Este artículo está dedicado al álbum The Wizard Of Oz de Meco publicado en 1978.
Meco, cuyo verdadero nombre es Domenico Monardo, (Johnsonburg, Pensilvania, 29 de noviembre de 1939-25 de mayo de 2023) fue un productor discográfico y músico estadounidense, así como el nombre de un equipo de banda o de la producción en torno a él. Meco es conocido por su versión de música disco del tema de Star Wars, en su álbum Star Wars and Other Galactic Funk. Tanto el sencillo y el álbum fue certificado como disco de platino en los EE. UU. De este álbum nos ocupamos en este artículo.
En su anterior álbum, Encounters Of Every Kind, Meco hizo un recorrido por la historia como si fuera una banda sonora. Eso le dio la idea de adaptar para su siguiente disco, una banda sonora de una película.
En 1939 se estrenó la adaptación cinematográfica más famosa de "El mago de Oz", dirigida por Victor Fleming y producida y distribuida por Metro-Goldwyn-Mayer. Tal vez esta película sea incluso más conocida que el libro, sobre todo fuera de Estados Unidos. La inolvidable Judy Garland interpretó a Dorothy Gale, acompañada por Ray Bolger como el Espantapájaros, Jack Haley como el Hombre de Hojalata, Bert Lahr como el León Cobarde, Billie Burke como Glinda (la bruja buena del Norte), Margaret Hamilton como la Bruja Mala del Oeste y Frank Morgan como el Mago de Oz. Aunque la adaptación no sigue al pie de la letra la novela, ya que introduce varios cambios y solo cubre la primera mitad de la historia, logra captar el espíritu que el autor original plasmó en sus páginas. La película fue nominada a varios premios Óscar, incluyendo mejor película, y ganó en las categorías de mejor canción original (por “Over the Rainbow”) y mejor banda sonora original, además de un premio juvenil de la Academia para Judy Garland por su actuación. La película inspiró a múltiples productos y futuras adaptaciones de Oz, además de ser considerada una de las mejores películas de la historia del cine.
En 1972 se estrenó la película de animación Regreso a la Tierra de Oz, en la que Liza Minnelli da voz a Dorothy. Liza Minnelli era la hija de Judy Garland, la actriz de la película de 1939.
En el año 1974 se representa por primera vez en Detroit el musical The Wiz: The Super Soul Musical "Wonderful Wizard of Oz" y un año después se presentaría en Broadway, con un gran éxito de crítica.
Posteriormente, Motown adquirió los derechos de la obra para llevarla a la pantalla grande en un ambiente urbanizado y solamente con actores afroamericanos como Diana Ross, quien interpretó el rol de Dorothy, y compartió escena con Lena Horne como la bruja buena del Sur, Mabel King como Evilene (la bruja malvada del Oeste), Richard Pryor como el mago, Nipsey Russell como el Hombre de Hojalata, Ted Ross como el León cobarde y con el debut cinematográfico de Michael Jackson como el Espantapájaros. Titulada El Mago, se estrenó en octubre de 1978, dirigida por Sidney Lumet y distribuida por Universal Pictures. La película acabó siendo un fracaso de taquilla y recibió críticas negativas, particularmente por la elección de Diana Ross como Dorothy debido a su edad y por la clasificación G que alejó a audiencias adolescentes y mayores a ver la película, sin embargo, la banda sonora de la misma, producida por Quincy Jones, vendió más de 850 000 copias y en el tema musical "Ease on Down the Road" interpretada por Diana Ross y Michael Jackson se volvió un éxito en ventas, llegando al número 1 en el Dance Club Songs de Billboard, además que con el tiempo se volvería una película de culto y un clásico dentro del género Blaxploitation. Pese al fracaso en taquilla y las críticas negativas, la película fue nominada a cuatro premios Óscars, aunque no ganó ninguno. Esta fue la última producción cinematográfica de Motown.
En este contexto, Meco pensó que sería una buena idea hacer un álbum disco sobre el Mago de Oz.
Grabación
Para el nuevo álbum, Meco volvió a contar con los coproductores Toni Bongiovi y Harold Wheeler. Fue grabado y mezclado en los estudios Power Station de Nueva York, actuando como ingenieros Bob Clearmountain, Don Berman y Neil Dorfsman. El master fue editado en los Sterling Sound de Nueva York porGreg Calbi.
