En este artículo traigo el álbum 天界 (Ten Kai / Astral Trip), primer álbum en solitario del músico japonés Kitarō.
Masanori Takahashi (en japonés: 高橋正則; nacido el 4 de febrero de 1953 en Toyohashi, Prefectura de Aichi, Japón), más conocido como Kitarō (en japonés: 喜多郎), es un músico, compositor y multiinstrumentista japonés. Famoso por su música electrónica instrumental, es considerado uno de los artistas más destacados del género new age. En 2001 ganó el Premio Grammy al mejor álbum de new age por Thinking of You (1999), acumulando un impresionante récord de 16 nominaciones en la misma categoría.
Masanori Takahashi, budista practicante, nació en el seno de una familia de campesinos sintoístas y se graduó en la Toyohashi Commercial High School.
El nombre 'Kitaro' viene de el largo cabello que llevaba en el instituto, que recordaba al protagonista del manga 'GeGeGe no Kitaro', apodado también 'Kitaro'.
Mientras estaba en el instituto, inspirado por la música del R&B de Otis Redding, aprendió por su cuenta a tocar la guitarra. A este respecto él señala que nunca tuvo una educación musical y que sólo aprendió a confiar en sus oídos y en sus sentimientos. Atribuye sus creaciones a una fuerza que está más allá de él. "Esta música no proviene de mi mente," señala. "Es del cielo, pasa a través de mi cuerpo y sale por mis dedos convirtiéndose en una composición. A veces me maravillo. Nunca practico. No leo ni escribo música, pero mis dedos se mueven. Me pregunto, '¿De quién es esta canción?' Escribo mis temas pero no son mis temas".
Mientras estudiaba en el Toyohashi Commercial High School, formó junto a unos amigos el grupo Albatross. En esa época tocaban en fiestas y clubes temas de rhythm and blues y versiones de The Beatles. Empezó con la guitarra, pero luego pasó a los teclados. Justo antes de unas presentaciones, el baterista tuvo un accidente y Kitaro lo reemplazó. Poco después, el bajista sufrió una lesión y tuvo que aprender también a tocar el bajo.
Después de graduarse, sus padres se opusieron al principio a que su hijo siguiera una carrera musical. Con la intención de guiarlo hacia lo que ellos consideraban correcto, le consiguieron un empleo en una empresa local. Sin decir nada, él decidió no presentarse al trabajo, hasta que logró convencerlos de que debía dedicarse a algo que realmente le apasionara. Sin embargo, se fue de su casa y se mantuvo haciendo trabajos de media jornada como cocinero y trabajos en la administración pública mientras componía sus temas por las noches.
Se mudó a Tokio para experimentar y sumergirse en la escena musical y comenzó a buscar bandas para tocar. Tocando los teclados descubrió el sintetizador. Su primero fue uno analógico, y recuerda que “simplemente amaba el sonido analógico que producía en comparación con el sonido digital actual”. A comienzos de los años 70, se dedicó por completo a los teclados.
The Far East Family Band
En 1973, Fumio Miyashita reformó su banda la cual pasó a llamarse The Far East Family Band. Excepto él, todos los demás eran nuevos componentes: Hirohito Fukushima (voces, guitarra), Akira Ito (teclados), Akira Fukakusa (bajo), Shizuo Takasaki (batería) y Masanori Takahashi"Kitaro" (teclados, percusión).
The Far East Family Band
The Cave Down To Earth
En 1974, The Far East Family Band produjo su primer LP, "The Cave" Down To Earth. Tiene un sonido espacial y ligeramente psicodélico y contiene elementos étnicos que le dan a la música un toque original. El álbum fue grabado entre marzo y mayo de 1975 en los estudios Nippon Columbia. Las letras fueron en inglés.
Portada del álbum The Cave
Nipponjin
Con el objeto de conseguir la proyección internacional de Far East Family Band, el manager y la banda se trasladaron a Hamburgo. El objetivo es hacer una nueva versión del álbum Nihonjin de Far Out con la inclusión de sintetizadores y pensaban encontrar en Alemania, cuna del krautrock, la ayuda necesaria. El álbum, para diferenciarlo se titularía Nipponjin, se iba a publicar con Polygram y en Hamburgo se encontraba la filial Metronome. Allí coincidieron con Klaus Schulze, que se encontraba de visita, lo que hacía habitualmente. Schulze le dio a Kitaro algunos consejos para el uso de sintetizadores.
