock como Jon Lord y The Police, así como con los pioneros alemanes de la música electrónica Tangerine Dream en un arreglo orquestal para el tema "Mojave Plan" en una actuación en directo en un programa de televisión alemán en 1981. Ha compuesto bandas sonoras para cine, vídeos, música para televisión y una ópera que se emitió por Internet. Ha recibido numerosos premios, entre ellos el Premio de Arte Schwabing de 1975 para música, el Premio Bambi de 1992 a la creatividad y un premio a la trayectoria en el Festival de Música y Sonido en Cine y Medios de Colonia en noviembre de 2014.
1958: Estudios de violín en la Academia de Música de Detmold (Nordwestdeutsche Musikakademie) bajo la tutela del profesor Tibor Varga, corista bajo la dirección del profesor Eugen Pabst.
1959: Beca en la Accademia Musicale Chigiana de Siena, clase de dirección con Sergiu Celibidache y música de cámara con Quinteto Chiagiano.
1960: Primer violín en la Ópera Estatal de Baviera.
1961: Fundación de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Múnich, conocida internacionalmente como "La Orquesta Joven (Das junge Orchester)" en la serie de televisión de ARD.
1964: Supervisor musical de la Ópera de Baviera hasta 1968.
1965: Fundación de la Ópera de Cámara de Múnich y desde entonces supervisor artístico y director. Entre otros, dirigió óperas y conciertos anuales en el Brunnenhof (Patio de la Fuente) en el Castillo de la Residencia de Múnich.
1968: Estableció un laboratorio de música electrónica en los estudios Bavaria y fue uno de los primeros en experimentar con el sintetizador Moog.
1970: La contribución oficial alemana a la Expo Mundial del 70 en Osaka fue compuesta por él.
1973: Realiza la ópera de cámara "La Zingara" para la televisión pública alemana (ZDF).
1974: Colabora con Jon Lord de Deep Purple en Windows y la actuación se televisó con la participación de David Coverdale, Glenn Hughes y Pete York. Lo comentamos en el artículo: 1974: Las ventanas de Jon Lord y Eberhard Schoener.
1974: Supervisión musical y dirección de la ópera "El director del teatro" (Der Schauspieldirektor)" de W.A. Mozart, producida para la televisión, protagonizada por Peter Ustinov. Fue publicado en 1976 a través de EMI Classic. En Canadá se publicó en cuadrafónico.
1976: Dirige la Bayerisches Staatsorchester para interpretar Bastien und Bastienne de Wolfgang Amadeus Mozart. Se publicó en Alemania en cuadrafónico con His Master's Voice en 1976 dentro de la serie Warner Classics.
1977: Dirigió un fragmento de la ópera “Sakuntala” de Franz Schubert para el Teatro Internacional de Danza de la cadena pública alemana ZDF. Sakuntala es una obra incompleta, de la que solo se conservan fragmentos. La única sección finalizada es el coro que cierra el Acto I.
1977: Nominado al German Album Award.
1977: Premio del Ministerio del Interior al Guion de "Rita oder die Goldoper" (Rita o la ópera de oro).
1977: Publica el álbum "The Book", banda sonora del documental … und die Bibel hat doch recht(… y la Biblia tiene razón después de todo) dirigido porHarald Reinl: 1977: Eberhard Schoener pone música a la Biblia.
Schoener había una banda con el fin de no solo enriquecer la música de sintetizador, sino también interpretarla en vivo. A esta banda la llamó The Secret Society, integrada inicialmente por Andy Summers (guitarra), Hans Peter Ströer (bajo), Nippy Noya (percusión) y Raimund Elleder (teclados). Eberhard ya conocía a Summers desde que ambos habían participado en el álbum Sarabandede Jon Lord en 1976. Summers era por aquel entonces ya un guitarrista experimentado, hábil y versátil.
Andy Summers
En junio de 1977, Summers se unió a The Police, que en ese momento estaba integrada por Sting (bajo y voz), Stewart Copeland (batería) y el guitarrista punk Henry Padovani. En julio de ese año, realizaron una gira como cuarteto. Poco después, Summers reemplazó a Padovani, cuyo estilo ya no encajaba tras el alejamiento de la banda del punk, y quien dejó el grupo por decisión propia. Summers continuó con sus compromisos con Schoener e involucró también a sus compañeros de The Police en ellos.