Tony Bongiovi
Como en el anterior, una orquesta, con Meco en el trombón, fue empleada para las grabaciones con arreglos de Wheeler. Por cierto, la orquesta estaba formada por músicos de sesión de primer nivel.
Harold Wheeler
Composición
El álbum es una adaptación disco de la banda sonora de la película de 1939. Entre las canciones más destacadas están "Cyclone", "Munchkinland", "Poppies" y, por supuesto, "Over the Rainbow".
El resultado es un disco muy divertido, para los jóvenes y aquellos con la mente joven. El problema es que conecta más con el publico infantil que con los que iban a bailar a los clubes.
El álbum se publicó en 1978. Alcanzó el puesto 68 en la lista pop del Billboard y el puesto 49 en la lista R&B. Llegó a vender 400.000 copias. Quizás si la película de Motown hubiera tenido más éxito, Meco se hubiera podido subir al carro y mejorar los resultados. En Australia alcanzó el puesto 72.
En Estados Unidos se lanzó una edición en vinilo amarillo transparente.
Solo se lanzó un sencillo titulado Themes From The Wizard Of Oz que era como una especie de popurrí de varios de los temas.
...Suena muy similar a su trabajo en Star Wars, pero con aún más aderezo de Donna Summer para darle un toque especial...Por supuesto, para la repetición de "Over the Rainbow" la mayoría de la gente mayor de diez años estará harta de este experimento. Pero esa es una fortaleza importante del trabajo de Meco. Está pensado para los jóvenes y los jóvenes de corazón. El Mago de Oz es un gran disco para niños, y los padres lamentan constantemente la falta de buenos discos infantiles...Es una verdadera pena que este disco no se sintonice con la película como lo hace Dark Side of the Moon de Pink Floyd. Eso es una oportunidad perdida para el genio...
JT Griffith
Lista de temas
Todos los temas producidos por Meco, Wheeler y Tony Bongiovi.
En 2021 se publicó una edición remasterizada en CD con Premium Series.
Opinión personal
Cuando escucho este álbum me siento transportado a un parque de atracciones más que a una discoteca. Lo que originalmente se pensó como temas disco inspirados en El Mago de Oz terminó convirtiéndose en divertidas versiones de la banda sonora de la película original. Como tema disco, tuvo más éxito “Ease On Down the Road” de la película The Wiz, una versión R&B de El Mago de Oz con Michael Jackson y su gran amiga Diana Ross, estrenada ese mismo año.
Este artículo está dedicado al álbum ...And Then There Were Three... de la banda de rock progresivo Genesis publicado el 31 de marzo de 1978. El álbum marca un punto de inflexión importante en la historia de la banda, tras la marcha del guitarrista Steve Hackett. Esto redujo la formación a un trío central formado por el batería y vocalista Phil Collins, el teclista Tony Banks y el bajista/guitarrista Mike Rutherford, habiendo acordado no buscarle sustituto. Ante la pérdida de un compositor principal, los miembros restantes se alejaron deliberadamente de las estructuras épicas y expansivas del rock progresivo que definían su trabajo anterior, optando en su lugar por formatos de canciones más cortos, compactos y directos.
Anteriores artículos
En anteriores artículos comentamos su séptimo álbum de estudio, A Trick of the Tail:
En anteriores artículos comenzamos a comentar su siguiente álbum Wind & Wuthering que sería el último con la participación de Steve Hackett antes de su partida en 1977. De paso comentamos la gira que hicieron para promocionarlo y que se denominó Wind & Wuthering Tour. Durante esa gira grabaron el álbum Seconds Out que comentamos también.