Klaus Schulze
El álbum había sido grabado como el anterior, entre marzo y mayo de 1975 en los estudios Nippon Columbia, pero faltaba hacer la mezcla final. Tras la amable petición del manager de la banda, Schulzeaceptó la oferta de producir el álbum. Para ello se trasladó a Tokio en agosto de 1975.
Portada del álbum Nipponjin
Parallel World
Gracias a los buenos resultados obtenidos con el álbum Nipponjin, propusieron a Schulze la producción del siguiente álbum de FEFB. Esta vez intentarían hacer las cosas bien desde el principio y Schulze asistiría también a la grabación. O porque Schulze tenía otros compromisos y no podía desplazarse a Japón, o porque querían hacer la grabación en un mejor estudio, decidieron esta vez que se grabaría en Europa. Y como Schulze aún tenía contrato con Virgin, decidieron que se grabaría en el estudio de ellos, The Manor, donde se había grabado el Tubular Bellsde Mike Oldfield. También tenían la intención de que Virgin distribuyera el álbum fuera de Japón como había hecho con Schulze. Era ideal porque durante la grabación, los músicos se podían quedar a vivir en el propio estudio.
Tras la finalización del compromiso de Klaus Schulze, la banda decidió volver a la música que realizaba antes de los dos álbumes producidos por el alemán. Eso precipitó la marcha en 1976 de Kitaro, que dejó la banda para viajar por Asia (China, Laos, Tailandia, India). De vuelta en Japón, comenzó su carrera en solitario en 1977.
El que sería su primer álbum en solitario fue grabado entre noviembre de 1977 y febrero de 1978 en los Thunder Sound Studios de Tokyo y mezclado en marzo de 1978 en el Victor Studio, Tokyo. Actuaron como ingenieros Y. Kawanishi y el propio Kitaro. Fue producido por Takao Nanri.
Takao Nanri
Kitaro tocó todos los instrumentos excepto el shakuhachi y la biwa tocados por Ryusuke Seto y el sitar por Lavi.
Ryusuke Seto
Kitaro es una persona muy modesta y manifiesta un gran respeto por la naturaleza.
"La naturaleza me inspira. Yo sólo soy un mensajero. Para mí, algunos temas son como las nubes, otros son como el agua."
Kitaro
El resultado es un rock progresivo electrónico con influencias orientales que algunos han calificado de premonitorio del New Age.
Contenido del álbum
La pieza de apertura, By the Sea Side, es una contemplación electrónica pausada: un tejido titilante y burbujeante de sintetizadores que avanzan como olas somnolientas, alternando entre suavidad y rapidez. Soul of the Sea va despertando poco a poco, animada por percusión exótica, relajantes rasgueos acústicos y una fanfarria de sintetizadores con trinos orientales y motivos de sabor Moog.
Gruñidos Moog, electrónica zumbante y tensiones de sitar resuenan a lo largo del psicodélico Micro Cosmos, un tema que podría haber encajado sin esfuerzo en el Krautrock. El elegante Beat avanza con programación secuenciada y un sigilo que flota sobre atmósferas al estilo Klaus Schulze. El cierre de la primera cara, Fire, termina revelando poderosos y espaciales motivos de sintetizador, cercanos a Pink Floyd y Eloy, que se imponen entre la neblina de rasgueos de guitarra y tambores contundentes.
La segunda cara de Ten Kai funciona casi como una suite continua. Comienza con la mandolina soñadora de Mu, que filtra pulsos panorámicos y derivas contemplativas de aire delicadamente cósmico. Dawn of the Astral crece en presencia alrededor de tambores retumbantes; Endless Dreamy World sostiene una atmósfera flotante y expansiva; y Kaiso Organ aporta guitarra acústica serena y un alegre tarareo.
El suntuoso cierre del álbum, Astral Voyage (a veces mencionado como Astral Trip, título que también aparece en ciertas ediciones del propio disco), inicia como un vagabundeo tranquilo y discreto, impregnado de misterio oriental. En su segunda mitad asciende lentamente, evocando a los alemanes Eloy y a los momentos más serenos del Oxygene de Jean‑Michel Jarre.
Lanzamiento del álbum
La portada fue diseñada por el propio Kitaro. El álbum fue publicado en Japón en 1978.