A finales de 1977, Schoener estaba organizando un espectáculo que Summers calificó como una “extravagancia multimedia”, combinando láseres, circo, rock, música clásica y electrónica, además de un ballet y un mimo. Nippy Noya y Raimund Elleder dejaron la banda por lo que Schoener necesitaba más músicos para su proyecto. Summers les propuso a sus compañeros de The Police, quienes aceptaron sin dudar, ya que estaban ansiosos por conseguir dinero para cumplir su sueño de triunfar como banda. Así, The Police se reunió en Múnich para trabajar con Schoener, donde estuvieron trabajando durante un par de semanas. No sabían donde se habían metido pero la oferta económica les sedujo.
Schoener forjó una gran amistad con el trío y coincidió con Stewart Copeland en su interés por los ritmos balineses. Comentó que era el mejor baterista que había conocido, tocando con una increíble fuerza que le salía de forma natural.
Al principio, Sting se unió como bajista, pero cuando Schoener lo escuchó cantar quedó fascinado con su voz y le asignó un papel especial, haciéndolo cantar en un tono muy alto. Sting era introvertido, tímido y reservado, y no permitía que nadie se le acercara. Compartía con Schoener su gusto por la música clásica y solían escucharla juntos, mientras Sting intentaba identificar su estructura. Tras dejar Police, volvió a coincidir con Schoener y continuaron conversando sobre música clásica. Cuando Sting dio unos conciertos en solitario en Munich telefoneó a Schoener y se encontraron para hablar.
Cartel de una actuación de Schoener con The Secret Society
De esta primera reunión con los componentes de The Policesurgió el álbum Flashback que se publicaría en los primeros meses de 1978 y que vino acompañado de una gira anunciada como Trans-Formation Laser in Concert. La gira contabilizó ocho conciertos que comenzaron el 20 de mayo de 1978 en el Santory de Colonia (Alemania) y terminaron el 27 de mayo en el Phillipshalle de Düsseldorf.
De ahí surgió la idea de hacer un nuevo álbum que diera pie a una nueva gira.
Grabación
El álbum Video Magic fue grabado en el Electrola-Studio y en el Bavaria-Studio, ambos de Múnich, y mezclado en el EMI-Electrola Studio de Colonia entre los meses de agosto a noviembre de 1978 con los ingeniero Reiner Oppelland y Wolfgang Thierbach.
Reiner Oppeland
Para muchos músicos que han trabajado con música electrónica, el cosmos, el espacio, el universo o la galaxia se han convertido en símbolos de su obra. El material electrónico básico (las distintas formas de onda) parece tener esa conexión, pero para mí es más bien una estrategia de marketing ingeniosa del universo que una verdadera definición del contenido musical. Sin embargo, me interesa un planeta vinculado con la música, un lugar donde tanto el transmisor como el receptor estén en esta parte que antes era accesible.”
Eberhard Schoener
Steward Copeland no participó en el álbum siendo sustituido por el baterista Evert Fraterman. Los otros componentes de The Police, Sting y Andy Summers si lo hicieron.
Evert Fraterman
Además colaboró Olaf Kübler al saxofón alto y tenor. También participó la orquesta de cámara y ópera de Munich dirigida por Schoener.
El primer tema, "Octogon", es una pieza instrumental que evoca a Pink Floyd, con Andy Summers ofreciendo una guitarra al estilo de David Gilmour. "Speech Behind Speech" está fuertemente marcada por el Mellotron, con Sting cantando en un tono muy agudo. "Natural High", otro tema vocal también cargado de Mellotron, es lo más cercano al sonido de The Police en el álbum. "Code Word Elvis" es una pieza orquestal.
La cara dos comienza con el tema que da título al álbum y evoca los incipientes videojuegos. "Night Bound City" es un tema electrónico que evoca el krautrock. "San Francisco Waitress" suena como si encajara en cualquiera de los álbumes en solitario de Sting tras The Police, aunque con un toque propio de finales de los 70. Dream of the Blue Turtles no aparecería hasta 1985, pero comparte ese aire jazzístico, con Olaf Kubler al saxofón, muy similar a lo que Branford Marsalis hizo en los trabajos en solitario de Sting (excepto que Marsalis tocaba el saxofón soprano). "Koan", que cierra el álbum, es una pieza más bien minimalista.