Los ensayos se llevaron a cabo en los estudios Shepperton y duraron unas seis semanas. En septiembre de 1977, los tres miembros restantes volvieron a Relight Studios en Hilvarenbeek, Países Bajos, para escribir y grabar su nuevo álbum, el mismo lugar donde habían trabajado en el anterior Wind & Wuthering. Querían grabar en un sitio diferente, pero no encontraron un estudio que cumpliera con sus necesidades y preferían no alejarse demasiado de Inglaterra. Rutherford quería quedarse en Londres, aunque admitió que grabar en el extranjero era su “única concesión fiscal”. El ingeniero de sonido y coproductor David Hentschel, que había colaborado en los dos últimos discos de la banda, se unió nuevamente al equipo. Genesis compartió la producción y figura acreditado en la portada del álbum. Según Rutherford, el material se grabó en solo dos semanas. Pensaron en buscar un nuevo guitarrista o contar con uno de sesión, pero Rutherford confiaba lo suficiente en sus habilidades para encargarse él mismo de las partes principales, disfrutando el reto. Banks comentó que trabajar como trío resultó más sencillo y agradable, ya que cada uno tenía un rol claro, reduciendo la posibilidad de conflictos. Rutherford notó que, con solo tres, las pistas básicas eran pocas y difíciles de visualizar hasta añadir las sobregrabaciones. Tras finalizar, mezclaron el álbum en Trident Studios, Londres.
David Hentschel
La mayoría de sus once canciones fueron escritas individualmente. Banks (cuatro canciones) y Rutherford (tres canciones) siguieron siendo los principales compositores, mientras que el resto incluyó una pieza de Banks y Collins y tres temas escritos por los tres miembros. Collins, instalado en South Ealing con su esposa y dos hijos, no tuvo mucho tiempo para aportar nuevas canciones a las sesiones. Rutherford comentó después que le sorprendió que el grupo escribiera "Follow You Follow Me", ya que antes les costaba crear canciones que encajaran en un formato de cuatro minutos. Collins recordó que fue la única canción del álbum escrita desde cero durante los ensayos. Gran parte del álbum se compuso a partir de canciones ya escritas, más que de ideas surgidas de improvisaciones o jams. Collins opinó más tarde que el disco era "muy vocal y sólido" y que carecía de “piezas ricas y jazzísticas” como “Los Endos” de A Trick of the Tail, con su mezcla de ritmo y melodía, pero no pudo proponer algo así porque le resultaba complicado tocar la batería en su piso con su familia. Aunque el grupo seguía ganando popularidad en Estados Unidos, y pese a “Follow You Follow Me”, no lograron un sencillo exitoso, algo que Banks reconoció como un hecho negativo. El orden original del álbum colocaba “Undertow” antes que “Many Too Many” y “Scenes from a Night’s Dream”, pero fue cambiado porque la banda sintió que así fluía mejor.
Phil Collins
Contenido del álbum
El álbum marcó un cambio en el sonido de la banda, dejando atrás sus raíces de rock progresivo para apostar por canciones más cortas y directas. La idea era incluir más propuestas musicales en un mismo disco y responder a las crecientes escenas de punk rock y new wave, donde lo habitual eran temas breves y concisos. Collins admitió que esto podía dar la impresión de que Genesis buscaba convertirse en “una banda de singles” centrada en el éxito comercial más que en la credibilidad artística, aunque defendió que el nuevo material seguía siendo “esencialmente el mismo”. Rutherford, por su parte, quería desarrollar su propio estilo y no imitar los característicos tonos de guitarra de Hackett, lo que llevó a que el álbum tuviera un mayor protagonismo de los teclados de Banks y partes de guitarra más sencillas y escasas.
Mike Rutherford
Cara uno
"Down and Out", una de las tres canciones compuestas en conjunto, nació durante los ensayos de la banda. Al principio, Thompson tuvo problemas para tocar su compás más complejo en vivo, ya que Collins no lograba explicar el riff y el ritmo que, según Rutherford, solo “añadían confusión”. Las letras, escritas por Collins, hablan de discográficas estadounidenses que dejan de lado a sus artistas cuando ya no están en tendencia; el estribillo está narrado desde la perspectiva del artista y los versos desde la de la discográfica.
