El rock progresivo tiene una larga tradición en Latinoamérica desde los años 1970, principalmente en Brasil, Argentina, Uruguay y Chile, por provenir de ahí las bandas que fueron pioneras en este estilo hacia 1970 (Som Imaginario de Brasil, Arco Iris de Argentina y Kissing Spell de Chile), además que grabaron en español usando ese estilo, a diferencia de países que grababan íntegramente en inglés. En algunos de estos grupos, la influencia de las bandas anglosajonas convive con el interés por la música folclórica, dando lugar a fusiones musicales propias.
En este artículo comentamos el álbum El sacrificio de la banda argentina Anacrusa publicado en 1978.
El grupo Anacrusa (actualmente Anacrusa XXI) es un conjunto argentino de proyección folklórica y rock progresivo latinoamericano, fundado por José Luis Castiñeira de Dios y Susana Lago en Buenos Aires en 1972.
Anacrusa
Influenciado por desarrollos como los de Waldo de los Ríos, Eduardo Lagos y ManoloJuárez, el grupo buscó renovar la interpretación de la música popular de América del Sur escapando al tradicionalismo local del folklore argentino de la época. Para ello se dedicaron a combinar estilos e instrumentos tradicionales y modernos.
Tras el exilio político de sus miembros a causa de la instauración de la dictadura militar argentina (1976-1983), el grupo fue refundado en Francia en 1977. Allí grabaron dos discos que dieron muestra de un sonido más electrónico, influenciado por el rock y la música sinfónica y de cámara. La canción "Fuerza" de su álbum homónimo (1982) fue grabada por Mercedes Sosa al año siguiente, convirtiéndola en un símbolo de la resistencia contra la censura y la represión.
El grupo pasó más de 20 años realizando conciertos y giras ocasionales, aunque sin grabar en estudio con la excepción del "Reencuentro", un álbum a dúo entre Castiñeira de Dios y Lago firmado con el nombre Anacrusa. Pero la vuelta del conjunto al estudio se dio en 2005, sumando a músicos de la talla de Alejandro Santos, Hugo Pierre, Ricardo Lew y Enrique Roizner, entre otros. En el mismo año se lanzó también el álbum "Documentos" que registraba canciones inéditas grabadas entre 1975 y 1976, antes del exilio.
El grupo se renombró Anacrusa XXI tras la partida de Susana Lago, volcándose así completamente a la música instrumental.
Susana Lago
El nombre de este conjunto principalmente folclórico argentino tiene origen en la forma musical europea llamada anacrusa (del griego ἀνάκρουσις [anákroːsis], retroceso), en este caso más bien con el sentido de regreso a los orígenes del folclore argentino.
Tras el exilio político de sus miembros a causa de la instauración de la dictadura militar argentina (1976-1983), el grupo fue refundado en Francia en 1977. Allí grabaron dos discos que dieron muestra de un sonido más electrónico, influenciado por el rock y la música sinfónica y de cámara.
Grabación
El álbum El Sacrificio fue grabado en el Studio des Dames, París, en febrero de 1978 con el ingeniero de sonido Paul Houdebine asistido por Jean-Louis Labro. El álbum fue producido por Joël Cartigny para Phonogram.
Studio des Dames
En él hay menos folklore latinoamericano y más fusión que en sus tres primeros álbumes.
Aunque persisten los ritmos nativos, especialmente los folklóricos argentinos, se nota una creciente afinidad con estilos como el jazz-rock y el rock progresivo. La parte electrónica la aporta Philippe Pages al sintetizador.
La agrupación de Susana Lago (piano y voz) y José Luis Castiñeira de Dios (guitarra, bajo y arreglos) ofrece orquestaciones e interpretaciones consistentes y bien elaboradas, a pesar de sus influencias tan variadas. En esta ocasión, su enfoque es mayormente instrumental, aunque los temas cantados cuentan con letras breves, bellas y emotivas de Susana Lago.
La propuesta de Anacrusa es creativa, innovadora, vibrante y llena de emoción, reflejando una época en la que aún se defendían ideales a través de la música.
