lunes, 30 de marzo de 2026

1978: Un canto a la cosecha

Contenido de esta entrada:

Introducción

La banda Carol of Harvest

El álbum homónimo






Este artículo lo dedicamos a la banda alemana Carol of Harvest  y en especial a su único álbum titulado homónimamente y publicado en 1978.


La banda estuvo activa desde 1976 hasta 1978 y tomó su nombre del poema A carol of harvest de Walt Whitman de 1867.

Walt Whitman

El poema de Walt Whitman es una vibrante celebración de la cosecha estadounidense, la naturaleza y el espíritu humano. Compuesto en una época de grandes transformaciones en el país, refleja la estrecha conexión de Whitman con la tierra y su gente. El poema comienza así:

A song of the grass and fields!
A song of the soil, and the good green grass!
A song no more of the city streets;
A song of the soil of the fields.
A song with the smell of sun-dried hay, where the nimble pitchers 
  handle the pitch-fork;
A song tasting of new wheat, and of fresh-husk'd maize.

Imagen de la reedición en CD


que traducido: 

¡Un canto a la hierba y a los campos!  
¡Un canto a la tierra y a la buena hierba verde!  
Una canción que no viene de las calles de la ciudad,  
sino de la tierra de los campos.  
Una canción con olor a heno seco al sol, donde los ágiles jornaleros  
manejan la horca;  
una canción que saborea el trigo nuevo y el maíz recién desgranado.  

Carol of Harvest es una de esas bandas alemanas que lanzó un único álbum con un sello privado y que, con el tiempo, se convirtió en la joya soñada por cualquier coleccionista.

En 2009 Axel Schmierer reformó la banda con un cantante polaco, lanzando un álbum en polaco ese mismo año.
Álbum Ty I Ja de 2009



La banda Carol of Harvest


Carol of Harvest es una banda alemana originaria de Cadolzburg, un pequeño pueblo semi-rural al oeste de Fürth y Núremberg. Sus miembros acababan de terminar la escuela secundaria, excepto por la incorporación tardía de la vocalista Beate Krause, quien tenía apenas 16 años al unirse y 17 o 18 al momento de grabar este álbum.

Aunque vinculada a la escena krautrock, su música tiene poco que ver con ella y se acerca más al folk progresivo británico con toques psicodélicos. Se perciben influencias de bandas como Camel, Pink Floyd, Gentle Giant, Renaissance y Clannad.

Con la voz cristalina de Krause, al estilo de Celia Humphries, Jacqui MacShee o Sandy Denny, cantando en un impecable inglés británico, sería fácil confundir esta música con algo proveniente del Reino Unido como Mellow Candle y los primeros Clannad, mezclados con Jane, Pentangle y Renaissance. La música tiene el toque añadido de arreglos largos con sintetizadores Moog y solos de guitarra psicodélica.
Beate Krause

Los otros componentes de la banda fueron Roger Högn (batería), Jürgen Kolb (teclados), Heinz Reinschlüssel (bajo) y Axel Schmierer (guitarra). Es muy difícil encontrar información sobre los integrantes de la banda, lo que le da a este álbum tan raro un aire de misterio.






El álbum homónimo

Grabación

El álbum fue producido por la banda junto a Peter Klimek, fundador del mítico sello Brutkasten, cuyo estudio de grabación, Tonstudio Brutkasten, se encontraba en Núremberg, Alemania. Fue uno de los primeros trabajos del sello, que comenzó su trayectoria en 1977. El número de catálogo 85 0004 revela que se trató del cuarto álbum.

Peter Klimek

El álbum fue grabado por el propio Klimek con la asistencia del técnico Helmut Reinschlüssel.



Contenido del álbum 

Todos los temas fueron escritos por Axel Schmierer.