La banda había pensado inicialmente en desarrollar y arreglar más la canción de Banks “Undertow”, pero su base de guitarra, batería y piano, junto con un estribillo sencillo, resultó lo bastante sólida como para dejarla tal cual. En la pista, Banks toca un piano de cola eléctrico Yamaha e incorpora bucles de voz creados por la banda que se mantuvieron discretos y sutiles en la mezcla final. Banks había compuesto una introducción de dos minutos para la canción, pero recuerda que los demás miembros no estuvieron de acuerdo porque el álbum ya tenía suficientes partes de teclado. Esa sección no utilizada fue reelaborada y más tarde sirvió como tema para la película “The Shout”, siendo publicada como “From The Undertow”, la pista inicial del primer álbum en solitario de Banks, A Curious Feeling (1979).
La letra de "Ballad of Big" fue escrita por Collins. La introducción presenta un efecto de guitarra vibrante creado por Rutherford, quien frotó las cuerdas con trozos de metal para darle una “tensión ligeramente oriental”. Al final de la canción, Banks y él se enfrentan alternando entre el piano eléctrico Yamaha y el sintetizador de guitarra Roland.
Para "Snowbound", Collins grabó originalmente su parte de batería a un ritmo considerablemente más rápido antes de que el grupo decidiera reducirla para adaptarse al estilo de la canción. Collins y Rutherford la describieron como una canción romántica, con letras sobre un hombre que lleva un disfraz de muñeco de nieve para esconderse de la gente, pero que, dentro de casa, se vuelve paranoico y descubre que no puede salir.
Mientras Banks escribía "Burning Rope", decidió acortar la pista en lugar de estirar sus arreglos hasta convertirlos en una pieza extendida, ya que quería evitar repetirse y hacer comparaciones con su "One for the Vine" de diez minutos de Wind & Wuthering. Incluye un solo de guitarra principal que Rutherford consideró un reto de producir tras la marcha de Hackett. Quedó satisfecho con el resultado final y lo calificó como su mejor en el álbum.
Cara dos
El título original de "Deep in the Motherlode" era "Heavy". Rutherford toca una guitarra slide de cuello de botella con la que, al principio, no tenía experiencia, hasta el punto de colocarla en la mano equivocada.
"Many Too Many" tiene más trabajo de guitarra solista de Rutherford. Tras grabar las pistas básicas, la banda no sabía cómo cerrar la canción y buscó añadir más partes instrumentales, incluyendo un sonido de cuerdas que Banks tocó en un Polymoog. En algún momento pensaron en usar instrumentos orquestales, pero la idea nunca llegó a concretarse. Banks, autor de la letra, recordó que Collins tuvo problemas para cantar la palabra "mama" en el estribillo, y él tuvo que tranquilizarlo diciéndole que podía hacerlo. También comentó en una entrevista que en realidad la parte de cuerdas la tocó en un Mellotron (su última aparición en un disco de Genesis) y en un sintetizador de cuerdas Roland, ya que opinaba que "el sonido básico de cuerdas del Polymoog no es tan bueno como imitación de cuerdas".
Polymoog 230a. Comenzó a fabricarse en 1975
"Scenes From a Night's Dream" se basa en un sueño de la infancia, inspirado en el personaje de la tira cómica Little Nemo, parte de un libro que Collins había comprado hacia tiempo para su hermano. La canción nació de una idea musical de Banks, quien escribió un primer borrador de la letra pero lo dejó a medias al sentir que no encajaba bien. Finalmente, la banda eligió unas letras que Collins improvisaba en sus ratos libres mientras mezclaba en Trident Studios, aportando una melodía distinta y más armonías.
Tira cómica de Little Nemo
"Say It's Alright Joe", escrita por Rutherford y penúltima en grabarse para el álbum, es una balada sobre un alcohólico que se sumerge en la embriaguez. El guitarrista quiso que fuera una parodia del estilo alcohólico de Dean Martin, “set ’em up Joe”, pero pensó que no funcionaría hasta que Banks añadió sus sobregrabaciones de teclado y la banda comenzó a mezclar la pista, momento en el que “cobró vida”.
Dean Martin en el papel del borracho Dude en la película Rio Bravo
La introducción de "The Lady Lies" buscaba transmitir un aire de stripper, de ahí su título. La letra cuenta la historia de un hombre que salva a una mujer de las fauces de un monstruo, pero que luego es seducido por ella, a quien el letrista sabe que es un demonio, atrayéndolo hacia un destino incierto. La canción fue interpretada con frecuencia en las giras de la banda en 1978 y 1980. Phil solía indicar al público cuándo animar y cuándo abuchear, según los personajes y acciones de la historia. Daryl Stuermer cerraba con un solo de guitarra extendido.
