El rock progresivo tiene una larga tradición en Latinoamérica desde los años 1970, principalmente en Brasil, Argentina, Uruguay y Chile, por provenir de ahí las bandas que fueron pioneras en este estilo hacia 1970 (Som Imaginario de Brasil, Arco Iris de Argentina y Kissing Spell de Chile), además que grabaron en español usando ese estilo, a diferencia de países que grababan íntegramente en inglés. En algunos de estos grupos, la influencia de las bandas anglosajonas convive con el interés por la música folclórica, dando lugar a fusiones musicales propias.
En este artículo traemos dos grupos: Arco Iris y Freedom.
Arco Iris es un grupo argentino de rock progresivo fundado en 1968 en el Gran Buenos Aires.
La banda fue fundada por el guitarrista Gustavo Santaolalla,con Ara Tokatlian en flauta e instrumentos de viento, Alberto Cascino en batería y Guillermo Bordarampé en bajo.
El grupo se caracterizó tanto por su misticismo hippie, bajo la guía de Danais Winnycka, como por una musicalidad caracterizada por la complejidad y la fusión con ritmos folclóricos, de la mano del talento del guitarrista y cantante Gustavo Santaolalla como compositor, y de Ara Tokatlian, aportando el sonido de la flauta o del saxofón, inusuales en el rock argentino de entonces.
En 1971 publican el sencillo Mañana campestre / Soy un pedazo de sol que sirve de adelanto del que será su segundo álbum.
Cluster fue un dúo alemán de música experimental formado por Hans-Joachim Roedelius y Dieter Moebius, asociado con las escenas musicales de krautrock y kosmische de Alemania Occidental que tuvo una significativa influencia en el desarrollo de la música electrónica y del ambient. A lo largo de su carrera la banda grabó material de un espectro estilístico muy amplio, pasando desde la música experimental y el drone hasta el rock progresivo, manteniendo siempre un enfoque vanguardista. Cluster se mantuvo en activo intermitentemente desde 1971, publicando un total de nueve álbumes de estudio.
Cluster
AllMusic describió al grupo como "la unidad de rock espacial más importante y consistentemente subestimada de los años 70". El músico, escritor e historiador del rock Julian Cope incluyó tres de los álbumes del dúo en su lista "A Krautrock Top 50" y The Wire posicionó al álbum debut homónimo de Cluster en el número 31 en el ranking "One Hundred Records That Set The World On Fire".
Dieter Moebius, Hans-Joachim Roedelius y Conrad Schnitzler formaron Kluster en 1969, tras conocerse en el Zodiak Free Arts Lab. El trío lanzaría tres álbumes: Klopfzeichen, Zwei-Osterei y Eruption. Schnitzler dejó la banda en 1971, y Roedelius y Moebius cambiaron su nombre a Cluster. En su debut homónimo, lanzado ese mismo año, se les unió Conny Plank, quien posteriormente dejaría su labor como músico para centrarse en tareas de producción e ingeniería. Continuaron como dúo a partir de entonces, pero trabajaron extensamente con el productor / ingeniero Plank hasta su muerte en 1987.
Conny Plank
El álbum sería el primer lanzamiento de los músicos en un sello grande, como lo era Philips, pues los trabajos de Kluster habían sido publicados de manera independiente o en el pequeño sello alemán Schwann.
Grabado en enero de 1971, Cluster comenzó una transición desde el sonido industrial discordante de su grupo anterior Kluster hacia atmósferas más suaves. Russ Curry, de Curious Music, acredita a Conny Plank por el cambio de enfoque, explicando que esta evolución "continuó el compromiso con la improvisación, pero desarrolló una preocupación por la estructura del sonido". Cluster tiene poca o ninguna melodía o ritmo discernible. Thom Jurek de AllMusic describe Cluster como "una fusión dislocante y desorientadora de música espacial aleatoria, ruido industrial, atmósfera proto-ambiental, retroalimentación y lavado de sonido". La instrumentación incluía un par de órganos, guitarra hawaiana, violonchelo y generadores de audio, todos tocados por Moebius y Roedelius y todos los cuales fueron tratados electrónicamente por Conny Plank. Spencer Gradyde BBC Music declaró que:
...lejos de proporcionar un mero ambiente de fondo, las ondas de hipnosis [del álbum] están continuamente expuestas a la perforación por oleadas desorientadoras de energía, impartiendo llamadas de atención a la comodidad.