Axel Schmierer 

1. "Put On Your Nightcap" (16:02) Sonidos sintetizados acompañan una base de acordes de blues con guitarra eléctrica durante una introducción de dos minutos. La inquietante voz de Beate Krause irrumpe con sorprendente confianza y madurez, seguida por bajo, batería y capas de coros, probablemente de la propia Krause. En el minuto cinco, su canto, que recuerda a Annie Haslam, da paso a un segundo motivo donde un llamativo sintetizador improvisa sobre una sección rítmica de dos acordes. El inglés claro y británico de Beate resalta por no tener acento alemán. Un gran solo de guitarra principal surge en el minuto diez antes de desvanecerse entre ondas electrónicas, que dan paso a un pasaje más pastoral con arpegios de varias guitarras. Su voz evoca a las mejores cantantes de folk británicas de la década anterior, como Jacqui MacShee y Sandy Denny. En el minuto trece, la banda acelera con un motivo al estilo “Just a Singer in a Rock ’n’ Roll Band”, en el que el teclista Jürgen Kolb se luce. Beate regresa en el último minuto para cerrar la sección rápida e iniciar una melodía onírica, casi como una canción de cuna.

2. "You And Me" (2:31) es una canción folclórica de corte más tradicional, donde la voz de Beate suena mucho más madura de lo que su edad podría sugerir, como la de una mujer sabia que canta sobre una relación duradera. Dos o más guitarras acústicas entrelazan sus acordes en la segunda mitad, mientras las letras de Beate se desvanecen.

3. "Somewhere at the End of the Rainbow" (6:26) comienza con una guitarra eléctrica que arpegia cuatro acordes antes de que Beate entre con una voz melancólica. Un sintetizador con un timbre similar al acordeón se suma, y luego el bajo y la batería irrumpen para apoyar el coro mientras Beate baja su registro una octava completa. La música resulta cálida y atractiva, aunque no muy sofisticada técnicamente, pero la interpretación vocal es impresionante.

4."Treary Eye" (4:17) arranca con una guitarra que evoca el folk británico de grupos como Jethro Tull o Fairport Convention. Cuando Beate aparece, su voz etérea guía la canción hacia un paisaje sonoro más próximo a la hipnótica Jacqui MacShee.

5. "Try a Little Bit" (9:59 )La música puede ser algo simplista y unidimensional, pero la voz increíblemente segura de la joven Beate Krause demuestra lo pulida y entregada que estaba la banda a su oficio y a sus canciones.



Lanzamiento 

El álbum fue publicado por el emergente sello Brutkasten, como ya se mencionó, en 1978, con una edición limitada de tan solo 200 copias. Esto hace que obtener una copia original sea muy complicado, llegando a pagarse hasta 110 euros por una.

La foto de la portada del disco se tomó en el parque del Palacio de Nymphenburg, en Múnich.

Palacio de Nymphenburg

Tras la publicación del álbum, el tecladista Kolb se fue, lo que provocó la disolución de la banda.

El álbum fue notablemente bien recibido, incluso fuera de Alemania. Posteriormente el álbum ha sido conocido por el título de uno de los temas: Somewhere At The End Of The Rainbow.


Lista de canciones

Cara A

1.    Put On Your Nightcap, 16:02

Part 1

Part 2

2.    You And Me, 2:31

Cara B

1.    Somewhere At The End Of The Rainbow, 6:26

2.    Dreary Eyes, 4:17

3.    Try A Little Bit, 9:59

Enlace a la lista de reproducción del álbum completo: 

Enlace al álbum completo: Carol of Harvest - Carol of Harvest 1978 (full album)



Mi opinión sobre el álbum

Estamos ante otra joya olvidada. El caso típico: una banda con pocos recursos logra imprimir una pequeña tirada de su obra maestra, pero la falta de distribución y publicidad la condena al olvido. Con el tiempo y el resurgimiento del progresivo, vuelve a la actualidad. Aunque es una banda alemana y podría clasificarse como krautrock, su estilo recuerda más al folk progresivo británico. La voz femenina me evoca a Annie Haslam de Renaissance. El uso del sintetizador Moog le aporta un tono psicodélico y cósmico que la acerca al krautrock, mientras que las guitarras acústicas le dan su lado más pastoral. La música es en general muy melódica, melancólica y conmovedora. No sabría destacar una canción, ya que prefiero disfrutarla como un todo.



Créditos

- Beate Krause / voz

- Axel Schmierer / guitarras 

- Jürgen Kolb / teclados 

- Heinz Reinschlüssel / bajo

- Roger Högn / batería





Reediciones

Fue reeditado en LP en 1984.