Genesis decidió cerrar el álbum con una “nota más ligera” para contrastar con las canciones más intensas, así que pusieron “Follow You Follow Me” al final. Fue la única pista escrita durante los ensayos y pasó por varias versiones antes de que el grupo optara por un arreglo de tres minutos. Aunque Hentschel no estaba convencido de la canción, preparó una mezcla inicial y la presentó a Atlantic Records, que la vio como un posible éxito. Finalmente se remezcló e incluyó en el álbum. Las letras, escritas por Rutherford e inspiradas en su esposa, fueron las más fáciles que había hecho, tomando apenas “unos diez minutos” en escribirlas.
Lanzamiento
El álbum salió en el Reino Unido el 31 de marzo de 1978 con Charisma y en Estados Unidos el 28 de marzo con Atlantic Records. Se publicó con una carpeta desplegable. Alcanzó el puesto número 3 en la lista de álbumes del Reino Unido, donde permaneció 32 semanas, y el número 14 en el US Billboard 200. Continuó vendiéndose bien y obtuvo el disco de oro de la Recording Industry Association of America el 31 de mayo de 1978 por 500.000 copias vendidas en EE. UU., y el de platino el 11 de febrero de 1988 por un millón de copias. Este trabajo marcó un avance comercial para Genesis, ya que atrajo a audiencias lo bastante grandes como para que las giras generaran beneficios, algo que hasta entonces siempre había dado pérdidas.
Pantallazo de la lista británica
Genesis lanzó dos sencillos extraídos del álbum. El sencillo principal, "Follow You Follow Me", se convirtió en su mayor éxito desde su formación, alcanzando el número 7 en el Reino Unido. Su éxito presentó a la banda a un nuevo público, incluyendo un interés femenino más amplio, ayudado por la emisión de su videoclip en Top of the Pops. Su éxito llevó a algunos fans a acusar al grupo de venderse a música más comercial.
Recibió críticas mixtas de la época debido a que el álbum solo contenía canciones cortas, lo que entusiasmó a nuevos fans pero desilusionó a quienes ya estaban acostumbrados al trabajo previo de la banda.
En una reseña de abril de 1978 para Melody Maker, Chris Welch describió el álbum como“fuerte y seguro”, afirmando que es “tan bueno como cualquiera que hayan hecho tras la salida de Gabriel”. Destacó que las canciones tienen “un sentido de propósito” y “un sonido notablemente potente”, eligiendo “Ballad of Big” como su favorita.
The Town Talk elogió al grupo por llenar con confianza el vacío que dejó Hackett, señalando “Down and Out” como prueba de su supervivencia. El resto del disco fue descrito como “un tapiz de paisajes imaginarios poblados de héroes míticos en lucha, que Génesis ha aprendido a retratar tan bien”.
Gary Mullinax, en The Morning News, opinó que el álbum sonaba muy parecido a Wind & Wuthering, destacando el predominio de los teclados de Banks sobre las guitarras de Rutherford, con “la misma música onírica de muro de sonido y las mismas voces agudas” de Collins. Concluyó que Genesis brilla en ciertos momentos, pero que muchas canciones no progresan, “mezclándose unas con otras como una especie de musak moderno”.
Charley Walters, en Circus, señaló que, pese a las salidas de Gabriel y Hackett, la banda no ha perdido “ni dirección ni calidad”. Consideró que el álbum combina temas “duros, casi ominosos” como “Down and Out” con otros “suaves y melódicos” como “Say It’s Alright Joe”, creando “un sonido mágico y místico” que los distingue de otros grupos europeos de art-rock, en su mayoría inferiores. Elogió a Banks por sus arreglos “ricos” y al trabajo de guitarra sutil de Rutherford, “más sentido que escuchado”, especialmente en “Burning Rope”. No obstante, criticó que la voz de Collins carece de amplitud o momentos memorables, aunque como batería sigue siendo melódico.
