Este artículo está dedicado al álbum Love's In You, Love's In Me de Giorgio Moroder con Chris Bennett publicado en 1978.
Giovanni Giorgio Moroder, nacido el 26 de abril de 1940) es un compositor, compositor y productor de discos italiano. Apodado el "Padre de la Disco", Moroder se le atribuye ser pionera en el euro disco y la música electrónica de baile. Su trabajo con sintetizadores tuvo una gran influencia en varios géneros musicales como Hi-NRG, Italo disco, new wave, house y techno.
En Munich en la década de 1970, Moroder fundó su propio sello discográfico llamado Oasis Records, que varios años más tarde se convirtió en una subdivisión de Casablanca Records. Es el fundador de los antiguos Musicland Studios en Munich, un estudio de grabación utilizado por muchos artistas, incluidos The Rolling Stones, Electric Light Orchestra, Led Zeppelin, Deep Purple, Queen y Elton John. Produjo sencillos para Donna Summer durante la era disco de mediados a finales de la década de 1970, incluyendo "Love to Love You Baby", "I Feel Love","Last Dance", "MacArthur Park", "Hot Stuff", "Bad Girls", "Dim All the Lights", "No More Tears (Enough Is Enough)", y"On the Radio". Durante este período , también lanzó muchos álbumes, incluido el álbum con sintetizador From Here To Eternity (1977) y E = MC2 (1979), el primer álbum en ser grabado completamente digitalmente.
Comenzó a componer bandas sonoras de películas, incluidas Midnight Express, American Gigolo, Superman III, Scarface, The NeverEnding Story y la restauración de 1984 de Metropolis. La banda sonora de la película Midnight Express (1978), que contenía el éxito internacional "Chase", ganó un Oscar y un Globo de Oro. También produjo varias canciones disco electrónicas para Three Degrees, dos álbumes para Sparks y un puñado de canciones en el álbum Bitterblue de Bonnie Tylerasí como su single de 1985"Here She Comes". En 1990, compuso "Un'estate italiana", el tema principal de la Copa Mundial de la FIFA 1990.
Moroderha escrito canciones para muchos artistas, incluidos David Bowie, Kylie Minogue, Irene Cara, Janet Jackson, Madleen Kane, Melissa Manchester, Blondie, Japon y France Joli. Moroder ha declarado que el trabajo del que está más orgulloso es "Take My Breath Away" de Berlín, que le valió dos Globos de Oro (por Mejor Banda Sonora y Mejor Canción Original) y el Premio de la Academia por Mejor Canción Original en 1986; había ganado los mismos premios en 1983 por "Flashdance ... What a Feeling". Además de los tres premios de la Academia y los cuatroGlobos de Oro, Moroder también ha recibido cuatro premios Grammy, dos premios People's Choice Awards y más de 100 discos de oro y platino. En 2004, fue incluido en el Salón de la Fama de la Música Dance.
En diciembre de 1969 lanza el sencillo Moody Trudy con el sello Hansa con el nombre artístico Giorgio. En un anterior artículo revisamos dicho sencillo: 1969: Trudy malhumorada
La canción Moody Trudy sería incluida en su segundo álbum titulado simplemente Giorgio. que ya comentamos en un anterior artículo: 1970: Segundo álbum de Giorgio Moroder
En 1969 Giorgio publicó en Italia dos sencillosbajo el seudónimo de George con el sello Miura quizás con el objeto de entrar en el mercado italiano. Los comentamos en el artículo en el que comentamos su segundo álbum.
En 1971 publicó tres sencillos que servirían de adelanto del que sería su tercer álbum. Dos de ellos los comentamos en un anterior artículo: 1971: Dos sencillos de Giorgio Moroder.
En 1973 publicó el sencillo The Future is Past, con el que Giorgio quiso repetir el éxito que Chicory Tip tuvo con la canción Son of My Father y de paso consolidarse como productor de éxitos para otros músicos.