Lanzamiento
El álbum fue lanzado tan solo en Alemania, Japón, Italia y España en diciembre de 1978 con Harvest. En 1979 se publicó en Portugal con Vadeca. En 1980 se publicó en Grecia. Se publicó inicialmente con una carpeta desplegable.
En Italia se publicó con una portada diferente.
Recepción y legado
El hermano mayor de Stewart, Miles Copeland, se convirtió en el mánager de The Police y, preocupado por que proyectaran una imagen “punk”, rompió toda relación de Schoener con la banda, dejando en el olvido el llamado “período de Múnich”. Miles financió el primer álbum de The Police y, gracias al tema “Roxanne”, les consiguió un contrato con el sello A&M. El éxito del grupo en el Reino Unido los llevó a una agotadora gira por Norteamérica en 1979, y así The Police alcanzó la fama.
El título del álbum Video Magic hacía referencia a una esperada gira con The Police que, al final, no se concretó. Schoener ofreció varios conciertos en una gira denominada Laser '79 sin ellos entre enero y principios de febrero de 1979.
Schoener no quiso que lo acusaran de aprovecharse del éxito de The Police y se mantuvo a distancia de ellos. De esta manera el álbum no obtuvo el éxito esperado.
Portada del álbum en Italia
Lista de canciones
Todos los temas fueron compuestos por Eberhard Schoener.
Como tal el álbum no fue reeditado. En 1986 tanto en CD como LP se publicó el álbum recopilatorio Music From "Video Magic" And "Flashback" que contiene la mayoría de los temas del álbum.
Opinión personal sobre el álbum
Este álbum es muy ecléctico, mezclando estilos como rock progresivo, krautrock, synthpop y jazz fusión. Da la impresión de que Schoener está en una encrucijada, sin decidirse por un rumbo concreto. Participaron miembros de The Police, excepto Stewart Copeland, lo que puede verse como el inicio de su distanciamiento de lo que habían hecho con Schoener y el comienzo de su propio camino hacia el éxito. Sin proponérselo, Schoener mostró a Sting lo que debía hacer si iniciaba una carrera en solitario, y éste lo tomó en cuenta, pues fue la ruta que siguió al dejar The Police. El álbum abre con el instrumental Octogon, donde Andy Summers, con una guitarra al estilo Gilmour, y la orquesta aportan un toque sinfónico. Es mi tema favorito. En Natural High encontramos lo más cercano al sonido de The Police. Video Magic es un synthpop que me recuerda a los primeros videojuegos. Night Bound City y Koan, en cambio, son piezas cósmicas y electrónicas cercanas al krautrock.
Este artículo está dedicado al álbum ...And Then There Were Three... de la banda de rock progresivo Genesis publicado el 31 de marzo de 1978. El álbum marca un punto de inflexión importante en la historia de la banda, tras la marcha del guitarrista Steve Hackett. Esto redujo la formación a un trío central formado por el batería y vocalista Phil Collins, el teclista Tony Banks y el bajista/guitarrista Mike Rutherford, habiendo acordado no buscarle sustituto. Ante la pérdida de un compositor principal, los miembros restantes se alejaron deliberadamente de las estructuras épicas y expansivas del rock progresivo que definían su trabajo anterior, optando en su lugar por formatos de canciones más cortos, compactos y directos.
Anteriores artículos
En anteriores artículos comentamos su séptimo álbum de estudio, A Trick of the Tail:
En anteriores artículos comenzamos a comentar su siguiente álbum Wind & Wuthering que sería el último con la participación de Steve Hackett antes de su partida en 1977. De paso comentamos la gira que hicieron para promocionarlo y que se denominó Wind & Wuthering Tour. Durante esa gira grabaron el álbum Seconds Out que comentamos también.
