1978: El ataque de Magma

Contenido de esta entrada:

Introducción

Grabación

Lanzamiento y recepción

Lista de canciones y enlaces

Portada del álbum Attahk

Sitio oficial de Magma: Magma – Official Website (magmamusic.org)

Facebook: MAGMA | Facebook

YouTube: MagmaOfficialTV - YouTube

Introducción

Este artículo lo dedicamos al álbum Attahk de la banda Magma publicado en 1978.

Magma es una banda francesa de rock progresivo, creador del estilo de música conocido como Zeuhl,​ aunque también se le incluye dentro de la corriente Rock in Opposition. 

Para la opinión general el Zeuhl está influenciado principalmente por el jazz, la música contemporánea de compositores como Igor Stravinsky o Carl Orff, y por el gospel.

Fue fundada en París en 1969 por el baterista de formación clásica Christian Vander, quien reclamó como inspiración una "visión del futuro espiritual y ecológico de la humanidad" que le inquietó profundamente. Magma desarrollará una compleja discografía de álbumes conceptuales. En el transcurso de su primer álbum, la banda cuenta la historia ficticia de un grupo de personas que huyen de una Tierra condenada a establecerse en el planeta Kobaïa. Más tarde, el conflicto surge cuando los Kobaïans, descendientes de los colonos originales, se encuentran con otros refugiados de la Tierra.

Christian Vander

Vander creó un lenguaje ficticio, el kobaïano, en el que se cantan la mayoría de las letras. El término zeuhl proviene de dicho idioma, y aunque no tiene una traducción literal, significa "celestial". También, aunque en su minoría, desarrollan letras en francés e inglés. Vander dijo en una entrevista que había inventado el kobaïano para Magma porque «el francés no era lo suficientemente expresivo. Ya sea para la historia como para el sonido de la música». Además, reveló que el lenguaje se desarrolló en paralelo con la música, y que los sonidos aparecían mientras componía en el piano, e incluso en sueños. En una entrevista de 1977 con Vander y el vocalista de Magma Klaus Blasquiz, Blasquiz dijo que el kobaïan es un "lenguaje fonético hecho por elementos de las lenguas eslava y germánica para poder expresar algunas cosas musicalmente. El idioma tiene, por supuesto, un contenido, pero no palabra por palabra". El propio Vander ha dicho: "Cuando escribí, los sonidos [de Kobaïan] vinieron naturalmente con él, no intelectualicé el proceso diciendo 'Ok, ahora voy a escribir algunas palabras en un idioma en particular', realmente eran sonidos que venían al mismo tiempo que la música". La subsecuente expansión del lenguaje fue un esfuerzo grupal, y como los integrantes de Magma iban cambiando, nuevas ideas eran incorporadas en el lenguaje y la música.

El crítico de música británica Ian MacDonald dijo que el kobaïano es "fonético, no semántico", y que está basado en "sonoridades, no en significados aplicados".​ Uno de los cantantes de Magma, Klaus Blasquiz, describe el kobaïano como un "lenguaje del corazón", cuyas palabras son "inseparables de la música".​ El experto en Magma Michael Draine dijo que "la abstracción entregada por el verso kobaïano parece inspirar a los vocalistas de Magma a alcanzar alturas de abandono emocional raramente permitidos por letras convencionales".

Magma

Los álbumes posteriores cuentan diferentes historias ambientadas en tiempos más antiguos; sin embargo, el idioma kobaïano sigue siendo una parte integral de la música. Durante las tres décadas siguientes, Magma continuó la mitología de Kobaïa a través de diez álbumes, todos cantados en kobaïano.

Las letras en kobaïano de los álbumes de Magma nunca fueron traducidas, pero el desarrollo de la historia de Kobaïa era incluido en las notas de los álbumes. Mientras el propósito original del lenguaje fue evitar la sobre exposición, lexicones no oficiales de kobaïano fueron creados por fans de Magma en la red, y el mismo Vander ha traducido muchas de las palabras.

En 1986, se fundó el sello francés Seventh Records para publicar el trabajo de Magma y Vander. A lo largo de los años, Seventh también ha lanzado álbumes de artistas relacionados como Stella Vander, Patrick Gauthier y Collectif Mu.