Como adelanto del que sería su cuarto álbum a comienzos de 1973 publicó el sencillo Lonely Lovers Symphony con Phillips (6000 087) con el tema Crippled Words en la cara B. El que sería su cuarto álbum, Giorgio's Music estaba pensado para el mercado alemán. Contiene canciones en alemán, algunas versiones de canciones que han sido publicadas en inglés por Chicory Tip o por el propio Moroder en sencillos. En tal sentido los temas son fundamentalmente Schlager, es decir, música pop simple, optimista y a veces con letras sentimentales. El álbum se grabaría en Alemania en 1973.
Se observa en este álbum la generalización del uso de sintetizadores.
En 1973 Giorgio Moroder vuelve a colaborar con Michael Holm y lanzan un álbum conjunto bajo el seudónimo de Spinach titulado Spinach 1. En el álbum incluyen canciones de sus anteriores colaboraciones, por lo que es más un recopilatorio que otra cosa. Todas las publicaciones citadas de 1973 se comentaron en el artículo: 1973: Como Giorgio Moroder se encontró con Donna Summer
En un anterior artículo nos ocupamos de sus publicaciones durante los años 1974 y 1975, entre las que destaca el álbum Einzelgänger: 1975: El lobo solitario de Giorgio Moroder.
En 1978, Giorgio Moroder tenía entre manos hacer la banda sonora para una película que tenía pinta de que iba a ser un éxito. Esa película era Midnight Express (El expreso de medianoche) que sería dirigida por Alan Parker, director afamado por películas como Fame, Pink Floyd - The Wall o Evita.
Para ese proyecto reclutó al tecladista Harold Faltermeyer y a la cantante Chris Bennett, ambos por aquel entonces desconocidos para el gran público.
Chris Bennett
Bennett nació en Marshall, Illinois el 2 de agosto de 1948. Se graduó en la Universidad de Illinois. Además de cantar, es pianista, compositora y productora. Le gusta cantar sobre todo jazz.
Chris Bennett
Bennett cantaría también en el segundo álbum del proyecto paralelo de Moroder, Munich Machine, que se titularía A Whiter Shade Of Pale y se publicaría en 1978.
Harold Faltermeyer
Hans Hugo Harold Faltermeyer (nacido el 5 de octubre de 1952) es un músico, compositor y productor discográfico alemán.
Faltermeyer es conocido principalmente por componer el tema de "Axel F" para la película Beverly Hills Cop (Superdetective en Hollywood), un influyente éxito de synth-pop en los años 80.
También compuso el "Top Gun Anthem" para la película Top Gun, junto con su banda sonora. Los proyectos de Beverly Hills Cop y Top Gun le valieron dos premios Grammy: el primero en 1986 al Mejor Álbum de banda sonora original escrita para una película o especial de televisión, como coautor de la banda sonora de Beverly Hills Cop; y la segunda en 1987 a la Mejor Interpretación Instrumental Pop con el guitarrista Steve Stevens por "Top Gun Anthem".
Faltermeyer nació en Múnich, Baviera, hijo de Anneliese (de soltera Schmidt), ama de casa, y Hugo Faltermeier, empresario de la construcción. Animado por sus padres (propietarios de una empresa de ingeniería civil), comenzó a tocar el piano a los seis años. A los 11 años, un profesor de música de Núremberg descubrió que Faltermeyer tenía afinación absoluta. Su infancia combinó formación en música clásica con un creciente interés por el rock 'n' roll. Tocó el órgano en un grupo de rock y estudió trompeta y piano en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Múnich. Mientras aún estudiaba, encontró trabajo en un estudio de grabación. En tres años ya estaba dirigiendo sesiones clásicas importantes para el prestigioso sello Deutsche Grammophon. Luego, en 1978, Giorgio Moroder reconoció su talento y lo llevó a Los Ángeles para tocar los teclados y arreglar la banda sonora de la película Expreso de medianoche. Moroder y Faltermeyer continuaron su colaboración en la siguiente década, produciendo álbumes de Donna Summer y varios éxitos para distintos artistas. Pronto Faltermeyer se ganó una reputación internacional tanto por su precisión como por su creatividad pionera en el uso de la tecnología de sintetizadores.