Fue publicado por primera vez en CD en 2001. Incluyó tres bonus tracks grabados en directo en un concierto en Langenzenn en marzo de 1978.



Bonus tracks


Fue remasterizado en 2009 y publicado en LP y CD digipak.

En 2007 fue publicado en LP en España en edición limitada y en 2011 también en edición limitada en vinilo de 180g.



En 2018 se publicó remasterizado en CD y LP en Alemania con elayas.


En 2020 fue publicado remasterizado en CD con Graden of Delights. Incluyó 7 bonus tracks


Bonus tracks

6 River     2:35

7 Sweet Heroin     7:03

8 Brickstone     1:13

9 Now I Realize My Dreams 4:28

10 For My Little Ones 2:54

11 Bringing Light On Earth 4:15

12 Dave 3:35

En 2023 se publicó remasterizado en LP en edición limitada numerada en Alemania con Garden of Delights con material adicional.


En 2024 se publicó en ficheros WAV.

domingo, 29 de marzo de 2026

1977: Ange Volumen VI: En directo

Contenido de esta entrada:

Introducción

Tome VI

Portada de Tome VI





En este artículo traemos el sexto álbum de la banda Ange titulado Tome VI y publicado en 1977, el cual sería su primer álbum en directo.

Ange es una banda francesa de rock progresivo de Belfort, Héricourt y Vesoul, Franche-Comté, Francia. Fue formado a finales de 1969 por Christian Décamps (voz, acordeón, guitarra acústica y teclados) y el guitarrista Jean-Michel Brézovar. Francis (teclados), el hermano de Christian, pronto se une a ellos. Desde sus inicios, la música de la banda se ha inspirado en textos medievales y fantasía.




Esta banda francesa de rock progresivo sinfónico, similar a contemporáneos como Genesis y King Crimson, es sin duda la banda progresiva más importante de Francia. Combinando influencias de rock progresivo con folk francés y voces teatrales al estilo de Jacques Brel (Ange versionó Ces Gens-là de Brel, y resultó ser su primer éxito en 1970), la música de Ange, pero sobre todo sus letras, son insuperables.

Junto con las bandas británicas Spooky Tooth, Procol Harum, Supertramp y Archive, Ange es una de las pocas bandas de rock con dos teclistas.

Durante la década de 1970, el sonido de los teclados de la banda era único, imaginado y creado por Francis Décamps, que quería tener un sonido personal y recuerdan al del mellotrón, en realidad se generaron con un órgano Viscount pasándolos a través de una reverberación Hammond modificado por Francis, ayudado por técnicos de un importador de instrumentos musicales con sede por aquel entonces en Lyon. El mellotrón en sí fue utilizado en el álbum Guet-apens en 1978. Christian Décamps, por su parte, utiliza un órgano Hammond L, y el sonido característico del grupo proviene de la mezcla de sonidos producidos por los dos instrumentos.

Exposición  de órganos Viscount en Bicester (Reino Unido). Fuente: viscountorgans.net


Treinta años después, después de múltiples cambios de formación y la retirada de Francis Décamps, el carismático y teatral líder Christian Descamps lidera la nueva generación de Ange junto a su hijo Tristan en los teclados, Hassan Hajdi en las guitarras, Thierry Sidhoun en el bajo, Caroline Crozat en la voz y Benoît Cazzulini en la batería, ofreciendo un universo más extenso aunque lejos de la inspiración y el sonido originales, aunque en algunos temas Christian y su hijo continúan tocando los teclados juntos.

Christian y Tristan Décamps en teclados el 5 de febrero de 2010 en Florange


El grupo, a lo largo de su existencia, ha acumulado seis discos de oro y más de seis millones de álbumes vendidos Y continúan en la brecha...

50 años de Ange en Épinal el 19 de agosto de 2022: Benoît Cazzulini, Hassan Hadji, Christian Décamps, Thierry Sidhoum, Tristan Décamps

En un anterior artículo comentamos los comienzos y primer álbum de la banda AngeCaricatures:

Portada del primer álbum de Ange, Caricatures

En un anterior artículo comentamos el segundo álbum de la banda AngeLe cimetiére des arlequins: 1973: El ángel en el cementerio de los arlequines

Portada del segundo álbum Le cimetiére des arlequins

En un anterior artículo comentamos el tercer álbum de la banda AngeAu-delà du délire:  1974: El ángel más allá del delirio

Portada del álbum Au-delà Du Délire

En un anterior artículo comentamos su cuarto álbum Émile Jacotey publicado en 19751975: Ange y Émile Jacotey.