También fue publicado en Alemania solamente con el título Ten Kai.
Dio su primer concierto sinfónico en el Small Hall de la Kosei Nenkin Kaikan en Shinjuku, Tokio. Durante este concierto Kitaro usó un sintetizador para recrear el sonido de 40 instrumentos diferentes, fue el primero en el mundo en hacerlo.
Fue publicado por primera vez en CD en 1984 en Japón con Invitation.
Fue publicado en edición club en Estados Unidos en 1985 en LP y casete con el título Astral Voyage y una portada diferente. Coincide con el momento que fue conocido internacionalmente gracias al auge de la música New Age y firmó un contrato con Geffen Records para la distribución de sus álbumes por todo el mundo.
Fue publicado remasterizado en edición limitada numerada en Hong Kong en 2014.
En 2020 se publicó en formato SACD en Japón.
Créditos:
- Kitaro / sintetizadores (Moog, Korg, ARP, Roland), bajo, guitarra acústica, koto, mandolina, batería y percusión, compositor y arreglista
Con:
- Ryosuke Seto / biwa, shakuhachi
- Lavi / sitar
Opinión personal
Aunque suele clasificarse dentro de la new age, Kitaro en aquella época venía de la Far East Family Band y estaba profundamente marcado por la influencia de Klaus Schulze. Por eso, para mí, este trabajo se acerca más a un rock progresivo electrónico con tintes cósmicos y psicodélicos. El álbum puede escucharse como una suite larga y continua, donde cada pieza fluye hacia la siguiente. Es un disco muy ecléctico en el que destacan los pasajes cósmicos de By the Seaside, Endless Dreamy World y Astral Trip; el toque floydiano de Fire; y mi favorita, la animada Dawn of the Astral. Kaisō, con su guitarra acústica, evoca claramente a Mike Oldfield. El conjunto se completa con Soul of the Sea, de aire oriental que remite a la Far East Family Band; el psicodélico Micro Cosmos; Beat, que suena a puro krautrock; y la ambiental y experimental Mu.
En este artículo traemos el álbum The Hall Of Floaters In The Sky de la banda húngara Omega publicado en 1975.
La formación clásica de Omega en 1976 (de izquierda a derecha: Ferenc Debreczeni, János Kóbor, László Benkő, Tamás Mihály, György Molnár)
Omega fue una banda de rock húngara formada en 1962, considerada la más exitosa en la historia del país. Lanzaron más de 20 álbumes en húngaro e inglés, y uno en alemán. Después de varios cambios de integrantes en sus inicios, su formación clásica se consolidó en 1971 y se mantuvo igual por más de cuarenta años. El vocalista János Kóbor estuvo presente de forma continua desde 1962 hasta su fallecimiento en 2021, mientras que el teclista y cantante László Benkő lo estuvo desde 1962 hasta su muerte en 2020. El guitarrista György Molnár y el bajista Tamás Mihály se unieron en 1967, y el baterista Ferenc Debreczeni en 1971. La banda recibió varios premios prestigiosos por sus aportes a la cultura húngara.
Anteriores artículos
En un anterior artículo comentamos el álbum homónimo de la banda húngara Omega cantado en inglés y publicado en 1973: 1973: Omega cantando en inglés.
Era común que las canciones que publicaban en inglés también las hicieran en húngaro. Sin embargo, en el álbum The Hall Of Floaters In The Sky se encuentra la única canción que no grabaron en húngaro: Never Feel Shame.
Del álbum Élő Omega (200 Évvel Az Utolsó Háború Után) de 1972 se incluyó el tema One Man's Land titulado en húngaro Hűtlen Barátok (Amigos infieles).
Los cuatro temas que se publicaron en húngaro ese mismo año en su álbum Nem Tudom A Neved, y que aún no habían sido incluidos en álbumes anteriores en inglés, lo hicieron en este.
La banda estaba ganando popularidad internacional y decidió que su próximo álbum debía sonar aún más inglés, así que se fue a grabarlo a Londres. Sin embargo, su pronunciación del idioma no era muy buena y resultaba difícil entender las letras.
El álbum The Hall Of Floaters In The Sky se grabó en los estudios Chipping Norton de Londres en 1975, con el ingeniero Barry Hammond, los efectos de sonido especiales de Fred Schreier y la producción de Peter Hauke. No se grabó en cuadrafónico como los anteriores álbumes.