Grabación del álbum
Aprovechando que estaban preparando la banda sonora, decidieron lanzar un álbum aparte con algunos de los temas. El álbum se titularía Love's In You, Love's In Me y sería acreditado a Giorgio And Chris.
El álbum sería grabado tanto en el estudio de Moroder en Munich, Musicald, como en los estudios Westlake de Santa Mónica, California con el ingeniero Juergen Koppers. La producción fue de Giorgio Moroder y Pete Bellotte. En los coros repitieron Betsy Allen, Gitta MacKay y Lucy O'Neale.
Gitta MacKay
Esta vez Moroder no toca el solo los teclados sino que los comparte con Faltermeyer. Los sintetizadores fueron programados por Robby Wedel.
También esta vez añade a los sintetizadores otros instrumentos convencionales tocados por los músicos Bob Esty, Geoff Bastow, Keith Forsey, Les Hurdle y Thor Baldursson.
Robby Wedel
Lanzamiento
El álbum fue lanzado el 23 de junio de 1978 con Casablanca (NBLP 7104) en los Estados Unidos.
El sello Casablanca (nombre en homenaje a la película del mismo nombre) en 1977 se expandió a la producción cinematográfica fusionándose con Filmworks, Inc. (una pequeña compañía de producción cinematográfica encabezada por Peter Guber), renombrándose a sí misma como Casablanca Record And Filmworks, Inc. Casablanca coprodujo las películas The Deep, la ganadora del OscarMidnight Express (Giorgio Moroder ganó un Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original) y la película disco clásica de culto que coprodujeron con MotownThank God It's Friday con Columbia Pictures. De todas maneras, el sello Casablanca fue más famoso por sus éxitos en la música disco empezando por Donna Summer que estaba producida por el propio Giorgio Moroder.
Logo de Casablanca
La dirección artística fue de Henry Vizcarra y Gribbitt! y las fotografías eran de Harry Langdon y Scott Hensel.
Henry Vizcarra
Además fue publicado en el Reino Unido, Francia, Italia, Alemania, Austria, Portugal, Canadá, Australia, Filipinas, Hong Kong, Sudáfrica, España, Grecia, Turquía, Brasil, México, Bolivia, Jamaica y Argentina.
Se extrajeron dos sencillos: "Love's In You (Love's In Me) / I Can't Wait" y "Love Now, Hurt Later / Let This Night Go On For Days" que fueron publicados ese mismo año.
Hay ediciones en CD no oficiales de dudosa calidad.
Opinión personal
En el álbum hay dos tipos de temas: algunos son discos clásicos y otros tienen un marcado predominio de la electrónica, especialmente los de la cara dos, que son mis favoritos. El álbum busca promocionar a otra artista, como en su momento hizo con Donna Summer, aunque sin alcanzar el mismo éxito. Lo más destacado es el inicio de la colaboración con Harold Faltermeyer, que impulsará la carrera de este último.
William Emanuel Cobham Jr. (nacido el 16 de mayo de 1944) es un baterista de jazz panameño-estadounidense que saltó a la fama a finales de la década de 1960 y principios de la década de 1970 con el trompetista Miles Davis y luego con la Mahavishnu Orchestra.
Fue incluido en el Salón de la Fama del Baterista Moderno en 1987 y en el Salón de la Fama del Baterista Clásico en 2013. El biógrafo de AllMusic, Steve Huey, dijo:
Generalmente aclamado como el mejor baterista de la fusión, la técnica explosiva de Billy Cobham impulsó algunas de las primeras grabaciones más importantes del género, incluidos los esfuerzos innovadores de Miles Davis y la Orquesta Mahavishnu, antes de convertirse en un líder de banda consumado por derecho propio. En su mejor momento, Cobham aprovechó su increíble destreza en híbridos atronadores y de alto octanaje de complejidad de jazz y agresión de rock & roll.