Portada del álbum Émile Jacotey


En un anterior artículo comentamos su quinto álbum Par les fils de Mandrin publicado en 19761976: Por los hijos de Mandrin.

Portada del álbum Par les fils de Mandrin






Grabación

El álbum Tome VI fue grabado los días 25 y 26 de mayo de 1977 en el Palais des Sports de París con el estudio móvil Manor durante la gira para promocionar el álbum Par les fils de Mandrin. El equipo técnico que registró el sonido estaba formado por Alan Perkins asistido por Henri Loustau. La mezcla se realizó en el Studio des Dames de Paris por Michel Le Floch, Herbé Lochet et Philippe Puig.

Incluye una pista inédita compuesta por los hermanos Décamps e interpretada por el teclista Francis, titulada Le Chien, la poubelle et la rose. Al finalizar esta gira, el guitarrista Jean-Michel Brézovar y el bajista Daniel Haas abandonaron la banda.




En 1977, los conciertos de la gira Ange Tour 77 se extendían hasta dos horas y veinte minutos. Christian Descamps admitió: "Aunque el programa puede ser un poco largo, realmente hay que llegar hasta el final. Ya no puedo entregarme como antes desde que me rompí los pies; siempre hay un dolor que me lo recuerda. Esta gira es muy agotadora."


Lanzamiento

El álbum fue lanzado en doble vinilo en 1977 en Francia con Philips. El álbum se editó inicialmente con una carpeta desplegable. Las fotografías del lado exterior son de Philippe Étournaud y las del lado interior de Jean-Yves Legras.

Interior de la carpeta

El álbum entró en las listas francesas el 16 de diciembre de 1977 y permaneció allí durante ocho semanas, alcanzando el número 29.


Lista de pistas del álbum

Lado 1

1. Fils de lumière (Christian Décamps / Francis Décamps) 4:35

2. Les Longues Nuits d'Isaac (Christian Décamps / Francis Décamps) 4:29

3. Ballade pour une orgie (Christian Décamps / Jean-Michel Brezovar) 4:40

4. Ode à Émile (Christian Décamps / Jean-Michel Brezovar) 3:47


Lado 2

1. Dignité (Christian Décamps / Francis Décamps) 15:53


Lado 3

1. Le Chien, la poubelle et la rose (Christian Décamps / Francis Décamps) 13:14

2. Sur la trace des fées (Christian Décamps / Francis Décamps) 5:12


Lado 4

1. Hymne à la vie     (Christian Décamps / Jean-Michel Brezovar)
  • Cantique         5:24
  • Procession 5:24
  • Hymne 3:02

4. Ces gens-là (Jacques Brel)     6:02


Enlace a la lista de reproducción: Tome VI



Créditos
  • Christian Décamps:  voz, piano, órgano Hammond
  • Francis Décamps:  órgano, mellotrón, efectos especiales, coros, voz principal en Le Chien, la poubelle et la rose.
  • Jean Michel Brézovar: guitarra solista
  • Daniel Haas: bajo, guitarra acústica
  • Jean Pierre Guichard: batería, percusión
Contraportada del álbum



Mi opinión sobre el álbum

El álbum refleja perfectamente la esencia de la banda. Tras el fallido intento de hacerse conocer fuera del ámbito francófono cantando en inglés, este trabajo se publicó únicamente en Francia, lo que hizo que pasara desapercibido al principio. Con el regreso del progresivo en los 90, la banda retomó su actividad y el disco volvió a despertar interés, especialmente entre quienes querían iniciarse con su música, para lo cual resulta ideal. Grabado en el estudio Manor de Virgin, ofrece una buena calidad de sonido y muestra la profesionalidad de los músicos en directo. Además, incluye un tema inédito, "Le Chien, La Poubelle et La Rose", con momentos bastante roqueros.


 

Videos

















Reediciones

El álbum fue reeditado en CD por primera vez en 1990.