Símbolo de Seventh Records

Con 50 años de trayectoria, Magma ha dejado un legado musical que desafía cualquiera de las clasificaciones estándar, operando en un reino de su propia creación. Es uno de los principales referentes de la música contemporánea actual y una de las bandas francesas más influyentes de todos los tiempos. El estilo de rock progresivo Zeuhl ha influido a otras bandas contemporáneas principalmente en Francia incluyendo a Zao (Francia), Art Zoyd (Francia) y Univers Zero (Bélgica), y con el tiempo a algunas bandas japonesas incluyendo a Ruins y a Kōenji Hyakkei, cuyas letras también son cantadas en lenguajes construidos similares al kobaïano..

Magma fue la cuna de numerosos talentos musicales como Didier Lockwood, Claude Engel, Jannick Top, Bernard Paganotti, François Cahen, Teddy Lasry, Klaus Blasquiz, Benoît Widemann, Jean Pierre Fouquey, Dominique Bertram y Guy Delacroix, entre otros.

A sus comienzos y primer álbum dedicamos el anterior artículo: 1970: Comienzos y primer álbum de Magma

A su segundo álbum 1001° Centigrades dedicamos el anterior artículo: 1971: Segundo álbum de Magma: Magma 2 - 1001º Centigrades

Un anterior artículo lo dedicamos a continuar su historia con los álbumes The Unnamables (1972) y Mekanïk Destruktïw Kommandöh (1973): 1973: Los innombrables y el Mekanïk Destruktïw Kommandöh.

Christian Vander grabó la banda sonora de la película de Yvan Lagrange Tristan et Iseult que sería publicado en 1974 cuando se estrenó el film. De esta banda sonora nos ocuparemos en un anterior artículo: 1974: El Tristán e Isolda de Christian Vander con Magma.

Portada del álbum Tristan et Iseult 

De su siguiente álbum Köhntarkösz publicado en 1974 nos ocupamos en un anterior artículo: 1974: La trilogía Köhntarkösz de Magma

Portada del álbum Köhntarkösz

En un anterior artículo nos ocupamos de su primer álbum en directo Live/Hhaï publicado en 1975:

1975: Magma en vivo

Portada del álbum Live

En un anterior artículo nos ocupamos del álbum Üdü Ẁüdü publicado en 1976: 1976: Magma y Üdü Ẁüdü.

Portada definitiva del álbum Üdü Ẁüdü

Grabación

Antecedentes

En 1976, Jannick Top se fue tras la grabación del álbum Üdü Ẁüdü debido a las tensas relaciones con el líder Christian Vander. 

Magma se disolvió tras el lanzamiento de su álbum de 1976 Üdü Ẁüdü, antes de reunirse a principios de 1977 con una formación muy cambiada.

Christian Vander aprovechó este tiempo para explorar una nueva dirección musical, incorporando toques de R&B y música gospel en su repertorio. Una muestra de este cambio fue que la banda interpretaba con frecuencia "Riders on the Storm" de The Doors a principios de 1977.

Otro cambio importante en 1977 para Vander fue el nacimiento de su hija Julie con su ahora esposa Stella Vander. Esto influyó en una dirección más positiva y optimista para su música, ya que su nacimiento le sacó de una depresión que se había formado desde el lanzamiento de Üdü Ẁüdü. Una Julie Vander adulta actuaría en lanzamientos posteriores de Magma, como la Trilogía en directo de Theusz Hamtaahk.

Julie Vander 

De la banda que grabó Üdü Ẁüdü, aparte de Christian Vander (teclados, batería, percusión, voz principal) y su mujer Stella Vander (voces) quedó tan solo Klaus Blasquiz (voces, percusión). A Bernard Paganotti  le sustituyó en el bajo Guy Delacroix acreditado en el álbum como Stöht Ürgon. A ellos se les unieron Clément Bailly (batería), Benoît Widemann (teclados) y Jean de Antoni (guitarra).

Guy Delacroix acreditado en el álbum como Stöht Ürgon

En álbumes anteriores, Vander había intentado que otros miembros de la banda colaboraran en la composición de los temas. Pero en ese momento, con una formación completamente renovada, no pudo repetir la experiencia y decidió asumir el control total en la creación de nuevos temas desde entonces.

Grabación

El álbum fue grabado y mezclado en el Le Château D'Hérouville situado en las cercanías de París (Francia) en el otoño de 1977 con los ingenieros Laurent Thibault y Michel Marie.