Cluster fue lanzado en 1971 por el sello discográfico Philips. Fue la única edición de un álbum de Cluster con este sello.
El álbum fue reeditado con nuevas ilustraciones y un nuevo título, Cluster 71,por Sky Records en 1980.
Portada de la reedición de 1980
Cluster 71 fue remasterizado digitalmente (de una fuente de vinilo, no una cinta) y reeditado en CD en 1996 por Sky con nuevas ilustraciones: un total de tres diseños de portada diferentes para el álbum hasta la fecha.
Portada del CD de 1996
Recibió su primer lanzamiento en Estados Unidos en 2006 en el sello Water con sede en San Francisco. La reedición de Water restauró la portada original de Philips, pero conserva el nombre cluster 71. Una edición remasterizada limitada de 1.000 copias de Cluster 71 con la portada original de Sky fue reeditada por el sello japonés Captain Trip como un CD el 20 de septiembre de 2007. Fue relanzado una vez más en 2010 por Bureau-B con la portada original y el orden de ejecución, pero nuevamente masterizado a partir de un LP.
Interior de la carpeta del álbum
Una reseña en Amazon.com plantea que "las tres canciones anónimas compuestas e interpretadas por Moebius y Roedelius son piezas exploratorias y siempre cambiantes (...) Este álbum merece los muchos reconocimientos que se le han dado, y se sostiene como un hito temprano en la historia del ambient".
Legado
The Wire colocó el álbum debut homónimo de Cluster en su lista "One Hundred Records That Set the World on Fire". Spencer Grady de BBC Music describió el álbum como una influencia en artistas como Brian Eno, John Foxx y Coil, así como "una nueva red global de cosmonautas impulsados por sintetizadores [...] desde Emeralds y Oneohtrix Point Never hasta Mountains, Astral Social Club y el sello Ghost Box", afirmando que "cada uno tiene una deuda colosal con Cluster y este álbum en particular". The Wire escribió que Cluster "prefigura la música electrónica illbient unos 20 años después, partes de él suenan extrañamente como DJ Spooky", mientras que acredita "parches de batería de golpeteo regular" por conjurar "un techno mal formado". Elogiaron el álbum por fusionar nuevas posibilidades para la "producción de ruido electrónico" con las "repeticiones y resonancias" de la música dub, lo que resulta en música que se asemeja a la "música espacial con una resaca severa".
En este artículo traemos dos grupos de rock progresivo que son verdaderas curiosidades.
Julian Jay Savarino Julian’s Treatment publica en 1971 su segundo álbum Waiters on the Dance basada en la trilogía de libros de ciencia ficción Lemmus: A Time Odyssey.
La banda canadiense Syrinx con el uso innovador del sintetizador Moog en 1971 tiene mala suerte con su segundo álbum. Se quema el estudio de grabación incluidos sus instrumentos y las copias maestras. Menos mal que pudieron grabarlas de nuevo.
Como nexo de unión tienen el uso predominante de teclados.
El proyecto musical Julian’s Treatment fue creado y liderado por Julian Jay Savarin, un músico, artista polifacético, compositor, poeta y escritor de ciencia ficción nacido en 1950 en Dominica y radicado en Gran Bretaña desde 1962, el cual comienza a idear un concepto musical propio inspirado por la activa escena de rock local.
Julian Jay Savarin
Los discos que publicaron son conceptuales basada en la trilogía de libros de ciencia ficción Lemmus: A Time Odyssey escrita precisamente por Julian Savarin, siendo esta música el fruto de un arduo y esmerado trabajo que refleja los conceptos literarios, poéticos y filosóficos propios del autor. La primera obra de la serie, Waiters on the Dance (1972), habla de la Organización Galáctica y los Dominios, que existían mucho antes de los tiempos históricos de la Tierra. Hay tres hilos principales, a veces entrelazados, en la historia, jugados contra el telón de fondo del poderoso pero supuestamente benevolente G.O.D. Una es la increíblemente brillante y extra sensorial Alda, una mujer de Sirio, que quiere gobernar la galaxia a través de esfuerzos detrás de escena.