Fue publicado remasterizado en CD en 2013 en Japón en formato mini-lp.


sábado, 28 de marzo de 2026

1978: La Orquesta Mágica Amarilla

Contenido de esta entrada:

Introducción

Historia

Primer álbum







Enlaces interesantes sobre Sakamoto: Ryuichi Sakamoto: Playing the Piano for the Isolated






Este artículo está dedicado al grupo japonés Yellow Magic Orchestra y su primer álbum homónimo  publicado en 1978.

Yellow Magic Orchestra

Yellow Magic Orchestra (abreviada como YMO) fue una banda japonesa de música electrónica formada en Tokio en 1978 por Haruomi Hosono (bajo, teclados, voz), Yukihiro Takahashi (batería, voz principal, teclados ocasionales) y Ryuichi Sakamoto (teclados, voz). El grupo es considerado influyente e innovador en el ámbito de la música electrónica popular. Fueron pioneros en el uso de sintetizadores, samplers, secuenciadores, cajas de ritmos, ordenadores y tecnología de grabación digital y anticiparon eficazmente el "electropopboom" de los años 80. Se les atribuye haber desempeñado un papel clave en el desarrollo de varios géneros electrónicos, incluyendo synthpop, J-pop, electro y techno, mientras exploraban temas sociopolíticos subversivos a lo largo de su carrera. 

Los tres miembros eran veteranos de la industria musical antes de unirse como YMO, y se inspiraron en fuentes eclécticas, incluyendo la música electrónica de Isao Tomita y Kraftwerk, la música tradicional japonesa, los juegos arcade, la música funk y las producciones disco de Giorgio Moroder. Lanzaron el sorprendente éxito mundial "Computer Game" en 1978, alcanzando el Top 20 del Reino Unido y vendiendo 400.000 copias en EE. UU. En sus primeras grabaciones y actuaciones, la banda solía estar acompañada por el programador Hideki Matsutake. El grupo lanzó varios álbumes antes de pausar su actividad en 1984. Se reunieron brevemente varias veces en las décadas siguientes antes de la muerte de Takahashi y Sakamoto en 2023.



Ryuichi Sakamoto

Ryuichi Sakamoto (17 de enero de 1952 – 28 de marzo de 2023) fue un músico, compositor, teclista, productor discográfico, cantante y actor japonés. Desarrolló una amplia variedad de estilos como solista y como miembro de la banda de música electrónica Yellow Magic Orchestra (YMO). Junto a sus compañeros de la YMO, Haruomi Hosono y Yukihiro Takahashi, Sakamoto influyó y fue pionero en varios géneros de música electrónica. Como compositor de bandas sonoras, Sakamoto ganó un Oscar, un BAFTA, un Grammy y dos Globos de Oro.

Sakamoto en 2013


Sakamoto comenzó su carrera como músico de sesión, productor y arreglista mientras estudiaba en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio a mediados de los años setenta. Su primer gran éxito llegó en 1978 como cofundador de YMO. Al mismo tiempo siguió una carrera en solitario, lanzando ese año el álbum experimental de fusión electrónica Thousand Knives y el álbum B-2 Unit en 1980. B-2 Unit incluye el tema "Riot in Lagos", que tuvo una influencia significativa en el desarrollo del electro, hip hop y música dance. Continuó produciendo más discos en solitario y colaborando con muchos artistas internacionales, entre ellos David Sylvian, DJ Spooky, Carsten Nicolai, Youssou N'Dour y Fennesz. Sakamoto compuso música para la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, y su composición "Energy Flow" (1999) fue el primer sencillo instrumental número uno en la historia de las listas Oricon de Japón.



Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983) marcó su debut tanto como actor como compositor de bandas sonoras para cine; su tema principal fue adaptado al sencillo "Forbidden Colours", que se convirtió en un éxito internacional. 




Su obra más exitosa como compositor de cine fue The Last Emperor (1987), por la que ganó el Oscar a la Mejor Banda Sonora Original, convirtiéndose en el primer compositor japonés en ganar un Oscar.