Los ensayos se llevaron a cabo en los estudios Shepperton y duraron unas seis semanas. En septiembre de 1977, los tres miembros restantes volvieron a Relight Studios en Hilvarenbeek, Países Bajos, para escribir y grabar su nuevo álbum, el mismo lugar donde habían trabajado en el anterior Wind & Wuthering. Querían grabar en un sitio diferente, pero no encontraron un estudio que cumpliera con sus necesidades y preferían no alejarse demasiado de Inglaterra. Rutherford quería quedarse en Londres, aunque admitió que grabar en el extranjero era su “única concesión fiscal”. El ingeniero de sonido y coproductor David Hentschel, que había colaborado en los dos últimos discos de la banda, se unió nuevamente al equipo. Genesis compartió la producción y figura acreditado en la portada del álbum. Según Rutherford, el material se grabó en solo dos semanas. Pensaron en buscar un nuevo guitarrista o contar con uno de sesión, pero Rutherford confiaba lo suficiente en sus habilidades para encargarse él mismo de las partes principales, disfrutando el reto. Banks comentó que trabajar como trío resultó más sencillo y agradable, ya que cada uno tenía un rol claro, reduciendo la posibilidad de conflictos. Rutherford notó que, con solo tres, las pistas básicas eran pocas y difíciles de visualizar hasta añadir las sobregrabaciones. Tras finalizar, mezclaron el álbum en Trident Studios, Londres.
David Hentschel
La mayoría de sus once canciones fueron escritas individualmente. Banks (cuatro canciones) y Rutherford (tres canciones) siguieron siendo los principales compositores, mientras que el resto incluyó una pieza de Banks y Collins y tres temas escritos por los tres miembros. Collins, instalado en South Ealing con su esposa y dos hijos, no tuvo mucho tiempo para aportar nuevas canciones a las sesiones. Rutherford comentó después que le sorprendió que el grupo escribiera "Follow You Follow Me", ya que antes les costaba crear canciones que encajaran en un formato de cuatro minutos. Collins recordó que fue la única canción del álbum escrita desde cero durante los ensayos. Gran parte del álbum se compuso a partir de canciones ya escritas, más que de ideas surgidas de improvisaciones o jams. Collins opinó más tarde que el disco era "muy vocal y sólido" y que carecía de “piezas ricas y jazzísticas” como “Los Endos” de A Trick of the Tail, con su mezcla de ritmo y melodía, pero no pudo proponer algo así porque le resultaba complicado tocar la batería en su piso con su familia. Aunque el grupo seguía ganando popularidad en Estados Unidos, y pese a “Follow You Follow Me”, no lograron un sencillo exitoso, algo que Banks reconoció como un hecho negativo. El orden original del álbum colocaba “Undertow” antes que “Many Too Many” y “Scenes from a Night’s Dream”, pero fue cambiado porque la banda sintió que así fluía mejor.
Phil Collins
Contenido del álbum
El álbum marcó un cambio en el sonido de la banda, dejando atrás sus raíces de rock progresivo para apostar por canciones más cortas y directas. La idea era incluir más propuestas musicales en un mismo disco y responder a las crecientes escenas de punk rock y new wave, donde lo habitual eran temas breves y concisos. Collins admitió que esto podía dar la impresión de que Genesis buscaba convertirse en “una banda de singles” centrada en el éxito comercial más que en la credibilidad artística, aunque defendió que el nuevo material seguía siendo “esencialmente el mismo”. Rutherford, por su parte, quería desarrollar su propio estilo y no imitar los característicos tonos de guitarra de Hackett, lo que llevó a que el álbum tuviera un mayor protagonismo de los teclados de Banks y partes de guitarra más sencillas y escasas.
Mike Rutherford
Cara uno
"Down and Out", una de las tres canciones compuestas en conjunto, nació durante los ensayos de la banda. Al principio, Thompson tuvo problemas para tocar su compás más complejo en vivo, ya que Collins no lograba explicar el riff y el ritmo que, según Rutherford, solo “añadían confusión”. Las letras, escritas por Collins, hablan de discográficas estadounidenses que dejan de lado a sus artistas cuando ya no están en tendencia; el estribillo está narrado desde la perspectiva del artista y los versos desde la de la discográfica.