Es un trabajo distinguido que parte de sonidos autóctonos latinoamericanos y les suma elementos de música culta y diversos géneros populares, con teorías y técnicas propias, aunque no es para aquellos que prefieren evitar la mezcla de géneros.
Lanzamiento
El álbum fue lanzado en 1978 en Francia y Argentina con Philips (9101 177) con una carpeta desplegable. Las fotografías fueron de Claude Delorme y Javier Álvarez.
Fue publicado en CD en Argentina en 2003. Incluyó una versión de Los capiangos grabada en Argentina en 1975.
Opinión personal
Puede que el hecho de que grabaran este álbum en Francia, el sonido es menos folk y más fusión y rock progresivo. Es mi álbum favorito de ellos. Lo que más me gusta son las partes instrumentales en la que los músicos demuestran su gran valía.
En este artículo nos ocupamos de Ricardo Dal Farra y el álbum que publicó en 1978 titulado Tal vez...
Ricardo Dal Farra
Ricardo Dal Farra (Buenos Aires, Argentina, 1957) es un compositor, artista multimedia, educador, investigador, intérprete y curador, desarrolla su actividad profesional en el área de confluencia entre las artes, las ciencias y las nuevas tecnologías.
Dal Farra fue director del Estudio de Música Electroacústica en Buenos Aires de 1978 a 2003. De 1996 a 2003, trabajó como coordinador de comunicación multimedia para el Ministerio de Educación, Ciencia y Tecnología de Argentina. En 2002, se convirtió en director del Centro de Experimentación e Investigación en Artes Electrónicas (CEIArtE). Desde 2003, vive en Montreal como investigador residente en la Fundación Daniel Langlois.
Es profesor de tecnología musical en la Universidad Nacional de Tres de Febrero, composición e improvisación en la Universidad Nacional de San Martín, electroacústica en el Conservatorio Municipal de Música de Buenos Aires, acústica en el Conservatorio Nacional de Música, diseño de imagen y sonido en la Escuela Panamericana de Arte y composición electroacústica y tecnología multimedia en el Estudio de Música Electroacústica.
Durante más de diez años, produjo series radiofónicas sobre música electroacústica para Radio Nacional de Argentina y Radio Municipalidad de Buenos Aires. También presentó su trabajo en el campo de la música electroacústica y la educación musical como invitado del Centro de Investigación Informática en Música y Acústica (CCRMA) de la Universidad de Stanford, la Universidad de Nueva York, la Escuela de Música Juilliard, la Universidad de Brasilia, el Conservatorio Nacional de Música de La Paz, la Universidad de Puerto Rico, el Centro Banff y el IRCAM.
Desde principios de la década de 1970, Del Farra también ha trabajado como intérprete de electrónica en vivo en las interpretaciones de sus obras. Ha recibido premios de composición y encargos de la International Computer Music Association, la Bienal Internacional de Artes de São Paulo, el Concours International de Musique Electroacoustique de Bourges y el Centro di Sonologia Computazionale de la Università degli Studi di Padova, entre otros.
En 1978 consigue reunir a músicos y amigos para la grabación de un álbum insólito en la discografía de Dal Farra. La grabación tuvo lugar en los estudios Take 1 de Buenos Aires con los técnicos Amilcar Gilabert y Jorge Da Silva en una mesa de veinticuatro canales.
Jorge Da Silva "El Portugués"
Todos los temas fueron compuestos y arreglados por Dal Farra. El álbum fue producido por Gilabert y Dal Farra, el cual se ocupó también de la dirección musical.
Lanzamiento del álbum
El álbum fue publicado en diciembre de 1978 con Quaver en Argentina. La funda presenta un diseño de Alfredo Baldo con fotografías de Bob Wirtz.
Contraportada del álbum
No se conocen reediciones del álbum. Por eso los álbumes de la tirada original se han convertido en objeto de deseo de los coleccionistas que han llegado a pagar a 300 dólares por él.