En 1971, Birth Records publicó en el Reino Unido el segundo álbum "Waiters On The Dance", acreditado a Julian J. Savarin. En algunos mercados se publicó en 1973.
El único músico de la formación con la que publicó el primer álbum era el bajista John Dover. Otros músicos de la nueva banda de Julian eran Nigel Jenkins (guitarra), Roger Odell (batería) y Jo Meek (voz).
Toda la obra se erige con una composición cuidadosa y rigurosa, sentando bases para una música progresiva que presenta auras oscuras, delicadas partes progresivas, fuertes atascos a manera de canción y a manera de piezas instrumentales simbólicas; toda la obra es simbólica y representa un mundo ideario enriquecido por las visiones propias del autor. Está basado en gran medida en el órgano de Savarin.
Su discografía concluiría allí aunque su carrera como escritor sería igual creativa pero mucho más fructífera, publicando una gran cantidad de libros, entre novelas y publicaciones independientes.
Syrinx fue un grupo canadiense de música electrónica activo desde 1970 hasta 1972. Impulsado por las composiciones del tecladista John Mills-Cockell y respaldado por el saxofonista Doug Pringle y el percusionista Alan Wells, el grupo abrió camino musical con su uso innovador del sintetizador Moog y sus inspiraciones de música del mundo.
Gracias a la buena acogida y críticas de su primer álbum, Syrinx regresó al estudio a finales de 1970 para grabar un segundo álbum. Sin embargo, después de semanas de grabación, un incendio destruyó el estudio, los instrumentos del grupo, incluido el sintetizador moog Mark II de Mills-Cockell, y las cintas maestras de las grabaciones para su nuevo álbum.
Sin inmutarse, y con el apoyo de la comunidad musical de Toronto, el grupo compró nuevos instrumentos y siguió adelante para grabar el álbum.
Long Lost Relatives fue publicado en 1971 en el sello True North de Finkelstein. El álbum incluyó el tema Tillicum de Mills-Cockell y las cuatro piezas de Stringspace (que, debido a las restricciones de espacio abarcaban ambos lados del LP), completadas por tres composiciones adicionales de Mills-Cockell: Tumblers to the Vault, Better Deaf and Dumb from the First y Aurora Spinray. Tillicum también fue lanzado como sencillo, y alcanzó el puesto #38 en las listas canadienses en 1971.
Contraportada del álbum
Las críticas fueron positivas elogiando las composiciones de Mills-Cockell y la naturaleza pionera de la música.
El grupo se disolvió en 1972 cuando Mills-Cockell y los otros miembros continuaron con otros proyectos.
El 24 de agosto de 2016, RVNG Intl. anunció el lanzamiento de Tumblers from the Vault, una colección remasterizada que incluye todo el repertorio lanzado de Syrinx, junto con pistas inéditas, incluida la grabación de audio de la actuación de CBC Music to See de Stringspace.
Tonto's Expanding Head Band fue un dúo de música electrónica británico-estadounidense formado por Malcolm Cecil y Robert Margouleff. A pesar de lanzar solo dos álbumes a principios de la década de 1970, el dúo fue (y sigue siendo) influyente debido a su trabajo de sesión y producción para otros músicos (especialmente Stevie Wonder) y un extenso trabajo de publicidad comercial.
En este artículo nos ocupamos de su primer álbum titulado Zero Time que se publicaría en 1971. El álbum es un escaparate para TONTO(The Original New Timbral Orchestra), un sintetizador polifónico multitímbrico construido por los dos miembros de la banda, Malcolm Cecil y Robert Margouleff, como una versión desarrollada del sintetizador Moog III en 1969. El dúo comenzó a producir su propia música juntos en el sintetizador con la intención de llevar las habilidades de la máquina, y sus propias habilidades como músicos, al límite. Grabando sus composiciones en Nueva York, se acercaron a TONTO sin nociones preconcebidas y con la intención de hacer que la música fuera intrínseca al sintetizador.