Château D'Hérouville

El álbum fue producido por Laurent Thibault.

Laurent Thibault

Contenido del álbum

Buscando captar la atención de mayores audiencias y un éxito comercial mayor, el álbum incluía elementos de soul, rhythm & blues y funk pero sin perder la esencia de Magma.

El tema  "Rind-ë" se convirtió en un clásico de Magma.

Relación con otros álbumes de Magma

El tema "Rind-ë" fue una pieza descartada de la composición Ëmëhntëhtt-Ré, que luego se incorporó en la primera pista del álbum Ëmëhntëhtt-Ré de 2009.

Ëmëhntëhtt-Ré I

La reutilización del material de otros álbumes se debe a que el álbum siempre estuvo destinado a consistir en estas canciones, y se dividieron en numerosos álbumes diferentes en el momento en que estaba claro que no se lanzaría en su formato previsto.

Lanzamiento y recepción

El álbum Attahk fue publicado el 5 de marzo de 1978. La portada fue de H. R. Giger. También fue publicado en Alemania, España y Estados Unidos.

Contraportada del álbum

Con carácter exclusivamente promocional se lanzó el sencillo Spiritual con un extracto de The Last Seven Minutes en la cara B.

Reediciones

Fue publicado en CD por primera vez en el sello Charly Records en 1988.´

En 1996 fue publicado remasterizado en CD en el Reino Unido.

En 2009 se publicó en formato digipack en Francia.

En 2015 se publicó en vinilo de 180 g.

Recepción

 Dominique Leone en la reseña del álbum para Allmusic:

Su interés por el funk, R&B, góspel y pop salió a la luz, y al igual que muchos de sus compañeros de rock progresivo y fusión jazz, moldeó el sonido de la banda para que tuviera un atractivo transversal. La música de este álbum es más brillante que la del anterior, enfatizando el ritmo, las voces principales y líneas de bajo brillantes e influenciadas por la fusión, en lugar de voces grupales turbias o suites de zeuhl extendidas. Los fans del material anterior tienden a criticar este álbum por la falta de un sonido "tradicional" de zeuhl en favor de un híbrido funk/fusión/zeuhl. Aunque es notablemente diferente de los álbumes anteriores, es uno de los más emocionantes y, sin duda, uno de los más accesibles."

Dominique Leone

Opinión personal

Parece que el álbum decepcionó a algunos fans de Magma por alejarse del Zeuhl. A mí me parece un buen trabajo, ya que es más accesible, con toques funky y de jazz. Destacan la enérgica The Last Seven Minutes, que abre el disco, y la trepidante Maahnt, con la que comienza la cara B. Mi favorita es Nono, que pone un apoteósico broche final al álbum.

Lista de canciones y enlaces

Enlace a la lista de reproducción del álbum: Attahk

Lista de canciones

Toda la música compuesta por Christian Vander.

Cara 1

1. "The Last Seven Minutes (1970-1977, Phase I)" 7:35

2. "Spiritual" 3:17

3. "Rind-ë (Eastern Song)"     3:05

4. "Liriïk Necronomicus Kahnt (in which our heroes Ürgon & Ğorğo Meet)"     5:04

Cara 2

5. "Maahnt (The Wizard's Fight Versus the Devil)" 5:29

6. "Dondaï (To an Eternal Love)" 7:59

7. "Nono (1978, Phase II)" 6:17

Videos

MAGMA - Attahk - 22 Sept 2012

🎵 Magma - The Last Seven Minutes (France, 2005)

Magma - Nono

Créditos

• Christian Vander: batería, percusión, teclados, piano, voz principal, coros
• Jannick Top: bajo, sintetizador, arreglos de metales, coros
• Bernard Paganotti: bajo, coros, percusión
• Klaus Blasquiz: voz, coros
• Stella Vander, Lucille Cullaz, Liza Deluxe y Catherine Szpira: coros
• Michel Graillier: piano
• Patrick Gauthier: piano, sintetizador
• Benoît Widemann: sintetizador
• Pierre Dutour: trompeta
• Alain Hatot: saxofón, flautas

1979: Eno y la música ambiental para los aeropuertos

Contenido de esta entrada:

Introducción

El álbum Ambient 1: Music for Airports

Lanzamientos y recepción

Lista de temas

Introducción

Este artículo lo dedicamos al álbum Ambient 1: Music for Airports de Brian Eno publicado oficialmente en 1978. 

Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno (Woodbridge, Suffolk, 15 de mayo de 1948), artísticamente Brian Eno o Eno, es un compositor, activista, cantante y productor musical inglés. A lo largo de su trayectoria ha desarrollado trabajos en géneros musicales como el ambient -del que se le considera un pionero-,​ el glam-rock -con Roxy Music-, la música electrónica y experimental.​

Considerado un visionario y un innovador en muchos campos de la música,​ también ha desarrollado trabajos en otras disciplinas artísticas, en especial las instalaciones y las artes visuales

En un anterior artículo comentamos el álbum (No Pussyfooting) en el que Brian Eno colaboró con Robert Fripp: 1973: Cuando Fripp encontró a Eno

Portada del álbum (No Pussyfooting) de Fripp & Eno 

En un anterior artículo comentamos el primer álbum en solitario de Brian Eno, Here Come the Warm Jets (del inglésː Ahí vienen los chorros calientes). Significó su primer disco como solista tras abandonar Roxy Music: 1973: Ahí vienen los chorros calientes de Brian Eno

Portada del álbum Here Come the Warm Jets

Eno tocó en un concierto de Island Records el 1 de junio de 1974 con sus compañeros músicos Nico, Kevin Ayers y John Cale. Robert Wyatt también participó. Lo comentamos en un anterior artículo: 1974: El concierto del 1 de junio con Ayers, Cale, Eno y Nico

En un anterior artículo comentamos el segundo álbum en solitario de Eno, Taking Tiger Mountain (By Strategy), lanzado en noviembre de 1974 por Island Records: 1974: Brian Eno, Phil Manzanera, Robert Wyatt y la peor orquesta del mundo

En un anterior artículo nos ocupamos del tercer álbum de estudio de Eno (Another Green World), lanzado por Island Records en noviembre de 1975: 1975: Brian Eno en otro mundo verde

En un anterior artículo nos ocupamos de Discreet Music, su cuarto álbum de estudio y el primero lanzado bajo su nombre completo (en oposición a simplemente "Eno"). Si bien sus colaboraciones anteriores con Robert Fripp y varias selecciones de Another Green World (1975) presentan ideas similares, Discreet Music marcó un claro paso hacia la estética ambiental que Eno mostraría más tarde con Ambient 1: Music for Airports de 1978: 1975: La música discreta de Brian Eno

En un anterior artículo nos ocupamos del segundo álbum en el que Eno colaboró con Robert Fripp:

1975: El lucero de la tarde con Robert Fripp y Brian Eno.

En un anterior artículo nos ocupamos de los días que pasó Brian Eno con Harmonia en 1976, fruto de las grabaciones que realizaron se publicaría en 1997 el álbum Tracks and Traces: 1976: Brian Eno, Harmonia, pistas y rastros.

Portada de la edición de 2009 del álbum Tracks & Traces

En un anterior artículo comentamos la colaboración de Eno con Cluster en 1977: 1977: Cluster y Eno.

En un anterior artículo nos ocupamos del quinto álbum de estudio de Brian Eno en solitario, Before And After Science publicado en 1977: 1977: Antes y después de la ciencia de Brian Eno.

Portada del álbum Before and After Science

En un anterior artículo comentamos la segunda colaboración de Brian Eno con el dúo Cluster cuando estos últimos ya se habían separado por lo que el álbum se acredita a Eno, Moebius, Roedelius. Esta colaboración fructificó en el álbum After the Heat publicado en 1978: 1978: Eno, Moebius y Roedelius después del calor.

 

En un anterior artículo comentamos el álbum Music For Films y sus versiones: 1978: La música para películas de Brian Eno.

El álbum Ambient 1: Music for Airports

Concepto de la música Ambient

De los cuatro álbumes que Brian Eno lanzó bajo la etiqueta ambient, este fue el primero en usar de manera explícita dicho término, acuñado para distinguir su enfoque minimalista de la música de fondo llamada "música enlatada" o Muzak. Es considerado uno de los primeros ejemplos conscientes de crear un álbum de este género musical caracterizado por la creación de paisajes y texturas sonoras envolventes que no precisan de una escucha activa por parte del oyente. Puede rastrearse este tipo de música en otros discos del compositor como Evening Star (1975), Discreet Music (1975) o Music for Films (1978), pero este disco es el primero que la trata de modo global y completo.