La banda había pensado inicialmente en desarrollar y arreglar más la canción de Banks “Undertow”, pero su base de guitarra, batería y piano, junto con un estribillo sencillo, resultó lo bastante sólida como para dejarla tal cual. En la pista, Banks toca un piano de cola eléctrico Yamaha e incorpora bucles de voz creados por la banda que se mantuvieron discretos y sutiles en la mezcla final. Banks había compuesto una introducción de dos minutos para la canción, pero recuerda que los demás miembros no estuvieron de acuerdo porque el álbum ya tenía suficientes partes de teclado. Esa sección no utilizada fue reelaborada y más tarde sirvió como tema para la película “The Shout”, siendo publicada como “From The Undertow”, la pista inicial del primer álbum en solitario de Banks, A Curious Feeling (1979).
La letra de "Ballad of Big" fue escrita por Collins. La introducción presenta un efecto de guitarra vibrante creado por Rutherford, quien frotó las cuerdas con trozos de metal para darle una “tensión ligeramente oriental”. Al final de la canción, Banks y él se enfrentan alternando entre el piano eléctrico Yamaha y el sintetizador de guitarra Roland.
Para "Snowbound", Collins grabó originalmente su parte de batería a un ritmo considerablemente más rápido antes de que el grupo decidiera reducirla para adaptarse al estilo de la canción. Collins y Rutherford la describieron como una canción romántica, con letras sobre un hombre que lleva un disfraz de muñeco de nieve para esconderse de la gente, pero que, dentro de casa, se vuelve paranoico y descubre que no puede salir.
Mientras Banks escribía "Burning Rope", decidió acortar la pista en lugar de estirar sus arreglos hasta convertirlos en una pieza extendida, ya que quería evitar repetirse y hacer comparaciones con su "One for the Vine" de diez minutos de Wind & Wuthering. Incluye un solo de guitarra principal que Rutherford consideró un reto de producir tras la marcha de Hackett. Quedó satisfecho con el resultado final y lo calificó como su mejor en el álbum.
Cara dos
El título original de "Deep in the Motherlode" era "Heavy". Rutherford toca una guitarra slide de cuello de botella con la que, al principio, no tenía experiencia, hasta el punto de colocarla en la mano equivocada.
"Many Too Many" tiene más trabajo de guitarra solista de Rutherford. Tras grabar las pistas básicas, la banda no sabía cómo cerrar la canción y buscó añadir más partes instrumentales, incluyendo un sonido de cuerdas que Banks tocó en un Polymoog. En algún momento pensaron en usar instrumentos orquestales, pero la idea nunca llegó a concretarse. Banks, autor de la letra, recordó que Collins tuvo problemas para cantar la palabra "mama" en el estribillo, y él tuvo que tranquilizarlo diciéndole que podía hacerlo. También comentó en una entrevista que en realidad la parte de cuerdas la tocó en un Mellotron (su última aparición en un disco de Genesis) y en un sintetizador de cuerdas Roland, ya que opinaba que "el sonido básico de cuerdas del Polymoog no es tan bueno como imitación de cuerdas".
Polymoog 230a. Comenzó a fabricarse en 1975
"Scenes From a Night's Dream" se basa en un sueño de la infancia, inspirado en el personaje de la tira cómica Little Nemo, parte de un libro que Collins había comprado hacia tiempo para su hermano. La canción nació de una idea musical de Banks, quien escribió un primer borrador de la letra pero lo dejó a medias al sentir que no encajaba bien. Finalmente, la banda eligió unas letras que Collins improvisaba en sus ratos libres mientras mezclaba en Trident Studios, aportando una melodía distinta y más armonías.
Tira cómica de Little Nemo
"Say It's Alright Joe", escrita por Rutherford y penúltima en grabarse para el álbum, es una balada sobre un alcohólico que se sumerge en la embriaguez. El guitarrista quiso que fuera una parodia del estilo alcohólico de Dean Martin, “set ’em up Joe”, pero pensó que no funcionaría hasta que Banks añadió sus sobregrabaciones de teclado y la banda comenzó a mezclar la pista, momento en el que “cobró vida”.