Voz – En Gimeno (pistas: A1, A3, B1, B2), Ricardo Dal Farra (pistas: A1, A3, B1)
Voz [Voz "Negra"] – Aby Borenztein (pistas: B2)
Norberto Minichillo
Opinión personal
Ricardo Dal Farra es una figura destacada en la música electrónica y electroacústica. No podía dejar pasar la oportunidad de dedicarle un artículo, especialmente por su álbum de 1978 titulado "Tal vez...", una mezcla de rock progresivo y jazz fusión. Este álbum no ha sido reeditado, convirtiendo la edición original en un objeto de deseo para los coleccionistas. En el disco participan muchos músicos, varios de ellos amigos de Dal Farra. Los teclados son, sin duda, los protagonistas, en un álbum muy ecléctico que sorprende desde la primera escucha. La apertura, "Para Volver A Comenzar", es un tema de rock progresivo impactante. Le sigue "Lo Que Hace Falta", con un estilo de jazz latino donde destaca el saxofón. En contraste, "Es Siempre Intentar" es una pieza acústica con flauta, guitarra y piano, que a mitad del tema incorpora ritmos latinos evocando a Brasil. La segunda cara comienza con "Todos Cansados", un jazz-fusión dominado por instrumentos de viento y teclados. En "Excepto Nosotros", los teclados son los protagonistas absolutos. Finalmente, el álbum cierra con "Llegando A Aquel Lugar", un tema acústico tranquilo. En resumen, un álbum de gran belleza, una joya olvidada que merecía una reedición.
Este artículo lo dedicamos al álbum homónimo de Serú Girán con Charly García publicado en 1978.
Un músico clave dentro del rock progresivo argentino (y del rock argentino en general) fue Charly García, quien lideró la banda Sui generis (1971-1975), que en su tercer LP "Pequeñas anécdotas sobre las instituciones" (1974), se adentran en esta corriente.
Sui Generis fue una banda argentina de rock formada principalmente por Charly García (teclados, guitarra acústica, voz y composiciones) y Nito Mestre (flauta, guitarra acústica y voz), considerada como una de las más importantes de los orígenes del rock latinoamericano.
En su primera etapa grabó tres álbumes de estudio (Vida, Confesiones de invierno y Pequeñas anécdotas sobre las instituciones); el tercero y el primero han sido incluidos en la lista de los 100 mejores álbumes del rock argentino según Rolling Stone, en los puestos 31 y 66, respectivamente.
Portada del álbum Pequeñas anécdotas sobre las instituciones
Un anterior artículo lo dedicamos al concierto histórico que dio Sui Generis el 5 de septiembre de 1975 en el estadio Luna Park como despedida de su carrera y a las publicaciones a las que dio lugar: 1975: Adiós Sui Generis.
PorSuiGieco y su Banda de Avestruces Domadas, también conocidos como PorSuiGieco o Porsuigieco, fue un supergrupo de folk rock argentino formado por importantes figuras del rock acústico argentino reunidos para salir de gira. Sin un proyecto formal más que«compartir buenos momentos, divertirnos tocando y cantando» fue formada en 1974 por Raúl Porchetto, León Gieco, Nito Mestre, Charly García y María Rosa Yorio. El grupo hizo solo tres conciertos -uno en una pequeña sala de Buenos Aires, los otros en el interior de la provincia de Buenos Aires- y grabó un disco en los meses finales de Sui Generis, cuando ya corría 1975. Después, cada uno siguió su camino. A ellos dedicamos un anterior artículo: 1976: PorSuiGieco y su Banda de Avestruces Domadas
Portada del álbum de PorSuiGieco
Tras la disolución de Sui Generis, Charly García emprendió un nuevo proyecto que se llamaría La Máquina de Hacer Pájaros, introduciendo la novedad de dos tecladistas simultáneos en escena. Esta banda, como dijo Charly, pretendía ser “el Yes del subdesarrollo”. Fue considerado un supergrupo porque estaba integrado por músicos de otras bandas. Además de Charly, lo formaron Oscar Moro (ex Los Gatos y Color Humano), Carlos Cutaia (ex Pescado Rabioso), Gustavo Bazterrica (futuro integrante de Los Abuelos de la Nada), y José Luis Fernández (ex Crucis).
La Máquina de Hacer Pájaros
Se le reconocen fuertes influencias de Genesis, Yes, Camel, Pink Floyd, Focus y Steely Dan. Tuvo una escasa aceptación del público argentino durante su época de actividad y no fue hasta unos años después cuando alcanzó un verdadero reconocimiento. A ellos dedicamos este artículo.