En 1969, los ingenieros Robert Margouleff y Malcolm Cecil, cumpliendo los deseos del pionero del sintetizador Robert Moog, desarrollaron módulos adicionales para la unidad central del teclado Moog III. La creación fue nombrada The Original New Timbral Orchestra o TONTO. Más tarde se agregó un segundo Moog III, luego cuatro OBERheim SEM, dos ARP 2600, EMS, Roland, Yamaha, etc. además de varios módulos personalizados diseñados por Serge Tcherepnin y el propio Cecil, que tenía experiencia en ingeniería eléctrica. Más tarde, se agregaron circuitos de generación de sonido digital y una colección de secuenciadores, junto con el control MIDI. Entre los primeros sintetizadores en crear sonido polifónico, TONTO era un instrumento del tamaño de una habitación que, según un crítico, se parecía a la cabina de un cohete de película de ciencia ficción y sigue siendo el sintetizador Moog más grande que existe, construido en cajas de madera ligeramente curvadas ensambladas una al lado y encima de la otra. Cecil explicó que, con TONTO, quería crear el primer sintetizador polifónico multitímbrico del mundo, mostrando un tipo de polifonía diferente a lo que ha llegado a definir los sintetizadores modernos. Dijo que, para él, "multitimbral" significaba que cada nota tiene su propia calidad de tono como si las notas "vinieran de instrumentos separados".
Sintetizador TONTO
TONTO apareció (como la "sala electrónica") en la película de Brian de Palma de 1974Phantom of the Paradise.
También fue utilizado en el álbum 1980 de Gil Scott-Heron & Brian Jackson y fue fotografiado en la portada y contraportada de este álbum.
TONTO pasó a ser propiedad exclusivamente de Malcolm Cecil cuando adquirió la participación de Robert Margouleff en 1975. A mediados de la década de 1990, TONTO se trasladó a los estudios Mutato Muzika, la sede de Mark Mothersbaugh y Devo, lo que llevó a rumores generalizados de que Mothersbaugh había comprado TONTO, pero esto no era cierto. TONTO finalmente regresó a la casa de Cecil en Saugerties, Nueva York. A finales de 2013TONTO fue comprado por el Centro Nacional de Música (NMC) de Calgary, Alberta. El NMC había deseado durante mucho tiempo adquirir TONTO y, al trasladarlo a Calgary, lo colocó en exhibición. A fines de 2017, John Leimseider completó una restauración de varios años de duración del TONTO, reemplazando gatos desgastados y reparando conexiones rotas. TONTO ahora se puede tocar, y es parte de la colección viva del Centro Nacional de Música. Los artistas de sintetizadores pueden volver a grabar con TONTO en los estudios de grabación de NMC.
Malcolm Cecil en 2015.
Después de la creación de TONTO, Robert Moog comenzó a desarrollar el Minimoog, dejando que Cecil y Margouleff llevaran TONTO al estudio para comenzar a usarlo en su propia música. En 1971, se propusieron crear música que mostrara la versatilidad del sintetizador, sin intención de obtener ganancias financieras del material, sino simplemente obtener paisajes sonoros inimitables. La música en Zero Time se originó cuando el dúo gradualmente comenzó a crear composiciones juntos y "una cosa llevó a la otra". La música del álbum fue grabada en Mediasound Studios en la ciudad de Nueva York. Trabajando en equipo, cada uno se turnaba en TONTO mientras el otro ayudaba. Los esfuerzos de uno harían un sonido mientras que el otro lo capturaría en cinta. A veces, el dúo tocaba simultáneamente, agregando armonías, melodías y pistas de bajo y sonidos de ingeniería juntos. Margouleff dijo:
La temporalidad de la misma, la calidad caótica de la misma, la capacidad de crear estos sonidos más maravillosos que están ahí por un segundo y luego desaparecen, luego actúas sobre la cosa de una manera muy impulsiva, al igual que un músico de jazz actúa impulsivamente en su instrumento. Pero la creación del sonido en sí, la invención del instrumento en sí viene muy brevemente para apagar el caos, y luego se ha ido de nuevo.