La música ambient tiene que ser capaz de ajustarse a varios niveles de atención auditiva sin imponerse en ninguna: ha de poder ser ignorada como interesante".

Brian Eno (Diario El País)  

La música fue diseñada para ser reproducida de modo continuo en una instalación de sonido con el objetivo de hacer desaparecer la tensa atmósfera propia de una sala de espera de aeropuerto. Eno concibió esta idea cuando se quedó atrapado en el aeropuerto de Colonia (Alemania) hacia mediados de los años 70. 

Terminal 2 del aeropuerto de Colonia

Me di cuenta de que lo que yo quería era hacer música que no cambiara mucho, que fuera como una pintura más que como una obra de teatro, algo que se mantuviera estático. Así que empecé a hacer una forma de música inmóvil, más parecida a un cuadro. Al principio lo llame still music, luego ambient. Lo más importante del ambient era esa cualidad pictórica, los colores del sonido, no la historia. Mucha música es una progresión narrativa. Yo quería huir de la narrativa".

Brian Eno (Diario El País)  

En las notas del álbum, Eno explicó:

Mientras que la música de fondo convencional se produce eliminando toda sensación de duda e incertidumbre (y por tanto todo interés genuino) de la música, la música ambiental conserva estas cualidades. Y aunque su intención es 'iluminar' el entorno añadiéndole estímulos (supuestamente aliviando el tedio de las tareas rutinarias y nivelando los altibajos naturales de los ritmos corporales), la Música Ambiental está pensada para inducir calma y un espacio para pensar. La música ambiental debe ser capaz de acomodar muchos niveles de atención auditiva sin imponer uno en particular; Debe ser tan ignorable como interesante."

Brian Eno (Notas del álbum)  

Composición y grabación

Eno comenzó a trabajar en Music for Airports mientras producía el álbum Low in Berlin de David Bowie en 1977. En el estudio del productor alemán Conny Plank, grabó notas individuales interpretadas por tres cantantes alemanas Christa Fast, Christine Gómez y Inge Zeininger.

Christa Fast

Tras regresar a Inglaterra, Eno grabó a Fred Firth a la guitarra y a Robert Wyatt al piano. Eno convirtió las grabaciones en bucles de cinta. Eno dijo que el álbum fue "concebido deliberadamente austero y sin emociones" y que "fue esencialmente hecho por máquinas".

Robert Wyatt 

Más tarde, Eno mencionó a los Ray Conniff Singers y la “idea borgesiana” de un “mundo al revés” autogenerado, con la música como eje central, como fuentes de inspiración durante este periodo.

Jorge Luis Borges

En cuanto a instrumentación, rango dinámico, timbre, armonía, tonalidad y textura, las pistas son limitadas y muestran un “repertorio reducido de alturas, gestos y motivos que se mantiene a lo largo de toda su duración”. Se aprecian cambios de timbre al comparar piezas, como el cálido “1/1” frente al frío y oscuro “1/2”. Carecen de ritmos de acompañamiento y presentan una repetición irregular.

[Eno] en parte buscaba crear música que se aproximara al efecto del arte visual. Como una pintura fina, estos paisajes sonoros en evolución no requieren una implicación constante por parte del oyente. Pueden colgarse de fondo y añadir atmósfera a la sala, pero la música también recompensa la atención con una riqueza sonora ausente en los tipos estándar de música de fondo o música de música de fácil escucha.".

Linda Kohanov en AllMusic 

Eno ha declarado una conexión con la muerte. Sin buscar que fuera “todo alegre y brillante”, Eno, quien se autodenominaba “aviador nervioso”, reflexionó sobre las sensaciones que provoca estar en un aeropuerto, incluida esa supuesta relevancia mortal, y expresó su deseo de que el álbum brindara consuelo: “En serio, es música para aceptar la posibilidad de la muerte”. John L. Waters describió el disco como una “progresión lógica del trabajo de músicos ‘serios’, experimentales y basados en sistemas (John White, Gavin Bryars, Christopher Hobbs, Michael Parsons, Michael Nyman) que Eno grabó y apoyó a través de su sello Obscure”. David Stubbs destacó similitudes con la obra de Erik Satie, compositor y pianista francés.