Dean Martin en el papel del borracho Dude en la película Rio Bravo
La introducción de "The Lady Lies" buscaba transmitir un aire de stripper, de ahí su título. La letra cuenta la historia de un hombre que salva a una mujer de las fauces de un monstruo, pero que luego es seducido por ella, a quien el letrista sabe que es un demonio, atrayéndolo hacia un destino incierto. La canción fue interpretada con frecuencia en las giras de la banda en 1978 y 1980. Phil solía indicar al público cuándo animar y cuándo abuchear, según los personajes y acciones de la historia. Daryl Stuermer cerraba con un solo de guitarra extendido.
Genesis decidió cerrar el álbum con una “nota más ligera” para contrastar con las canciones más intensas, así que pusieron “Follow You Follow Me” al final. Fue la única pista escrita durante los ensayos y pasó por varias versiones antes de que el grupo optara por un arreglo de tres minutos. Aunque Hentschel no estaba convencido de la canción, preparó una mezcla inicial y la presentó a Atlantic Records, que la vio como un posible éxito. Finalmente se remezcló e incluyó en el álbum. Las letras, escritas por Rutherford e inspiradas en su esposa, fueron las más fáciles que había hecho, tomando apenas “unos diez minutos” en escribirlas.
Lanzamiento
El álbum salió en el Reino Unido el 31 de marzo de 1978 con Charisma y en Estados Unidos el 28 de marzo con Atlantic Records. Se publicó con una carpeta desplegable. Alcanzó el puesto número 3 en la lista de álbumes del Reino Unido, donde permaneció 32 semanas, y el número 14 en el US Billboard 200. Continuó vendiéndose bien y obtuvo el disco de oro de la Recording Industry Association of America el 31 de mayo de 1978 por 500.000 copias vendidas en EE. UU., y el de platino el 11 de febrero de 1988 por un millón de copias. Este trabajo marcó un avance comercial para Genesis, ya que atrajo a audiencias lo bastante grandes como para que las giras generaran beneficios, algo que hasta entonces siempre había dado pérdidas.
Pantallazo de la lista británica
Genesis lanzó dos sencillos extraídos del álbum. El sencillo principal, "Follow You Follow Me", se convirtió en su mayor éxito desde su formación, alcanzando el número 7 en el Reino Unido. Su éxito presentó a la banda a un nuevo público, incluyendo un interés femenino más amplio, ayudado por la emisión de su videoclip en Top of the Pops. Su éxito llevó a algunos fans a acusar al grupo de venderse a música más comercial.
Recibió críticas mixtas de la época debido a que el álbum solo contenía canciones cortas, lo que entusiasmó a nuevos fans pero desilusionó a quienes ya estaban acostumbrados al trabajo previo de la banda.
En una reseña de abril de 1978 para Melody Maker, Chris Welch describió el álbum como“fuerte y seguro”, afirmando que es “tan bueno como cualquiera que hayan hecho tras la salida de Gabriel”. Destacó que las canciones tienen “un sentido de propósito” y “un sonido notablemente potente”, eligiendo “Ballad of Big” como su favorita.
The Town Talk elogió al grupo por llenar con confianza el vacío que dejó Hackett, señalando “Down and Out” como prueba de su supervivencia. El resto del disco fue descrito como “un tapiz de paisajes imaginarios poblados de héroes míticos en lucha, que Génesis ha aprendido a retratar tan bien”.
Gary Mullinax, en The Morning News, opinó que el álbum sonaba muy parecido a Wind & Wuthering, destacando el predominio de los teclados de Banks sobre las guitarras de Rutherford, con “la misma música onírica de muro de sonido y las mismas voces agudas” de Collins. Concluyó que Genesis brilla en ciertos momentos, pero que muchas canciones no progresan, “mezclándose unas con otras como una especie de musak moderno”.
Charley Walters, en Circus, señaló que, pese a las salidas de Gabriel y Hackett, la banda no ha perdido “ni dirección ni calidad”. Consideró que el álbum combina temas “duros, casi ominosos” como “Down and Out” con otros “suaves y melódicos” como “Say It’s Alright Joe”, creando “un sonido mágico y místico” que los distingue de otros grupos europeos de art-rock, en su mayoría inferiores. Elogió a Banks por sus arreglos “ricos” y al trabajo de guitarra sutil de Rutherford, “más sentido que escuchado”, especialmente en “Burning Rope”. No obstante, criticó que la voz de Collins carece de amplitud o momentos memorables, aunque como batería sigue siendo melódico.