Siguió recibiendo reconocimientos componiendo para películas como The Sheltering Sky (1990), Little Buddha (1993) y The Revenant (2015). En ocasiones, Sakamoto también trabajó como compositor y guionista en anime y videojuegos. En 2009 recibió la Orden de las Artes y las Letras del Ministerio de Cultura de Francia por sus contribuciones a la música. Sakamoto falleció el 28 de marzo de 2023 a causa de cáncer colorrectal a los 71 años.



Anteriores artículos

Un anterior artículo lo dedicamos al músico japonés Ryuichi Sakamoto y su primer álbum en solitario Thousand Knives publicado en 19781978: Mil Cuchillos de Ryuichi Sakamoto.





Historia


El líder del grupo, Haruomi Hosono, había estado usando una máquina de ritmo Ace Tone desde principios de su carrera, a principios de los años 70. Tras la disolución de su banda Happy End en 1972, Hosono se involucró en la grabación de varios discos tempranos de rock electrónico, incluyendo el álbum de folk pop rock Kōri no Sekai (1973) de Yōsui Inoue y el álbum de rock psicodélico progresivo Benzaiten (1974) de Osamu Kitajima, ambos con sintetizadores, guitarras eléctricas, bajo eléctrico y, en este último, batería electrónica y máquinas de ritmo. 

Portada del álbum Kōri no Sekai 


Enlace a la lista de reproducción del álbum: Koorino Sekai


También por la misma época, el futuro "cuarto miembro" de la banda, Hideki Matsutake, fue asistente del exitoso músico electrónico internacionalmente Isao Tomita. Gran parte de los métodos y técnicas desarrollados tanto por Tomita como por Matsutake a principios de los años 70 serían empleados posteriormente por Yellow Magic Orchestra

Ryuichi Sakamoto trabajó por primera vez con Hosono como miembro de su banda en directo en 1976, mientras que Yukihiro Takahashi reclutó a Sakamoto para producir su álbum debut en solitario Saravah! en 1977 tras la disolución de la Sadistic Mika Band


Enlsce al álbum completo: Yukihiro Takahashi - Saravah [Full Album]

Hosono invitó a ambos a participar en su álbum Paraiso, de estilo exótico, que incluía canciones electrónicas creadas con diversos equipos. La banda se llamó “Harry Hosono and the Yellow Magic Band” como una sátira a la visión idealizada de la música del Pacífico y hawaiana que había cautivado a Estados Unidos y también por la obsesión por la magia negra que había en Japón en aquella época. A finales de 1977 comenzaron a grabar dicho álbum, que se publicó en 1978.


Enlace a la lista de reproducción: Harry Hosono And The Yellow Magic Band

Los tres colaboraron nuevamente en el álbum Pacific de 1978, que presentaba una versión inicial de la canción "Cosmic Surfin".



Hosono y Sakamoto también trabajaron juntos junto a Hideki Matsutake a principios de 1978 en el álbum experimental de fusión "electro-exotica" de Hosono, Cochin Moon, que fusionaba música electrónica con música india, incluyendo una canción temprana de "synth raga" llamada "Hum Ghar Sajan".



Ese mismo año, Sakamoto publicó su propio álbum en solitario, Thousand Knives que se comentó en un anterior artículo y en el que colaboraron Matsutake y Hosono. Se destacó por su temprano uso del secuenciador musical Roland MC-8 Microcomposer, basado en microprocesador, contando con Matsutake como programador musical para el álbum.


Hosono comenzó a desarrollar la idea de que una banda instrumental de música electrónica podría tener potencial para triunfar fuera de Japón. Invitó a Tasuo Hayashi de Tin Pan Alley y a Hiroshi Sato de Huckleback a participar, pero ambos declinaron. Finalmente, Hosono, Sakamoto y Takahashi formaron la banda que se llamó Yellow Magic Orchestra. El que sería su primer álbum, estaba planeado inicialmente un álbum más de Hosono.





Primer álbum


Su primer álbum se terminaría llamando homónimamente Yellow Magic Orchestra.

El trío hizo su propia versión de la melodía exótica “Firecracker” de Martin Denny de 1959, incorporando electrónica moderna como una forma de subvertir la exotización y el orientalismo de la pieza original. Además, crearon varias composiciones propias que también abordaban temas de asiatismo, exotización y orientalismo desde una mirada japonesa.