Erik Satie

"1/1" presenta bucles de piano tocados de forma arrítmica, con el piano como instrumento principal a lo largo del álbum. La pieza nació de la improvisación de dos pianistas que no podían escucharse bien entre sí, lo que dio lugar a melodías distintas pero complementarias. A lo largo del tema aparecen varios motivos, interpretados de manera intermitente. El filósofo del arte John Lysaker, al comentar la sensación general de rumbo incierto del álbum, dijo que "1/1" "no se sostiene mejor (ni peor) que una nube". La música es siempre lenta, sin “desarrollo melódico o armónico distintivo, sin altibajos ni puntos culminantes”. "1/1" es la única pista que incluye una melodía.

John T. Lysaker

"2/1" y "1/2" utilizan bucles vocales; el primero diseñado para que fluctúen en sincronía. Las longitudes dispares de "2/1" eran resultado de las distintas capacidades de cada cantante. Transformó las grabaciones en cinta en bucles de manera casual, buscando “un silencio al menos el doble de largo que el sonido” y “relaciones más complejas en lugar de simples”. “Luego puse en marcha todos los bucles y los dejé ajustarse como quisieran”. El profesor de música Victor Szabo describió la pieza como “fantasmal”, señalando que los bucles de cinta “sin vibrato” resultan “inquietantemente sin vida”: “Mediante estas técnicas compositivas y códigos afectivo-expresivos, ‘2/1’ sugiere la ausencia humana de forma más clara que cualquier otra pista”.

"2/2" se interpretó con un sintetizador ARP 2600. Brian Eno describió cómo se grabó esta pieza:

[...] La segunda pieza de la segunda cara de Music for Airports se realizó con un ARP 2600. Creo que es un sonido precioso, y uno que no podría haber conseguido con ningún otro sintetizador que conozca. Lo que la hace tan exuberante es que está ralentizada y tiene tres tipos de eco."

Brian Eno

ARP 2600 Blue Marine

Lanzamiento

El álbum fue lanzado en febrero de 1979 con Polydor y  E.G. Records en el Reino Unido. También fue publicado en Estados Unidos, Canadá, Alemania, Italia, Francia, Escandinavia, Nueva Zelanda, Australia, Japón y España.

La contraportada del álbum presenta cuatro imágenes abstractas de notación gráfica, una para cada pista, que representan su estructura e instrumentación. La edición original contenía una funda interior impresa con notas escritas por Eno.

Contraportada del álbum

El álbum fue certificado plata en el Reino Unido por haber vendido más de 60.000 copias.

Lista de pistas

Lado uno

1. "1/1" (piano acústico y eléctrico; sintetizador - Brian Eno, Rhett Davies, Robert Wyatt) 16:30

2. "2/1" (Voz; sintetizador - Eno) 8:20

Lado dos

3. "1/2" (Voz; piano acústico - Eno) 11:30

4. "2/2" (solo sintetizador - Eno)     6:00 

(Dura 9:38 en la edición "Working Backwards" de 1983 y en las ediciones en CD.)

Enlace a la lista de reproducción del álbum completo: Ambient 1: Music For Airports (Remastered 2004)

Enlace al álbum completo: Brian Eno - Ambient 1: Music for Airports [Full Album]

Créditos

Brian Eno -  Instrumentación, diseño artístico, ingeniero de grabación y producción

Robert Wyatt - Piano acústico

Christa Fast - Voz

Christine Gómez - Voz

Inge Zeininger - Voz

Dave Hutchins - Ingeniero de grabación en «2/1» y «1/2»

Conny Plank - Ingeniero de grabación en «2/2»

Rhett Davies - Ingeniero de grabación en «1/1»

Conny Plank

Recepción

El primer álbum de música ambiental que se popularizó —y más tarde reconoció como la "primera grabación deliberadamente 'ambiental'"—, fue inicialmente descartado por críticos, público y algunos colegas de Eno, dejando desconcertados a algunos de los primeros. Solo se volvió más favorecida en los años 90, al haber "entrado en el canon musical moderno".