Steve Huey
La influencia de Cobham se extendió mucho más allá del jazz, incluso en contemporáneos del rock progresivo como Bill Bruford de King Crimson y Danny Carey de Tool. Prince y Jeff Beck tocaron una versión de Stratus de Cobham en concierto. Phil Collins, quien nombró a The Inner Mounting Flame de Mahavishnu Orchestra como una influencia clave en su estilo temprano, dijo: "Billy Cobham tocó algunos de los mejores tambores que he escuchado en ese disco".
En 1977, Cobham se cambió al sello CBS. Publicaría cinco álbumes con ese sello. Comentó sobre ello: Todo lo que intento hacer es tender un puente entre mi valor esotérico y mis valores comerciales. Soy esotérico y siempre lo seré, ¡pero siempre me ha gustado el dinero!
Lo cierto es que cada vez su música se volvía más suave y comercial.
Billy Cobham
La grabación del álbum
La grabación del álbum reunió a una gran formación que contribuyó a enriquecer su sonido:
George Duke acreditado como "Dawilli Gonga" a los teclados. Con él había participado en una gira por Europa de la que ya rendimos cuenta en el artículo 1976: Billy Cobham y George Duke de gira por Europa.
El guitarrista John Scofield, habitual de la banda de Cobham que había participado en la gira citada.
El guitarrista Steve Khan, habitual en álbumes de jazz fusión.
El bajista Alphonso Johnson que ya había colaborado tanto con Cobham que con Duke y también había participado en la citada gira.
La percusionista Ruth Underwood que había pertenecido a The Mothers de Frank Zappa junto a su esposo Ian Underwood.
Los percusionistas Pete y Sheila Escovedo, padre e hija, representantes del jazz latino, que ya habían colaborado con Cobham.
Los Brecker Brothers, el dúo musical formado por Michael (saxofón y EWI) y Randy Brecker (trompeta, fliscorno).
John Scofield
El álbum fue grabado en los estudios CBS de San Francisco con el ingeniero Roy Segal. El álbum fue producido por Cobham.
Roy Segal
El álbum se caracteriza por su estilo de fusión jazz-rock, incorporando elementos de funk y música latina. Presenta una mezcla de instrumentación en directo y batería programada, mostrando la versatilidad de Cobham como batería y compositor.
La canción que da título al álbum, "Inner Conflicts", dura 10:49 y destaca por su enfoque experimental, mezclando batería, sintetizadores y diversos efectos.
Otras canciones destacadas incluyen "The Muffin Talks Back", que combina ritmos funky con un aire latino-disco, y "Arroyo", reconocida como una de las composiciones memorables de Cobham que definen su estilo.
Lanzamiento del álbum
El álbum Inner Conflicts fue lanzado en junio de 1978 con Atlantic en los Estados Unidos. Sería el último álbum con dicho sello. La dirección artística fue de Bob Defrin con un diseño de la portada de Lynn Dreese Breslin y fotografía de David Gahr.
Bob Defrin
El álbum alcanzó el puesto 172 en la lista Billboard 200 en los Estados Unidos.
"Inner Conflicts" destaca como una entrada significativa en la discografía de Billy Cobham, demostrando su capacidad para mezclar diversos estilos musicales mientras explora temas más profundos. El álbum sigue siendo un testimonio de su influencia en el género jazz fusión y sigue resonando tanto con fans como con músicos.
Billy Cobham - batería, percusión, sintetizador y programación, productor
con:
Steve Kahn / guitarra (2,4)
John Scofield / guitarra (3,5)
John Bowen / programación de sintetizadores (1)
Don Grolnick / teclados (2,4)
George Duke ("Dawilli Gonga") / teclados (3,5)
Ernie Watts / viento madera (3)
Michael Brecker / vientos madera (3)
Julian Priester / trombón (3,4)
Jimmy Owens / trompeta y fliscorno (3)
Randy Brecker / trompeta (3)
Alfonso Johnson / bajo eléctrico (2,4)
John Williams / bajo eléctrico (3), bajo acústico (5)
Pete Escovedo / timbales y percusión latina (2,4)
Sheila Escovedo / congas y percusión latina (2,4)
Jose Najeira / Percusión latina (2,4)
Ruth Underwood / xilófono y marimba (3)
Alphonso Johnson
Recepción
Los críticos han descrito "Inner Conflicts" como una obra sólida que refleja el lado introspectivo de Cobham, en contraste con sus trabajos anteriores más enérgicos. El álbum ha sido comparado con otros álbumes aclamados suyos, como "Simplicity of Expression: Depth of Thought" y "B.C.".