Un anterior artículo lo dedicamos al álbum homónimo de La Máquina de Hacer Pájaros publicado en 1976: 1976: La máquina de hacer pájaros.
Charly García atravesaba un momento difícil tras su separación de María Rosa. Fue entonces cuando conoció a Marisa Zoca Pederneiras, una bailarina brasileña del ballet de Oscar Araiz durante una actuación del ballet en Buenos Aires. La artista y amiga Renata Schussheim fue quien los presentó.
Renata Schussheim
Zoca se convirtió en su pareja hasta finales de los años ochenta y fue la inspiración para varias de sus canciones, como «Zocacola» y «Ella adivinó».
Tras los conflictos con los miembros de La Máquina de Hacer Pájaros, Charly García decidió dejar la banda en 1977 y viajar a Brasil junto al guitarrista David Lebón, su amigo desde los tiempos de Sui Géneris.
A principios de diciembre de 1977, García y Lebón viajaron a Brasil. Al pasar la frontera, todos los equipos de amplificación que llevaban tuvieron que quedar decomisados temporalmente (hasta que salieran de Brasil) en la aduana, ya que ellos no tenían dinero suficiente para pagar los impuestos de importación.
Buzios señalado a la derecha del mapa en rojo
Con el dinero obtenido del Festival del Amor (Luna Park, 11 de noviembre de 1977), alquilaron una casa por tres meses en Búzios, al norte de Río de Janeiro, cerca de la playa. García eligió este destino para estar cerca de su novia Zoca y, al mismo tiempo, escapar de la opresiva noche de la dictadura militar en Argentina. En San Pablo, Charly conoció a los padres de Zoca, los Pederneiras, una familia de artistas que quedó fascinada con él. En lo artístico, García encontró inspiración en varios músicos brasileños, especialmente Milton Nascimento.
David Lebón
A pesar del éxito comercial de Sui Géneris, Charly seguía siendo pobre. Vivió con Zoca en Brasil, llevando una vida enfocada en la naturaleza, la pesca y la recolección de frutas. Decidido a formar una nueva banda, aún se enfrentaba a la ruina económica. Tras el fracaso del proyecto que García y Lebón intentaron emprender en Brasil, ambos volvieron a Argentina a finales de enero de 1978 y empezaron a buscar nuevos compañeros para armar una banda.
Charly necesitaba un bajista y un baterista. Durante un concierto de Pastoral al que asistió con el bajista José Luis Fernandez conocieron a un joven Pedro Aznar de tan solo 18 años, que impresionó a ambos músicos por su increíble talento como bajista. García esperó a que terminara la actuación de Pastoral y junto con Fernández fue a los camerinos para charlar con Aznar, logrando convencerlo de unirse a su banda.
Pedro Aznar
Para completar la banda, García recurrió a Oscar Moro, de veintinueve años, quien había sido el baterista de La Máquina de Hacer Pájaros.
Oscar Moro
La banda adoptó el nombre de Serú Girán que no tiene un significado específico, ya que fue elegido por su sonoridad y originalidad. Es un anagrama formado por las iniciales de los miembros de la banda.
Charly García ya contaba con una banda completa, pero aún enfrentaba problemas económicos. Junto a Lebón, como los principales compositores, comenzaron a dar forma a Serú Girán. Durante un encuentro en Sao Paulo, Brasil con el músico Billy Bond, este último les ofreció producirles un álbum. Billy les hizo firmar un contrato leonino. No satisfecho con esto, Bond tomó algunas pistas grabadas por la banda y descartadas para el álbum, agregó encima su voz y las usó para Billy Bond and the Jets, un disco editado en 1979 que pasó desapercibido en aquella época.
Billy Bond
Con el dinero que había recibido como anticipo del contrato, les pagó el viaje a Moro y Aznar en una vieja camioneta, con la que cargarían los equipos que estaban incautados en la aduana de Uruguayana. En la ciudad de Sao Paulo, pasaron a recoger a García (que había viajado en avión desde Buenos Aires) y continuaron juntos el viaje de tres horas hasta el pueblito de Buzios.