Robert Margouleff
En su libro Analog Days, Trevor Pinch y Frank Trocco dijeron que los sonidos que Cecil y Margouleff producían no eran "ni kitsch, divertidos ni imitativos", y en su lugar llevaron la máquina a sus límites. Cecil reflexionó que, en lugar de acercarse a TONTO con nociones preconcebidas, intentaron hacer música "intrínseca al instrumento", con el sintetizador dictando cómo progresaba el dúo. Aunque se sintieron tentados de agregar otros sonidos a su música, finalmente siguieron siendo puristas y se opusieron a la idea. Cuando Cecil tocó dos de las canciones completas, "Cybernaut" y "Aurora", para su amigo Herbie Mann, este último les ofreció un contrato discográfico con su sello Embryo Records. Titulando el álbum Zero Time, adoptaron el nombre de la banda Tonto's Expanding Head Band, un reflejo de la cultura psicodélica de la que Cecil y Margouleff se sentían parte. Como Cecil explicó más tarde, parte de la idea para lanzar la Expanding Head Band era que el dúo iba a comenzar a crear una pista que luego sería agregada a otras de otros sintetizadores, pero este plan fracasó ya que la cinta nunca salió del estudio del dúo.
Zero Time muestra una amplia sensación del rango y los timbres del Moog y enfatiza el "sonido pesado" creado por el filtro de paso bajo del rango de graves del instrumento. Las ondas de sintetizador en el álbum son limpias y nítidas, curando un "nuevo sonido que se siente digital" según Jim Brenholts de AllMusic. Como TONTO es el único instrumento en Zero Time, el álbum es completamente electrónico. Musicalmente, el álbum es considerado por los escritores como experimental, psicodélico, progresivo y música espacial en estilo, con el escritor Jim DeRogatis también refiriéndose al estilo del álbum como "Trippy instrumental Muzak". Aunque el álbum es casi completamente instrumental, "Riversong" presenta voces acreditadas a TONTO que fueron procesadas a través de la máquina hasta que se asemejan a "señales profundamente sintetizadas" más que voces. La influencia de la ciencia ficción también está presente en el álbum, como lo demuestran los títulos de "Cybernaut", "Jetsex" y "Aurora".
La campana del Gran Campanario de Lavra fue simulada en el álbum utilizando un análisis de Hermann von Helmholtz.
El lado uno de Zero Time está subtitulado "Outside" y contiene material más corto y rítmico que el segundo lado; Cecil, que es bajista, sintió que el énfasis rítmico se debía a que los ritmos son "parte de mis acciones en el comercio". Los cálidos sonidos de "pesado bajo" del álbum se ejemplifican fácilmente en la canción de apertura "Cybernaut". El lado dos del álbum, subtitulado "Inside", contiene las pistas más largas y complejas y fue descrito por Keyboard como estilísticamente diferente a otra música de la época.
Zero Time fue lanzado el 15 de junio de 1971 por Embryo Records en Estados Unidos. También fue publicado en 1971 en Reino Unido y Canadá. Atlantic Records reeditó el álbum en 1975 bajo el nuevo nombre Tonto's Expanding Head Band y portada diferente con una ilustración de Jeffrey Schier. Esta portada se conoce como la de "ranas y manos".
Portada de la reedición de 1975
Zero Time ha sido remasterizado y reeditado varias veces. La música de Zero Time y su segundo álbum It's About Time fueron remasterizadas y lanzadas juntas en CD en 1996 por Viceroy Vintage como Tonto Rides Again. Rhino Records lanzó un CD remasterizado de Zero Time en Europa el 28 de juliode 2008 como parte de su "Classic Album Series", mientras que Prog Temple publicó más versiones en CD en Europa en 2012 y en los Estados Unidos en 2013. Real Gone Music lanzó otra versión en CD remasterizada del álbum en 2013.
Haig Adishian fue acreditado por el diseño de la portada del álbum. La portada original del álbum es una pintura psicodélica de Carol Hertzer tituladaApolo en Marte que representa estrellas, planetas y nebulosas arremolinadas. El interior de la carpeta también contiene una pintura de Issac Abrams titulada Seed Dream,
Pintura del interior de la carpeta.