The Globe and Mail comentó que “las canciones siguen sonando como Tennyson hecho música, pero todo está realizado con precisión y no hay un solo sonido que no sea hermoso, denso, ornamentado y muy exuberante”.
Otros críticos fueron aún más duros con el álbum, entre ellos Jon Pareles y Robert Christgau de Village Voice, quien comentó que “sin el guitarrista principal Steve Hackett, la banda pierde su último punto focal; el resto es puro relleno. De ahí un sonido tan empalagoso como el temido Moody Blues, pero con menos justificaciones”.
En Crawdaddy, Michael Bloom opinó que los arreglos y el sonido de teclado de Banks eran flojos, comentando que las melodías tienden a “desaparecer” y “escaparse entre los dedos”. También dijo que la forma de tocar la guitarra solista de Rutherford era “torpemente insoportable” en comparación con Hackett, aunque reconoció que sigue siendo un “bajista poco común” y que su manera de tocar la guitarra de 12 cuerdas le recordó al crítico el álbum Trespass (1970) y esa etapa de la banda. Bloom señaló “The Lady Lies” como la mejor aportación de Banks en lo musical y lo lírico, comparándola con “One For The Vine” de Wind & Wuthering, y también resaltó “Deep In The Motherlode” como un tema sólido, pero consideró que el canto de Collins era “uniformemente insípido” y concluyó que el disco es “menos que una decepción, una frustración interminable”. En su reseña para Rolling Stone, arremetió contra el álbum de Hackett de aquel entonces, Please Don't Touch!, aunque también señaló que su antigua banda corrió con peor suerte, concluyendo que “esta obra despreciable es apenas la sombra más pálida de los logros pasados del grupo.”
Las críticas retrospectivas también han sido variadas. En The Rolling Stone Album Guide, J. D. Considine lo describió como “un verdadero avance pop” que “refina la interpretación para reducir el brillo vacío y la energía desperdiciada”, mientras que MusicHound Rock (1996) señaló que “llevó a Genesis a la radio con ‘Follow You, Follow Me’, pero carecía de la fuerza compositiva y los arreglos ambiciosos de sus trabajos anteriores”.
Mike Rutherford - bajos, guitarras, sintetizadores de guitarra ARP Avatar y Roland GR-500
Prospecto inicialmente incluido
Opinión personal
Genesis fue de las pocas bandas de rock progresivo que supo dar el salto a temas más cortos y comerciales sin perder relevancia, e incluso ganó nuevos seguidores. Follow You, Follow Me es, sin duda, una melodía pegadiza y una hermosa canción romántica que cautivó al público femenino. Creo que incluso abrió el camino para que Phil Collins iniciara su carrera en solitario, dejando atrás su segunda banda, Brand X. El secreto del éxito estuvo en mantener su esencia mientras acortaban las composiciones. Además, Rutherford no intentó imitar a Hackett, sino que apostó por un estilo propio que luego triunfaría con Mike and the Mechanics. Personalmente, siempre prefiero el original a la copia. Aunque algunos fans de la etapa más progresiva de Genesis no recibieron bien el álbum, contiene piezas que conectan con esa época y que son mis favoritas: Deep in the Motherlode, Burning Rope, Say It's Alright Joe y Undertow.
Reediciones
Fue reeditado por primera vez en CD en Europa en 1983 con Charisma.
En 1994, Virgin lanzó en Europa y Atlantic en Estados Unidos y Canadá una versión digitalmente remasterizada en CD.
El 2 de abril de 2007 se lanzó un set doble SACD/DVD con nuevas mezclas en 5.1 y estéreo. En Estados Unidos y Canadá, se incluyó dentro del box set Genesis 1976–1982, que contiene el álbum remezclado en estéreo y sonido envolvente, junto con pistas de vídeo relacionadas. La única canción que no se remezcló fue "Say It's Alright Joe", ya que la banda no pudo encontrar las grabaciones multipista.
En 2007 se publicó en ficheros WAV y AAC y en 2008 en ficheros MP3.
En 2015 se publicó remasterizado en vinilo de 180g en Estados Unidos y en 2016 en Europa.
En 2024 se publicó una edición limitada en vinilo en Estados Unidos.