Brian Eno - Music For Airports Interview

Reediciones

A partir de 1980, el álbum fue reeditado por EG. 

El álbum fue reeditado por primera vez en disco compacto a través de EG en 1987. La edición del CD añade 30 segundos de silencio tras cada pista, incluyendo "2/2".

En 2004 fue publicado remasterizado en CD.

En 2018 se publicó en vinilo de 180g remasterizado. También hubo una edición limitada en doble EP.

Legado

Ambient 1 fue incluido en el libro 1001 Álbumes que debes escuchar antes de morir. Chuck Eddy de Spin lo nombró más tarde el cuarto álbum ambiental más esencial. En septiembre de 2016, Pitchfork nombró el disco como el mejor álbum de ambient de todos los tiempos.

El álbum ha sido reconocido como un lanzamiento seminal e influyente, un icono del género y de la discografía de Eno. J. D. Considine escribió en The Rolling Stone Album Guide que el disco definía la estética ambiental y al tiempo que daba nombre al género. Chris Richards, de The Washington Post, escribió que "enseñó a toda una generación de músicos a considerar la música como una textura". Reflexionando sobre el álbum, Jon Caramanica lo calificó como lo mejor del trabajo de Eno. 

Jon Caramanica 

Debido en parte a Music for Airports, la percepción de la carrera de Eno cambió y se alineó con compositores minimalistas altamente influyentes: Steve Reich, Philip Glass, Terry Riley y La Monte Young. Artistas como Pauline Oliveros, Riley y Harold Budd ampliarían el estilo de música ambiental de Eno, que tendría un papel destacado en sus siguientes álbumes; Music for Airports sirvió de origen para Eno y colaboradores que exploraban este estilo, como en la serie numerada Ambient (1978–82).Su concepción pronto se volvería más maleable y menos dependiente de los lugares. Music For Airports ha vendido más de 200.000 copias, lo que lo convierte en uno de los álbumes en solitario más vendidos de Eno.

Philip Glass

Utilización

El álbum ha sido instalado y representado en al menos cinco aeropuertos. Se ha encontrado con resistencia por parte de algunos viajeros y trabajadores, que la consideran disruptiva. Clínicas y hospitales han utilizado los álbumes para calmar a los pacientes. Fue instalado en la Terminal Área de la Marina del aeropuerto de LaGuardia de Nueva York (Estados Unidos).

Aeropuerto de LaGuardia de Nueva York (Estados Unidos)

En 1998, Bang on a Can interpretó el álbum en directo, prefiriendo un "estilo tecnicolor". Hablando sobre su actuación, Eno la describió como el conjunto "intentando actuar como máquinas, pero no suenan a máquinas en absoluto, suenan a personas y es bastante conmovedor cuando eso aparece". Consideraba que la cualidad emotiva de la interpretación era el resultado del supuesto elemento humano; le conmovió hasta las lágrimas, dijo, y otros que conocía —como Lou Reed y Laurie Anderson— tuvieron reacciones similares. Los críticos repitieron los elogios de Eno, destacando especialmente la superioridad de la interpretación.

Brian Eno (arr. Michael Gordon) / Bang on a Can All-Stars: Music for Airports 1/1

En 2010, Black Dog, a través de su noveno álbum de estudio, Music for Real Airports, publicó una "réplica musical", criticando la supuesta deshumanización de los aeropuertos y la supuesta intención de Eno de "adormecer a los clientes". 

Enlace a la lista de reproducción: Music for Real Airports

En 2023 y 2024, Bruce Brubaker publicó "Eno Piano" y "Eno Piano 2", incluyendo una transcripción para piano de "Music for Airports" realizada con la colaboración de Simon Hanes. 

Enlace a la lista de reproducción: Bruce Brubaker

Opinión personal sobre el álbum:

Este álbum es un hito en la historia de la música electrónica y se considera oficialmente el primero de música ambiental. Como la técnica del muestreo digital aún no existía, Eno recurrió a su sistema de bucles de cinta. En su lanzamiento fue mal recibido, pero desde la década de 1990 ha obtenido el reconocimiento que merece. Tal como señala Eno, puedes escucharlo sin prestarle mucha atención; yo lo uso para leer sin perder la concentración y, cuando quiero relajarme, prefiero hacerlo con los ojos cerrados, auriculares puestos y aislado del mundo exterior.