Mientras que la contraportada presenta una fotografía de lente de ojo de pez tomada por Joel Brodsky que representa al dúo sonriendo junto a TONTO y "sobre el bosque de cables y perillas".
Contraportada del álbum
El álbum no fue un éxito comercial, a pesar de que Mike Reed del sello matriz Warner Bros. Records, dio un "fuerte impulso" hacia la promoción y distribución del álbum en Toronto.mRecibió una atención positiva de los críticos de música, que elogiaron el uso del álbum de los "límites exteriores" del Moog. El álbum se considera hoy en día un álbum innovador e innovador que amplió los límites del sintetizador. También ha demostrado ser influyente, particularmente en Stevie Wonder, quien contrató al dúo para trabajar en cuatro de sus álbumes más populares.
A pesar de su falta de éxito comercial, Zero Time fue aclamado por la crítica. Timothy Crouse de Rolling Stone fue muy favorable, a pesar de encontrar las posibilidades de usar un Moog emocionantes y algo inquietantes: "Después de todo, un Moog teóricamente puede producir cualquier sonido y producirlo instantáneamente, de modo que un clarinete pueda escalar tres notas ascendentes suaves y luego en la cuarta nota tocar el sonido del mar renunciando a su final". Cecil y Margouleff solo se dieron cuenta de las buenas críticas del álbum cuando, en sus palabras, "alguien nos trae The Rolling Stone y, he aquí, hay un artículo de página completa sobre lo maravillosos que somos". En su reseña, Billboard escribió que el dúo "efectivamente viaja a los límites exteriores del Moog, incluyendo una 'voz' hecha por la máquina", y concluyó que el álbum atraería a "los undergrounders progresivos".
En Gran Bretaña, Dick Meadows de Sounds sintió que a primera vista, Zero Time"pondría miedo en los corazones de hombres más fuertes que yo. Después de todo, dos lados enteros de la música Moog es una montaña bastante grande para escalar según cualquier estándar. Esperaba ser certificado como loco al final del día". Sin embargo, descubrió que escuchar el álbum hacía que sus prejuicios parecieran tontos, y aclamó el álbum como "un trabajo de considerable magnitud, forjando una fuerte cuña en las incógnitas de la música electrónica que muchos buenos músicos jurarán que es una de las principales direcciones hacia las que nos dirigimos". Su revisión concluyó que "las comparaciones con cosas tangibles parecen ser la mejor manera de explicar lo que todavía es en gran medida una nueva fuerza musical desconocida".
Funda del disco
En una revisión retrospectiva, Jim Brenholts de AllMusic llamó al disco "uno de los primeros, y quizás el mejor de, todos los álbumes electrónicos". Escribió que: "Para fines históricos, este álbum raro y coleccionable es esencial. Para la integridad musical, todavía resiste la prueba del tiempo y es esencial. Es un clásico sin pares reales, pero atraerá a los fans de Mother Mallard's Portable Masterpiece Company, Jean Michel Jarre, Tangerine Dream, Wendy Carlos y Fripp & Eno en términos de su singularidad y legado". El músico Julian Cope, también musicólogo, escribió que Zero Time poseía algunos de los "sonidos más cálidos y dulcemente relajantes que surgieron de los operadores de sintetizadores estadounidenses en los primeros meses de los años setenta". Sintió que el álbum utilizaba elementos de los sonidos que definieron los experimentos con el Moog de Paul Beaver, y los de las bandas sonoras de The Trip (1967) y Performance (1970), mientras que era más ligero y más "estratosférico". También sintió que era indiscutible que Zero Time contaba con "los tonos de bajo sintetizador Moog más ricos de la historia".
Julian Cope
"Aunque fue desairado por el público, Zero Time influiría en gran medida en las fascinaciones electrónicas de los artistas de la nueva década. Su impacto duradero se infunde casi silenciosamente en el tejido cultural, ya que el álbum sigue siendo, en general, una oscuridad coleccionable".