Peter Hauke
Contaron con la orquestación de Christian Kolonovits.
Ilustraciones
La funda fue realizada por diseñador alemán Helmut Wenske con una ilustración de la portada de Klaus Holitzka. La portada no desmerece la aparecida en otras bandas británicas tales como Uriah Heep.
Helmut Wenske
Lanzamiento del álbum
El álbum The Hall Of Floaters In The Sky fue lanzado en 1975 en Alemania en LP con Bacillus Records y en el Reino Unido con Decca. También fue publicado en Yugoslavia, España y Países Bajos.
György Molnár / guitarras eléctricas, guitarras de 12 cuerdas y acústicas
László Benkő / órgano, piano de cola, Fender, Elka Rapsody, clavieta Hohner, Moog, coros
Tamás Mihály / bajo
Ferenc Debreceni / batería, percusión, campanas tubulares, coros
Reediciones
Fue publicado por primera vez en CD en 1993.
Volvió a ser publicado en LP y en ficheros WAV en 2023.
Opinión personal
En este álbum finalmente desarrollan por completo el sonido de rock progresivo sinfónico que los caracterizará en adelante. Se perciben claras influencias de bandas británicas como Yes o Genesis; por ejemplo, los teclados del tema que da título al álbum evocan a Yes. Por su parte, Never Feel Shame recuerda más a Pink Floyd, mientras que el cierre con 20th Century Town Dweller evoca a Uriah Heep, con excelentes solos de guitarra y, para mí, el mejor del disco. El único tema ajeno a este nuevo estilo es One Man Land, una versión de una canción de 1972, más dura y psicodélica. Además, Magician funciona como un tema de transición entre ambos estilos.
En este artículo lo dedicamos a David Bedford y el álbum The Odyssey que publicó en 1976.
David Bedford
David Vickerman Bedford (4 de agosto de 1937 – 1 de octubre de 2011) fue un compositor y músico inglés. Escribió e interpretó tanto música popular como clásica. Era hermano del director Steuart Bedford, nieto del compositor, pintor y autor Herbert Bedford y de la compositora Liza Lehmann y hijo de Leslie Bedford, inventor, y Lesley Duff, soprano cantante de ópera.
De 1969 a 1981, Bedford fue compositor residente en Queen's College de Londres. De 1968 a 1980, enseñó música en varios institutos de secundaria de Londres. En 1996 fue nombrado Compositor Asociado con la English Sinfonia. En 2001 fue nombrado presidente de la Performing Right Society, tras haber sido previamente vicepresidente.
Bedford estudió música en la Royal Academy of Music con Lennox Berkeley y, más tarde, en Venecia con Luigi Nono. Entre sus primeras influencias estuvieron Nono, Paul Hindemith, Arnold Schoenberg y Anton Webern. A mediados de los años 60, trabajó como profesor de música en la escuela Whitefield de Hendon, antes de unirse al Queen's College de Londres como compositor residente en 1969.
Bedford fue presidente de la Severnside Composers' Alliance y miembro fundador del consejo de fideicomisarios de la PRS for Music Foundation, que apoya la composición de nuevas piezas.
En 1969, Bedford fue contratado para orquestar el álbum de Kevin AyersJoy of a Toy, en el que también tocó los teclados.
Esto lo llevó a convertirse en teclista de la banda de Kevin Ayers, Kevin Ayers and the Whole World, con la que grabaron el álbum Shooting at the Moon(1970). En ese disco, además de órgano y piano, Bedford toca acordeón, marimbáfono y guitarra, mientras que Mike Oldfield se encarga del bajo, la guitarra y los coros. Esto marcó el comienzo de la relación de Bedford y Oldfield. Bedford también colaboró en álbumes posteriores de Ayers como teclista y arreglista orquestal.
El trabajo de Bedford con The Whole World llevó a colaborar con el saxofonista del grupo, Lol Coxhill, con quien formó el Coxhill-Bedford Duo. El dúo publicó varios singles con canciones antiguas de vodevil y music hall británico con Bedford al piano y voz principal, y Coxhill al saxofón y segunda voz, para el sello Dandelion Records de John Peela principios de los años 70. Uno de estos singles se publicó bajo el seudónimo Will Dandy and the Dandylettes (versionando un popurrí de canciones de Al Jolson), con la cara B acreditada al dúo Coxhill-Bedford. Más temas del dúo aparecen en el álbum en solitario de Coxhill, Ear of Beholder (1971), en el que tocan tres canciones, incluyendo una versión temprana de "Don Alfonso" que Bedford grabaría de nuevo más tarde.