Robert Taylor en su revisión para AllMusic comentó:
Esta grabación muestra a Cobham siguiendo su exploración del género funk, aunque con un ambiente más oscuro e introspectivo, parecido al de Crosswinds. "Inner Conflicts" es un tema inquietante que refleja su experimentación con percusión electrónica y sintetizadores. "Nickles and Dimes" recuerda a sus primeros trabajos, mientras que "El Barrio" está marcado por una fuerte influencia de ritmos africanos. Destaca la participación de Sheila E., antigua colaboradora de Prince, junto a su padre Pete. El cierre, "Arroyo", es otra de las composiciones memorables que Cobham sigue interpretando.
Jason Ankeny
Opinión personal
Eran tiempos difíciles para el rock progresivo y el jazz fusión. Para mantenerse vigente, Cobham se trasladó a CBS y creó una música más suave y comercial. El resultado es una mezcla de jazz fusión, funk ligero, jazz latino y pop-jazz. Sorprendentemente, es uno de sus mejores álbumes, que demuestra a Cobham como un gran compositor, acompañado por músicos excepcionales. Se atreve a experimentar con la electrónica en el tema que da nombre al álbum, mi favorito. También destaca “Nickels and Dimes” con unos arreglos magníficos.
Reediciones
Fue publicado por primera vez remasterizado en CD en Estados Unidos en 2000.
En 2014 fue publicado remasterizado en CD en Japón en edición limitada.
En este artículo traemos el álbum Octave de Moody Blues publicado en 1978.
En 1972, durante los trabajos de preparación del álbum que iba a seguir a Seventh Sojourn, los componentes de Moody Blues, Lodge, Mike Pinder, Ray Thomas y Graeme Edge convocaron a Hayward y al productor Tony Clarke a una reunión para cancelar el proyecto. La tensa grabación deSeventh Sojourn y la posterior gira mundial habían dejado a la banda exhausta y las relaciones desgastadas. Pinder no era feliz en Inglaterra y estaba decidido a regresar a su hogar en California.
Portada del álbum Seventh Sojourn
La banda decide tomar un descanso que finalmente dura cinco años. Durante este lapso de tiempo sin reunión del grupo, Hayward y Lodge grabaron un álbum a dúo que tuvo mucho éxito, Blue Jays(1975), mientras que los demás miembros de la banda realizaron únicamente discos sencillos.
Portada del álbum Blue Jays
En 1975Mike Pinder intentó reunir la banda pero no lo consiguió y volvió a América donde grabó el álbum The Promise.
En 1977, el grupo tomó la decisión de grabar juntos de nuevo alentados por la compañía discográfica Decca. Con el objetivo de renovar el interés por los Moody Blues antes de su esperado nuevo álbum, Decca publicó un doble álbum titulado Caught Live + 5, compuesto por grabaciones antiguas, el 30 de abril 1977 en el Reino Unido y mayo de 1977 en Estados Unidos.
El nuevo álbum supuso una especie de regreso para el grupo, que no había publicado un álbum completo en seis años. Justin Hayward recuerda:
Estuvimos separados durante tres años y sabíamos que íbamos a grabar otro álbum juntos, pero, en entrevistas, ninguno de nosotros lo diría hasta que realmente lo hiciéramos. Nunca pensamos que podríamos volver de la misma manera. Pensábamos que habíamos estado fuera demasiado tiempo, así que realmente estábamos haciendo un disco para nosotros mismos. Pero luego volvió a despegar—es como si lo que la gente no pudiera tener, quería aún más".