Grabación 

Comenzaron a grabar el álbum en julio de 1978 en un estudio de Shibaura en Tokio. Utilizaba una gran variedad de equipos de música electrónica (así como eléctricos), incluyendo el Roland MC-8 Microcomposer, el sintetizador polifónico Korg PS-3100, el vocoder Korg VC-10, los kits de batería electrónica Yamaha Drums y Syn-Drums, los monosintetizadores Moog III-C y Minimoog, los sintetizadores analógicos Polymoog y ARP Odyssey, el sintetizador Oberheim Eight Voice, el piano eléctrico Fender Rhodes y el Fender Jazz Bass. Además del equipo electrónico, los únicos instrumentos acústicos usados en el álbum fueron un piano Steinway, una batería y una marimba.

Junto el álbum Thousand Knivesfueron los primeros álbumes de música popular conocidos en utilizar el microcompositor Roland MC-8, programado por Hideki Matsutake durante las sesiones de grabación. El vibrante toque funk que recorre todo el álbum se lograba gracias a la programación de Matsutake, con sutiles variaciones en la entrada del MC-8. En aquel entonces, Billboard destacó que combinar esta tecnología informática con sintetizadores permitía a Yellow Magic Orchestra crear sonidos inéditos hasta ese momento. Más tarde, la banda describió tanto al MC-8 como a Matsutake como un “factor inevitable” en su producción musical y en sus actuaciones en vivo.

MC-8



Contenido del álbum

El álbum es un ejemplo adelantado de synth-pop, un género que Yellow Magic Orchestra ayudó a popularizar. La banda experimenta con distintos estilos de música electrónica, como melodías asiáticas sobre una base “electro-disco” en “Firecracker” y “Tong Poo”, además de un uso intensivo de sonidos de videojuegos en los dos  “Computer Game”. Ambas pistas de  “Computer Game” contienen el mismo audio y fueron creadas para dar la sensación de que ambos juegos se desarrollan en la misma habitación, cada una desde la perspectiva de su máquina arcade: Circus y Space Invaders. La canción también incluye un sample del chiptune inicial del juego arcade Gun Fight (1975). Tanto Circus como Space Invaders, junto a otros videojuegos populares de la época, aparecen en la película promocional de “Tong Poo”.





Lanzamiento

El álbum se lanzó por primera vez en Japón en 1978 con Alfa.

Contraportada de la primera edición japonesa

Después del lanzamiento del álbum Yellow Magic Orchestra, los ejecutivos de A&M Records en Estados Unidos presenciaron una actuación en vivo en el Roppongi Pit Inn, justo cuando estaban negociando un acuerdo de colaboración con Alfa Records. Esto llevó a que YMO recibiera una oferta internacional, y a principios de 1979 los tres miembros decidieron que el grupo sería su prioridad por encima de sus carreras en solitario.

Se publicó en Estados Unidos el 30 de mayo de 1979 por A&M Records bajo el sello Horizon, con una nueva mezcla de Al Schmitt, nueva portada y una lista de temas ligeramente diferente. Esta "versión estadounidense" fue posteriormente lanzada en Japón el 25 de julio de 1979 por Alfa. Las copias promocionales de A&M se prensaron en vinilo amarillo.


"Firecracker" salió como sencillo bajo el nombre "Computer Game". Por eso, en las primeras ediciones del álbum en Estados Unidos, "Computer Game 'Theme from The Circus'" y "Firecracker" aparecían como una sola pista, mientras que el sonido de petardo al final se indexó aparte como "Firecracker". Esto se corrigió en lanzamientos posteriores. La versión de 1979 incluía nuevas mezclas, con una ecualización más potente y un uso marcado de reverberación con compuerta. Además, varias transiciones en la segunda cara del álbum fueron editadas de otra manera, y "Bridge over Troubled Music" incorporó un solo extra de piano eléctrico sobre la percusión inicial.

La canción "Firecracker" se lanzó como sencillo en Japón en 1978 y en Estados Unidos y Reino Unido en 1979, convirtiéndose en un gran éxito de R&B en Estados Unidos. Ese mismo año, la canción se lanzó como el sencillo "Computer Game", que combinaba las pistas de "Computer Game" y "Firecracker". El sencillo "Computer Game" fue un éxito internacional aún mayor, vendiendo más de 400.000 copias en Estados Unidos y entrando en el top 20 de la lista de singles del Reino Unido.