En 1975 Bedford continuaba colaborando intensamente con Mike Oldfield.
Una versión orquestal de Hergest Ridge fue arreglada y dirigida por David Bedford, quien previamente había emprendido las mismas tareas en The Orchestral Tubular Bells. La escasa repercusión comercial del álbum The Orchestral Tubular Bells llevó a la compañía a cancelar la publicación de The Orchestral Hergest Ridge. Fue interpretado en vivo varias veces, y grabado para la transmisión de radio de conciertos dos veces, una vez en 1974 por la Royal Philharmonic Orchestra con Steve Hillage en la guitarra, y una vez en 1976 por la Orquesta Nacional Escocesa, de nuevo con Hillage en la guitarra. Andy Summers, que luego formó The Police tocó en otras actuaciones ese año.
El tema First Excursión fruto de la colaboración de Bedford y Oldfield se grabó en el nuevo estudio casero de este último en Througham, Gloucestershire en agosto de 1976 con el ingeniero Phil Newell. Se remezcló para su inclusión en la versión cuadrafónica del álbum Boxed.
El álbum The Odyssey se grabó en el estudio TW, en Fulham, Londres, con el ingeniero Martin Adam excepto la toma de Mike Oldfield tocando la guitarra que fue registrada en su nuevo estudio en Througham, Gloucestershire actuando el propio Bedford como ingeniero.
Fachada de los estudios TW
El coro del Queen's College fue grabado en los estudios Morgan de Londres con el ingeniero Roger Quested. La mezcla se realizó también en esos estudios. El álbum fue producido por Peter Jenner.
Roger Quested
El álbum es una obra instrumental y coral, otro intento de Bedford por fusionar elementos de la música clásica con el rock progresivo. Esta vez, se aleja del concepto orquestal de sus trabajos anteriores para acercarse a un rock progresivo más enfocado en explotar la riqueza sonora de múltiples capas de teclados. El uso que hace Bedford de modernos sonidos de teclado coloca a su música en un ambiente claramente setentero. En entrevistas, ha reconocido que carecía de verdadera habilidad como teclista, a pesar de haber desempeñado ese papel en las primeras bandas de Kevin Ayers.
Manteniendo el carácter didáctico de su anterior álbum The Rime Of The Ancient Mariner (La rima del viejo marinero), The Odyssey (La Odisea) está basado en el poema épico griego de Homerodel siglo VIII a. C. que narra las aventuras de Odiseo (Ulises) en su largo regreso a Ítaca tras la guerra de Troya, enfrentando dioses, monstruos y desafíos que ponen a prueba su astucia y resistencia. De esta manera entraría en lo que se conoce como un álbum conceptual. El periplo de Ulises dura 20 años y durante ese periódo su hijo Telémaco y su esposa Penélope, tras creerle muerto, reciben en su palacio a numerosos pretendientes que buscan desposarla, a pesar de la reticencia de ambos.
Un leitmotiv se muestra intermitentemente en el disco ("Penelope's Shroud", tema recurrente que se divide en cinco partes muy cortas intercaladas entre los demás), sencillo pero efectivo en la familiaridad que logra con el oyente. Como si de una película se tratara, identificamos a Penélope con dicha melodía hipnótica y asumimos su desesperada condición (ella teje durante veinte años un sudario para el rey Laertes, padre de Ulises, pero deshace por las noches lo construido durante el día) en su carácter repetitivo. Mientras tanto, la melodía, la dimensión épica, aventurera, viene denotada por piezas tal vez no profundas pero tan acertadas melódicamente como "King Aeolus" (sobre un fondo sugestivo se alzan los teclados simbolizando los vientos con los que Eolo intenta ayudar a Ulises en su regreso a Ítaca) o "Scylla and Charybdis" (más fácilmente melódica incluso, toma realmente la misma melodía de "King Aeolus" aunque se muestra afable, heroica, envalentonada en sus cambios continuos y en su atmósfera tétrica central, que ayuda a representar el peligro de los dos monstruos marinos Escila y Caribdis).