Zeith Lundy
Legado
Aunque Zero Time se desvaneció rápidamente en la oscuridad, fue adoptado por los audiófilos tras su lanzamiento debido al sonido prístino que destaca la fuerza de sus sistemas de altavoces. El álbum pronto se convirtió en un "clásico underground", y desde entonces ha pasado a ser considerado por escritores y periodistas como un lanzamiento innovador y pionero. Steven McDonald de AllMusic llamó al álbum "una pieza revolucionaria de trabajo que se propuso explorar las capacidades del sintetizador sin tener en cuenta las concepciones del éxito pop", y escribió que "todavía se considera un punto de inflexión en el uso de sintetizadores en la música moderna". A pesar de encontrar Zero Time más notable por su lugar en la historia de la música electrónica que por su contenido, Austin Trunick de Under the Radar dijo que estaba "adelantado a su tiempo" y similar a otros álbumes lanzados mucho más tarde que 1971. Zero Time también se cuenta entre los "registros psicodélicos clásicos de Moog de la época" en el libro Moments of Valuation: Exploring Sites of Dissonance, mientras que el escritor James McCarraher lo describió como una "obra maestra del sintetizador".
En el libro de 2013Adventure Rocketship, el álbum aparece en la lista "Possible Futures: 20 Mind-Expanding Ways to Start Your SF Album Collection", una lista de discos con temas de ciencia ficción y "devociones para visiones del futuro". El álbum fue recomendado para su inclusión en la lista por el productor y músico, Youth. En 2015, Rolling Stone incluyó el álbum en su lista de "10 álbumes extraños que Rolling Stone amó en la década de 1970 que nunca has escuchado", con el texto adjunto que decía: "En los albores de la era de los sintetizadores, el instrumento era tan novedoso que la gente grababa LP enteros solo para mostrar sus capacidades. Si bien muchos de ellos no tenían encanto, este álbum era hermoso y contemplativo. [...] Pensamos que incluso si poseías otros registros electrónicos, podrías encontrar que este registro divide tu colección en dos partes: Zero Time y todo lo demás". Cope escribió que a pesar de ser menos estridente que el krautrock puramente electrónico, algunos de los pasajes de Zero Time anticipaban los "ritmos más silenciosos" en el lado dos de la Autobahn de Kraftwerk (1974).
Stevie Wonder
Llegó un álbum por casualidad a las manos de Stevie Wonder y se convirtió en un gran fan del álbum, dirigiéndolo en una nueva dirección cuando comenzó a usar sintetizadores en su música. Estaba tan impresionado con Zero Time que, llevándose una copia del álbum con él, se reunió con Tonto's Expanding Head Band y dijo: "No creo que todo esto se haya hecho en un solo instrumento. Muéstrame". A pesar de la ceguera de Wonder, le enseñaron cómo operar un Moog y obtener los mejores resultados del instrumento. Este fue el comienzo de una colaboración duradera entre Wonder y Tonto's Expanding Head Band, que aparecen junto al sintetizador TONTO en una serie de álbumes aclamados por la crítica de Stevie Wonder que vieron su crecimiento artístico: Music of My Mind (1972), Talking Book (1972), Innervisions (1973) y Fulfillingness' First Finale (1974). La colaboración fue descrita por John Dilberto de Keyboard como "[cambiando] las perspectivas de la música pop negra tanto como Sgt. Pepper de los Beatles alteró el concepto de rock blanco". En los álbumes, Cecil y Margouleff son acreditados por tocar el instrumento, así como por la programación, producción, producción asociada e ingeniería, y estas colaboraciones de Wonder ayudaron al dúo a lograr un estatus mucho más autoritario que sus propios proyectos, incluido Zero Time, jamás tenido. Según el escritor Ron Boy, "el enorme impacto de Wonder en esta era aseguró su parte de gloria reflexiva". Reflexionando sobre el Zero Time, Stevie Wonder dijo:
Qué bueno es en un momento en que la tecnología y la ciencia de la música están en su punto más alto de evolución, que la reintroducción de dos de los antepasados más prominentes en esta música se escuche nuevamente. Se puede decir de este trabajo que es paralelo con el buen vino. A medida que envejece, solo mejora con el tiempo. Un brindis por la grandeza... un brindis por el Tiempo Cero... para siempre.