Justin Hayward
Para entonces, el teclista Mike Pinder ya se había vuelto a casar y había formado una familia en California, así que para grabar el álbum, la banda se mudó a Estados Unidos junto al productor Tony Clarke. Las sesiones estuvieron llenas de tensión y división: primero un incendio afectó los estudios que usaban, luego, al trasladarse rápidamente al estudio casero de Pinder, un desprendimiento causado por lluvias torrenciales los dejó casi incomunicados, lo que inevitablemente incrementó las tensiones. Como resultado Pinder dejó la banda antes de que se completaran las sesiones y rechazó una invitación para hacer una gira con el grupo. Sería el último álbum en el que participaría Pinder. Su decisión generó tensiones en la banda, especialmente con Graeme Edge. Según Ray Thomas, Pinder al principio estaba dispuesto a salir de gira, pero su negativa a participar, justo cuando ya había una gran gira de regreso planeada, fue un duro golpe para todos. La dirección trató de minimizar su ausencia, incluso en una importante fiesta de prensa musical en el Reino Unido organizada por Decca, donde el principal directivo, durante un discurso de “bienvenida de vuelta”, mencionó abiertamente que “Mike Pinder está actualmente ausente por vivir en Estados Unidos”, lo que incomodó a la banda.
Hayward recuerda:
Dejó la banda a mitad del álbum y, cuando quisimos salir de gira, decidió que tampoco quería continuar. Salvo por algunas cartas de negocios, no hemos tenido mucho contacto. Creo que simplemente sus prioridades cambiaron, mientras que las mías —y las de los demás— siempre fueron la música, en primer lugar. Aún le echo mucho de menos, porque cuando entré en la banda, nuestro canto y composición fueron lo que realmente nos impulsó; empezamos juntos."
Justin Hayward
Clarke también tuvo que marcharse por motivos personales antes de que el álbum estuviera completo. También sería el último álbum de estudio de la banda producido por Clarke. Hayward reflexionó sobre el papel creativo de Pinder en la banda y cómo su marcha y la de Clarke supuso un cambio estilístico para el grupo:
Varias cosas cambiaron. Dos de los místicos se fueron: Mike Pinder y Tony Clarke. Ellos eran los raros, ¡el resto éramos bastante normales! La salida de Mike supuso un cambio en el enfoque de las letras, porque siempre le mostraba cosas a Mike y buscaba su aprobación. Fue un héroe para mí, no puedo evitarlo, y durante mucho tiempo fue la figura más importante de la banda. Él sabía que yo era quien lo lograría, pero siempre estuvo detrás de mí para que sucediera."
Justin Hayward
Pinder sería reemplazado por el exteclista de Yes, Patrick Moraz, a tiempo para su gira de 1978-1979, marcando el inicio de una nueva era en la historia de la banda.
Patrick Moraz en 1978
Octave fue visto como un cambio respecto a los álbumes anteriores de Moody Blues, sobre todo por el uso de órganos y sintetizadores en lugar de un Mellotron o Chamberlin. De hecho, la canción de Mike Pinder "One Step Into the Light" hace una referencia directa al Mellotron.
Mellotron Mk VI
Se usaron cuerdas reales en tres canciones: "Under Moonshine" y "I'm Your Man" (ambas escritas por Ray Thomas), así como en "Survival" (escrita por John Lodge).
Composición
El single principal y tema de apertura, "Steppin' in a Slide Zone", estuvo inspirado por un deslizamiento de tierra que tuvo lugar durante las sesiones de grabación. Lodge recuerda:
Mike construyó un estudio en Malibú llamado Indigo Ranch. Fuimos allí y nos sorprendieron unos deslizamientos de tierra que nos dejaron varados en lo alto de las colinas. No pudimos bajar porque las carreteras habían desaparecido, y yo comenté: "Ah, sí, parece que estamos sobre una zona de deslizamiento".