Esa misma noche tocamos por primera vez juntos y decidimos armar Serú Girán."
En marzo y abril de 1978 grabaron las bases del disco en el estudio El Dorado(en Sao Paulo, Brasil) con los ingenieros Flavinho y Luiz Carlos. Durante las sesiones grabaron como la banda The Jets en el disco Billy Bond and the Jets de Billy Bond, en el cual se incluirían «Loco (¿no te sobra una moneda?)», muy tocado en vivo por la banda, y «Discoshock», el tema por el cual Serú Girán sería terriblemente juzgado y condenado en su recital debut. De la grabación del disco en Brasil con Billy Bond quedaron registros de temas que Serú Girán solía tocar en vivo pero nunca grabó y que el mismo Billy Bond usaría en sus siguientes discos, Billy Bond & The Jets, O Heroi y Quiénes son ellos, como es el caso del ya mencionado «Loco, ¿no te sobra una moneda?» y la versión completa de «Voy a mil» cantada en portugués por Billy Bond. El resultado final del disco fue una fusión de rock y jazz con música brasileña.
Interior de la carpeta del álbum
Presentación del disco
En julio de 1978 volvieron a Buenos Aires a presentar algunos temas de su ópera prima. La expectativa era enorme entre la gente, habían pasado varios meses sin Charly García, la situación social se tornaba más complicada y el público deseaba la respuesta de García y sus músicos a todo eso.
La primera presentación informal la dieron a mediados de julio de 1978 en un barco anclado cerca de la desembocadura del Riachuelo (un río del sureste de Buenos Aires) en el Río de la Plata, con invitados especiales, periodistas, amigos, y la banda causó grata impresión.
Para que comenzaran su travesía en Argentina, Miguel Grinbank (su nuevo mánager) les consiguió la participación en un extraño recital en el Luna Park, el 28 de julio de 1978: el Festival de la Genética Humana, organizado por la Fundación de Genética Humana que presidía Alicia Raquel Hartridgede Videla, la esposa del dictador argentino de ese momento.
Tocaron a medianoche, «Eiti Leda», «Seminare» y «Loco, ¿no te sobra una moneda?». El sonido era pésimo."
Víctor Pintos, periodista presente esa noche
Segunda fase de grabación del álbum
Los cuatro viajaron a Los Ángeles (Estados Unidos) a terminar la grabación del álbum. Llevaban en sus equipajes todas las «tortas», los pesados carretes de cinta magnética en que estaban grabadas las pistas de las canciones.
La grabación tuvo lugar en los ABC Recording Studios (Los Ángeles). con el ingeniero de sonido Jay Antista, el cual también se encargó de la mezcla del álbum.
Contaron con la colaboración de Daniel Goldberg, quien tenía a su cargo los arreglos orquestales y la dirección de la orquesta de 24 músicos que participó en algunos temas como «Serú Girán» o «Eiti Leda». Esta canción era un tema de Charly, que él había compuesto cuando tenía 17 años y había llamado «Nena». Lo había tocado ya con Sui Géneris en su último recital e iba a ser parte del próximo disco de esa banda, Ha sido, pero finalmente este nunca se grabó.
La complejidad armónica de este proyecto demuestra que, desde el comienzo, las ambiciones que tenían apuntaban mucho más alto que la de la mayoría de los músicos nacionales del momento. El resultado final del disco los entusiasmó: sonaba como una fusión de jazz rock con música brasilera.
Al terminar la grabación del disco, Charly y la banda abandonaron a su productor Billy Bond, quien gracias al contrato leonino que les había hecho firmar, se quedó con todas las grabaciones que no formaron parte del disco, les grabó su voz encima y publicó el álbum Billy Bond and the Jets, que no tuvo ningún éxito.
Lanzamiento del disco
El disco original fue editado por Sazam Records, una división de la discográfica Music Hall (perteneciente a Sicamericana SA) el 2 de noviembre de 1978. Esta sería luego comprada por el sello Diapasón, que reeditó el álbum en CD y casete con los temas ordenados de otra manera (e inexplicablemente eliminó la canción «Autos, jets, aviones, barcos», compuesta por Charly García y cantada por David Lebón).