Video promocional de Computer Game:







Lista de temas

Edición original

Cara 1

1. "Computer Game 'Theme from The Circus' (コンピューター・ゲーム —サーカスのテーマ—)" (Yellow Magic Orchestra) 1:48

2. "Firecracker (ファイアークラッカー)" (Yellow Magic Orchestra, Martin Denny) 4:50

3. "Simoon (シムーン)" (letras: Chris Mosdell música: Haruomi Hosono) 6:27



Cara 2

1. "Tong Poo (東風, tonpū; "east wind")" (Ryuichi Sakamoto) 6:15

2. "La femme chinoise (中国女, Chūgoku-onna)" (letras: Mosdell música: Yukihiro Takahashi) 5:52

3. "Bridge over Troubled Music (ブリッジ・オーバー・トラブルド・ミュージック)" (YMO) 1:17

4. "Mad Pierrot (マッド・ピエロ)" (letras: sin acreditar música: Hosono) 4:20



Mi opinión sobre el álbum

Hasta en las fotos recuerdan a Kraftwerk. El toque progresivo lo aporta Ryuichi Sakamoto, aunque curiosamente su trabajo en solitario no está en Progarchives, mientras que Yellow Magic Orchestra sí. Destaca especialmente la composición de Sakamoto “Yellow Magic (Tong Poo)”. Sus compañeros aportan un matiz más pop, lo que convierte este álbum en un anticipo del synth pop al que luego se sumarían los propios Kraftwerk. De ese lado sobresale el tema “La Femme Chinoise”, con diálogo en francés que más tarde imitaría la banda británica Visage en su éxito de 1980 “Fade to Grey”. En “Mad Pierrot” despliegan todo su arsenal electrónico.



Créditos

Yellow Magic Orchestra – arreglos, electrónica
  • Haruomi Hosono – bajo, bajo sintetizador, sintetizadores, producción, ingeniero de mezcla (acreditado como "Harry Hosono" en algunas ediciones)
  • Ryuichi Sakamoto – sintetizadores, piano, piano eléctrico, percusión, orquestación
  • Yukihiro Takahashi – voz, batería, batería electrónica, marimba, percusión
Músicos invitados
  • Hideki Matsutake – Programación de microcompositores
  • Chris Mosdell – letra
  • Shun'ichi "Tyrone" Hashimoto – voces vocodizadas en "Simoon"
  • Masayoshi Takanaka – guitarra eléctrica en "Cosmic Surfin'" y "La femme chinoise"
  • Tomoko Nunoi (no acreditada en las primeras ediciones) – narración francesa (acreditada como "Sexy Voice") en "La femme chinoise"
Personal adicional
  • Kunihiko Murai – productor ejecutivo
  • Norio Yoshizawa y Atsushi Saito – ingenieros de sonido
  • Shunsuke Miyasumi – coordinador de grabación
  • Masako Hikasa & Akira Ikuta – gestión
  • Aijiro Wakita – diseño, director artístico
  • Kazuo Hakamada – ilustraciones
Personal adicional de la versión estadounidense
  • Minako Yoshida – voz en "Yellow Magic (Tong Poo)"
  • Tommy LiPuma – supervisor
  • Al Schmitt – ingeniero de mezclas
  • Mike Reese – ingeniero de masterización
  • Roland Young – director artístico
  • Amy Nagasawa & Chuck Beeson – diseño
  • Lou Beach – portada
  • Masayoshi Sukita – contraportada






Reediciones

Fue publicado por primera vez en CD en Japón en 1984 con Alfa.


Fue publicado remasterizado en CD en 1992 en Japón, Europa y Estados Unidos.


En 1998 fue publicado en Japón en formato mini-lp en edición limitada tanto como con la portada original como la de 1979. Lo mismo en 2003.

En 2017 se publicó en mp3 y en 2018 en FLAC.

En 2018 se publico remasterizado en formato SACD, en vinilo a 33rpm y en doble vinilo a 45rpm

Edición de doble vinilo a 45rpm





Letras






Seguidores

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