John Lodge
Indigo Ranch
Justin Hayward expresó en una entrevista de 2019 su cariño por "One Step into the Light" de Mike Pinder:
Era una canción que Mike había escrito años antes y que grabaron en su pequeño estudio casero. No puedo escucharla porque me emociona profundamente. La considero una de las canciones más bonitas de la historia. Me hizo unos regalos estupendos, y uno de ellos fue poder tocar esa canción. Y entonces se fue. Personalmente, las cosas no estaban bien para él dentro de la banda. Así que fue entonces cuando nos convertimos en cuatro en vez de cinco. En algún momento están esas dos guitarras antiguas — porque él también era guitarrista — que tocamos juntos en la versión original. Y creo que su voz también está en la versión original. Recuerdo que el óxido se estaba cayendo de esa cinta, la habían puesto tantas veces."
Justin Hayward
Hayward comentó sobre la inspiración para la canción final, "The Day We Meet Again":
Esa canción en particular trataba sobre personas de mi familia — vengo de una familia con una fe muy fuerte, así que eso también está en mi historia. Y vengo de una parte de Inglaterra llena de historia — el oeste del país. Es una parte muy evocadora de Inglaterra. Trata sobre personas a las que amé y su pérdida. Hablo de hombres y mujeres. En la vida veo que no importa. Si conoces a alguien y algo dentro de ti te dice: 'Mantente cerca de esta persona. Mantente cerca de ellos', siempre me esfuerzo por eso. Esas son las personas sobre las que escribo. Y están en esa canción. en la Record Plant de Los Ángeles donde la grabamos... había un pequeño órgano Farfisa muy divertido. Una noche, le pedí al ingeniero que lo pusiera. Empecé a tocar ese [canta el groove de órgano], y entonces pensé: 'Espera, puedo hacer este rollo de tres acordes durante toda la canción, en este tipo de sincopación en particular'. Eso es lo que más me gusta."
Justin Hayward
Grabación
El álbum fue grabado entre octubre de 1977 y abril de 1978. El álbum resultó ser un reto de producir, siendo el primero grabado en Estados Unidos, entre el Record Plant de Los Ángeles y el Indigo Ranch de Malibu. Las sesiones estuvieron marcadas por problemas matrimoniales entre los miembros del grupo, incendios, inundaciones, deslizamientos de tierra y un brazo roto. Justin Hayward recuerda:
Al final todo estaba muy loco. Había una gran apatía alrededor de ese álbum. Tony Clarke, nuestro productor, atravesó un desastre personal durante su realización y no lo terminó. Mike no sabía si quería quedarse o no, y yo le echaba muchísimo de menos. Él tocó gran parte de los teclados en el disco. Era una época en la que nadie mostraba interés por las canciones de los demás. Es raro estar en una banda así."
Justin Hayward
Estudios Record Plant de Los Angeles (California)
John Lodge explica las dificultades:
Cuando grabamos lo que sería el álbum Octave, nunca estuve del todo seguro de que fuera el momento adecuado. Además, era la primera vez que grabábamos fuera del Reino Unido, en Estados Unidos. Durante las sesiones, muchas cosas salieron mal: empezando por trabajar en la Record Plant, que se incendió mientras estábamos allí; me rompí el brazo y tuve que seguir grabando el bajo con él inmovilizado; la vida personal dentro de la banda, entre chicos y esposas, empezó a desmoronarse; y nuestro productor desapareció a mitad del proceso, dejando a Justin y a mí a cargo de la producción. Después nos mudamos a Indigo Ranch en Malibú, donde nos sorprendieron las peores inundaciones registradas: la montaña cedió y quedamos atrapados en el estudio durante días. Steppin’ In the Slide Zone siempre me recordó todo lo que salió mal, o quizás la sensación de luchar contra la marea. Aun así, fue un gran disco, fruto de un trabajo muy duro y una valiosa experiencia de aprendizaje para todos.".
John Lodge
Graeme Edge comentó sobre cómo mejoró la dinámica dentro de la banda durante las sesiones, a pesar de la salida de Pinder y Clarke y de las dificultades que el grupo enfrentó durante la grabación:
Hacer tus propios solos te hace ver cuánto trabajo implica realmente crear un álbum que otros estaban versionando y al que quizá no estabas prestando tanta atención. Así que, cuando volvimos a reunirnos, nos respetábamos mucho más."