Stevie Wonder
La revista Keyboard acredita el álbum, a través de su influencia en los álbumes de Wonder, como "influyendo silenciosamente en la forma del funk progresivo y el R&B". El guitarrista Steve Hillage también contrató a Malcolm Cecil para coproducir y tocar el TONTO en Motivation Radio (1977), el álbum que movió a Hillage a la música dance. El álbum también influyó en Devo, y Mark Mothersbaugh de la banda dijo que, en el "páramo cultural del Medio Oeste", el relanzamiento de Zero Time en 1975 fue "un indicador inspirador para los Spudboys hambrientos que se habían cansado de la sopa de jour. Era oficial: el ruido ahora era Muzak, y Muzak ahora era ruido". La influencia de Zero Time fue el tema de un ensayo de Richie Unterberger incluido en las notas de la reedición deReal Gone Music de 2013 del álbum.
Mi opinión sobre la canción: Un tema de pop electrónico.
CARA 2
1."Aurora" – 6:48
"Aurora" surgió de los experimentos del dúo tocando en estilos monofónicos, superponiendo diferentes elementos y experimentando con el espacio y originalmente se ejecutó durante 27 minutos antes de que se completara y editara. La pista contiene música ambiental y presenta tres tonos deslizantes que suben una octava; esto se debe a que, al discutir los intervalos durante la producción, el dúo cuestionó por qué solo debería haber doce tonos en la escala. Cecil explicó: "Con el sintetizador no estamos limitados a doce tonos. Podemos cambiar la afinación y poner 17, 19, 25, ¡elige un número! Nos preguntamos cuántos intervalos había en una octava y decidimos comprobarlo con estos tonos deslizantes. Están repartidos durante mucho tiempo porque estábamos tratando de elegir notas individuales". Cuando el dúo se encontraba con un intervalo intrigante, miraban a otro y comentaban: "¡Oye, escucha ese!"
Mi opinión sobre la canción:mUn tema de rock cósmico, ambiental que me recuerda a Vangelis
2."Riversong" (lyrics by Tama Starr) – 8:00
"Riversong" presenta voces sintetizadas y un sonido distintivo que se asemeja a un gong o campana. Debido al rechazo del dúo a la "síntesis imitativa", era raro que usaran un sonido en TONTO que se pareciera a un instrumento convencional, ya que querían capturar los sonidos propios y distintivos del instrumento. Sin embargo, querían conseguir el sonido de la campana, pero, siendo puristas del sintetizador, no querían usar ninguna instrumentación convencional en el álbum de sintetizadores, y trataron de recrear el sonido en TONTO. Aunque el dúo había descubierto qué envoltura usar en la producción, ningún sonido inicialmente se parecía a una campana. Cecil luego se inspiró en la obra de Hermann von Helmholtz Sensations of Tone, en la que Helmholtz analizó la campana del Gran Campanario de Lavra, Kiev, y sus armonías. Cecil y Margouleff marcaron las armonías de la campana de Kiev de la misma manera que Helmholtz las había descrito, las introdujeron en el mezclador de TONTO, las filtraron y aplicaron la envoltura, creando así el sonido de la campana. Cecil recordó: "¡Fue increíble! Nos estábamos abrazando, bailando alrededor del estudio. '¡Lo hicimos, lo hicimos!'".
Mi opinión sobre la canción: Otro tema ambiental con aires clásicos. Me recuerda a Tomita.
Mi opinión personal sobre el álbum:
Este álbum representa un hito. No solo por haber sido realizado por el sintetizador moog más grande de la historia, sino también por ser el primer álbum de rock progresivo totalmente electrónico. Se nota que están en transición desde el rock psicodélico. Y están más cerca del krautrock o rock cósmico diendo precursores dek género que desarrollarán por ejemplo Tangerine Dream.
Créditos
Haig Adishian – diseño del álbum
Herbie Mann – productor ejecutivo
Sol Kessler – consultor de masterización
Carol Herzer – pintura de portada ("Through the Wave, 1969")
Isaac Abrams – pintura interior ("Seed Dream")
Joel Brodsky – fotografía
Malcolm Cecil – escritura, programación, interpretación, ingeniería, producción
Robert Margouleff – escritura, programación, interpretación, ingeniería, producción