The Globe and Mail comentó que “las canciones siguen sonando como Tennyson hecho música, pero todo está realizado con precisión y no hay un solo sonido que no sea hermoso, denso, ornamentado y muy exuberante”.
Otros críticos fueron aún más duros con el álbum, entre ellos Jon Pareles y Robert Christgau de Village Voice, quien comentó que “sin el guitarrista principal Steve Hackett, la banda pierde su último punto focal; el resto es puro relleno. De ahí un sonido tan empalagoso como el temido Moody Blues, pero con menos justificaciones”.
En Crawdaddy, Michael Bloom opinó que los arreglos y el sonido de teclado de Banks eran flojos, comentando que las melodías tienden a “desaparecer” y “escaparse entre los dedos”. También dijo que la forma de tocar la guitarra solista de Rutherford era “torpemente insoportable” en comparación con Hackett, aunque reconoció que sigue siendo un “bajista poco común” y que su manera de tocar la guitarra de 12 cuerdas le recordó al crítico el álbum Trespass (1970) y esa etapa de la banda. Bloom señaló “The Lady Lies” como la mejor aportación de Banks en lo musical y lo lírico, comparándola con “One For The Vine” de Wind & Wuthering, y también resaltó “Deep In The Motherlode” como un tema sólido, pero consideró que el canto de Collins era “uniformemente insípido” y concluyó que el disco es “menos que una decepción, una frustración interminable”. En su reseña para Rolling Stone, arremetió contra el álbum de Hackett de aquel entonces, Please Don't Touch!, aunque también señaló que su antigua banda corrió con peor suerte, concluyendo que “esta obra despreciable es apenas la sombra más pálida de los logros pasados del grupo.”
Las críticas retrospectivas también han sido variadas. En The Rolling Stone Album Guide, J. D. Considine lo describió como “un verdadero avance pop” que “refina la interpretación para reducir el brillo vacío y la energía desperdiciada”, mientras que MusicHound Rock (1996) señaló que “llevó a Genesis a la radio con ‘Follow You, Follow Me’, pero carecía de la fuerza compositiva y los arreglos ambiciosos de sus trabajos anteriores”.
Mike Rutherford - bajos, guitarras, sintetizadores de guitarra ARP Avatar y Roland GR-500
Prospecto inicialmente incluido
Opinión personal
Genesis fue de las pocas bandas de rock progresivo que supo dar el salto a temas más cortos y comerciales sin perder relevancia, e incluso ganó nuevos seguidores. Follow You, Follow Me es, sin duda, una melodía pegadiza y una hermosa canción romántica que cautivó al público femenino. Creo que incluso abrió el camino para que Phil Collins iniciara su carrera en solitario, dejando atrás su segunda banda, Brand X. El secreto del éxito estuvo en mantener su esencia mientras acortaban las composiciones. Además, Rutherford no intentó imitar a Hackett, sino que apostó por un estilo propio que luego triunfaría con Mike and the Mechanics. Personalmente, siempre prefiero el original a la copia. Aunque algunos fans de la etapa más progresiva de Genesis no recibieron bien el álbum, contiene piezas que conectan con esa época y que son mis favoritas: Deep in the Motherlode, Burning Rope, Say It's Alright Joe y Undertow.
Reediciones
Fue reeditado por primera vez en CD en Europa en 1983 con Charisma.
En 1994, Virgin lanzó en Europa y Atlantic en Estados Unidos y Canadá una versión digitalmente remasterizada en CD.
El 2 de abril de 2007 se lanzó un set doble SACD/DVD con nuevas mezclas en 5.1 y estéreo. En Estados Unidos y Canadá, se incluyó dentro del box set Genesis 1976–1982, que contiene el álbum remezclado en estéreo y sonido envolvente, junto con pistas de vídeo relacionadas. La única canción que no se remezcló fue "Say It's Alright Joe", ya que la banda no pudo encontrar las grabaciones multipista.
En 2007 se publicó en ficheros WAV y AAC y en 2008 en ficheros MP3.
En 2015 se publicó remasterizado en vinilo de 180g en Estados Unidos y en 2016 en Europa.
En 2024 se publicó una edición limitada en vinilo en Estados Unidos.