Las fotografías de la carpeta fueron de José Luiz Pederneiras (hermano de Zoca), en el estudio de grabación El Dorado.
Funda del álbum
El verdadero debut ocurrió el 3 de noviembre de 1978 ―casi un año después del Festival del Amor (11 de noviembre de 1977)― en el Estadio Obras Sanitarias. Los resultados no fueron los esperados. A pesar del circuito cerrado de televisión que se instaló, la orquesta de músicos y toda la expectativa, las cosas no salieron del todo bien. En la parte trasera del escenario, una pantalla gigante mostraba a los músicos dirigiéndose a escena. David, Pedro y Oscar salieron vestidos de blanco, mientras que Charly eligió una malla negra, saco y zapatillas. El comienzo del recital, con la orquesta a pleno interpretando la poderosa introducción del tema «Serú Girán», presagiaba una noche inolvidable.
El público poco prevenido para la nueva música de Charly y que esperaba una especie de continuación de Sui Generis, sumado a algunos comentarios de Lebón y García y la presentación de un tema satírico titulado «Discoshock» que se burlaba de la música disco provocaron que los asistentes, ignorantes y frustrados, les arrojaran las pilas de sus walkmans con los que grababan el recital.
Fueron duramente criticados por los diarios. Los críticos musicales los destrozaron: «Estos no son los cuatro Serú Girán, sino unos dobles que tocaron por ellos» (Expreso Imaginario, diciembre de 1978, n.º 29). El diario La Opinión ―en plena Dictadura de Videla (de tendencia católica y homófoba)― los acusó de tener «voces homosexuales» (sic, por «voces de tenor» o «voces agudas»).
Pedro recuerda: «...cuando apareció ese álbum, la prensa le dio una importancia infernal, se creó todo un caso... había un inmovilismo total». La revista Pelo, una de las publicaciones especializadas de la época, decía:
Serú Girán es un álbum compacto, extremadamente pulido en su producción, a pesar de lo cual suena menos armado que La Máquina de Hacer Pájaros. (...) Serú Girán debuta con un buen álbum. Una música que trasluce los nuevos horizontes de García y sus nuevos compañeros de ruta."
Revista Pelo, n.º 104
Un video inédito rescatado por el Museo del cine "Pablo Ducrós Hicken" recoge unas sesiones de playback en los estudios de A78TV:
Por sugerencia de Grinbank, durante todo el primer año no se promocionaban como Serú Girán sino como Charly García y (con letras de tamaño considerablemente inferior) Serú Girán.
Con el tiempo, canciones como «Seminare» y «Eiti Leda» se transformaron en himnos icónicos y exitosos.
Charly García: Piano de cola (del estudio de grabación El Dorado, en San Paulo), sintetizador monofónico Minimoog, sintetizador ARP Solina Ensemble (ensamble de cuerdas), guitarra acústica y voz.
David Lebón: Guitarra eléctrica, guitarra acústica y voz.
Oscar Moro: Batería y percusión.
Pedro Aznar: Bajo eléctrico, bajo fretless y coros.
Invitados:
Daniel Goldberg: arreglos musicales, dirección orquestal y solo de supercorneta del Project.
Orquesta Hypgnosis de 24 músicos contratados por el productor Billy Bond
Roupa Nova Conciencia (banda de músicos desconocidos): percusión adicional de tipo general y dinámica.
Interior de la carpeta del álbum
Opinión personal
Álbum incomprendido en su lanzamiento, ha ganado seguidores con el tiempo. Si sumamos los teclados de Charly García a unos arreglos orquestales, obtenemos una música hermosa y majestuosa. Los estilos musicales son diversos, desde rock progresivo clásico ("Eiti Leda"), influencias de jazz fusión con música brasileña ("Autos, Jets, Aviones, Barcos"), rock clásico y blues ("Voy a mil"), hasta arreglos orquestales ("Serú Girán") y hermosas canciones melancólicas como "El mendigo en el andén", "Separata" o el himno "Seminare".
Reediciones
Fue publicado en CD por primera vez en 1991 con Microfón.
En 2021 fue publicado remasterizado en LP+CD con Sazam.