Justin Hayward
Lanzamiento
El álbum fue lanzado el 9 de junio de 1978 en el Reino Unido donde alcanzó el 6 puesto en la lista de álbumes permaneciendo 18 semanas en lista. Fue certificado oro por más de 100.000 álbumes vendidos.
Pantallazo de la lista británica
En Estados Unidos alcanzó el puesto 13 en la lista Billboard 200. Fue certificado platino por ventas de más de 1.000.000 de álbumes.
El álbum original se lanzó en vinilo azul transparente en Canadá.
Vinilo publicado en Canadá
Entre otros países, en Canadá alcanzó el noveno puesto, en Países Bajos el séptimo y en Alemania el 15.
El álbum fue publicado originalmente con una carpeta desplegable.
Interior de la carpeta
La portada fue diseñada por el artista John Kosh, famoso por su trabajo con The Beatles, The Rolling Stones y The Who, entre otros.
Mike Pinder - voz, órgano, sintetizador, Mellotron, piano, piano eléctrico, guitarra acústica
Ray Thomas - voz, flauta, armónica, pandereta
Graeme Edge - voz, batería, percusión
Personal adicional
Garry Ladinsky, Chris Brunt, Richard Kaplan, Pete Carlsen, Dennis Hansen – ingenieros de sonido
R. A. Martin – metales, saxofones y arreglos en "Top Rank Suite" y "Driftwood"
Dr. Terry James – cuerdas, arreglo y director en "Under Moonshine" y "I'm Your Man"
Jimmy Haskell – arreglo de cuerdas y director en "Survival"
Richard Roth – coordinación de portada
David Alexander – fotografía
Recepción
Bruce Eder comentó para AllMusic: ... Retomando donde lo dejó en Seventh Sojourn, el bajista y cantante John Lodge generó un éxito (y también una sólida apertura de álbum) con el sorprendentemente atrevido (para esta banda) "Steppin' in a Slide Zone." Y "Had to Fall in Love", "Driftwood" y "The Day We Meet Again" de Justin Hayward —este último su mejor cierre de álbum desde "Watching and Waiting"— también están a la altura del nivel que uno desearía.
Stephen Holden comentó para Rolling Stone: Aunque hay una sinceridad conmovedora en la personalidad colectiva de este quinteto como hippies envejecidos y sin estigma que siguen buscando finales felices y esencias finales, la sinceridad no sustituye a las ideas... Aunque Octave afirma dos canciones aceptables —"Had to Fall in Love" y "Driftwood", ambas de Justin Hayward— ninguna se acerca a la memorabilidad de "Nights in White Satin" y "Question".
El sencillo Steppin' in a Slide Zone
El 27 de mayo de 1978 se publicó el primer sencillo extraído del álbum en el Reino Unido con los temas Steppin' in a Slide Zone / I'll Be Level With You. No llegó a las listas.
En Estados Unidos alcanzó el puesto 39 en el Billboard 100.
El 6 de octubre de 1978 se publicó en el Reino Unido el segundo sencillo extraído del álbum con el tema Driftwood en la cara A con I'm Your Man en la cara B. No llego a las listas.
Portada del sencillo en España
El disco permaneció siete semanas en las listas de Billboard de EE. UU. y alcanzó el puesto número 59.
Poco después de su lanzamiento, se grabó un vídeo promocional para "Driftwood". El vídeo cuenta con Patrick Moraz en los teclados, aunque Mike Pinder toca los teclados en la grabación real. La canción también incluye un saxofón alto tocado por el músico de sesión R.A. Martin, aunque en el vídeo se muestra a Ray Thomas tocando el saxofón alto.
Este es el álbum de despedida de Mike Pinder, quien dejó la banda antes de completarlo. Aun así, nos regaló el tema One Step Into The Light, una pieza melancólica en la que menciona su querido Mellotron. Los temas que más destacan del álbum son los de Justin Hayward: Had To Fall In Love, Driftwood y la que cierra el disco, The Day We Meet Again.