Mike Oldfield participa en los dos temas más destacados del álbum y que son los más conocidos: "The Phaeacian Games" refleja realmente la última etapa de este periplo, aunque Bedford prefiere situarla en una posición anterior en el disco; Ulises, que está muy cerca de regresar a Ítaca, por invitación del rey Alcínoo acaba presenciando e incluso participando en los juegos feacios (un pueblo mítico de la Isla de Esqueria), donde lanza el disco de bronce más lejos que ninguno de los participantes habían logrado nunca. "The Phaeacian Games" es por tanto prácticamente una recreación del espíritu olímpico, un tema jubiloso, magnífico, donde aparece majestuosa la inconfundible guitarra de Oldfield en una extendida conjunción con los teclados.
Imagen del libreto de Boxed
Algo distinta es "The Sirens", donde aparece mágicamente el encanto coral característico del compositor británico (por medio del coro de chicas del Queen's College, que ya se escuchaba en "The Rime of the Ancient Mariner"), en una pieza intensa y alumbrada que parece tener vida propia desarrollándose de manera seductora, como no podía ser menos tratándose de esas criaturas mitológicas que intentaron atraer a un desesperado Ulises atado en el mástil de su barco. "The Sirens" es uno de los mayores aciertos del disco, además de incluir una nueva interpretación de Oldfield a la guitarra, esta vez con más texturas, muy diferente a la de "The Phaeacian Games".
En "Circe's Island" aparece otro guitarrista, el futuro miembro de The Police Andy Summers, con una guitarra psicodélica acompañada por percusión de copas de cristal, la voz de Sophie Dickson y el toque minimalista de los teclados. Todo ello crea un sutil carácter vanguardista del que David apenas puede escapar, convirtiendo esta pieza en un último esfuerzo (aunque el trabajo aún no termina) por retomar intereses personales, incluida esa voz femenina con un nuevo aire hipnótico, como ya ocurrió en "The Sirens", donde representaba a Circe, la diosa hechicera que intenta atrapar a Ulises y sus hombres en la isla de Ea.
Andy Summers
Para concluir el trabajo, "The Battle in the Hall" representa el pasaje en el que una vez en Ítaca, Ulises -transmutado en mendigo- mata en el gran salón con su arco a los demás pretendientes de Penélope. La pieza prolonga una constante tensión hasta que surge, aunque más lenta, la misma melodía de "The Phaeacian Games" conduciendo al oyente hasta un final feliz.
Bedford fue astuto al dividir la obra en piezas cortas para complacer a Richard Branson y su discográfica, logrando un trabajo más accesible, con varios cortes de claras posibilidades comerciales para la época (dentro de la música de vanguardia a la que nos tenía acostumbrados). En esta ocasión prescinde del narrador interpretado por el actor Robert Powell en su álbum anterior.
Los teclados utilizados por el propio Bedford en la obra incluyen el sintetizador Arp 2600, sintetizador de cuerdas Stringman, piano eléctrico Fender Rhodes, piano de cola Steinway, clavinet (un clavicordio amplificado electrónicamente) y órgano Hammond, además de interpretar percusiones por medio de vibráfono, timbales, platillos, gong y copas de vino.
Lanzamiento del álbum
El álbum fue lanzado en el Reino Unido en 1976 con Virgin (V 2070). La funda diseñada por la agencia Cooke-Key muestra como portada un retrato de Bedford que parece el propio Ulises.
Contraportada del álbum
También se publicó en Francia, Grecia, Canadá, Nueva Zelanda y Japón.
El tema titulado"The Phaeacian Games"aparecería en el cuarto LP del recopilatorio Boxedde Mike Oldfield.
Portada de Boxed
La presentación del proyecto se realizó en el Royal Albert Hall londinense el 25 de enero de 1977, donde Bedford compartió protagonismo en un espectáculo descrito como 'El mayor evento de teclados de todos los tiempos'. Contó con la presencia de figuras destacadas tales como Mike Oldfield, Jon Lord, Mike Ratledge, Peter Lemer o Dave Stewart, mientras que otros como Vangelis o Peter Bardens no pudieron estar a pesar de ser invitados. El resultado, una densa acumulación de sonido, fue recibido con críticas mixtas. El concierto fue emitido por la radio. Gonzo Multimedia publicó "The Odyssey Live" en CD en 2011.
Mike DeGagne comentó en su reseña para AllMusic: A lo largo de estas 11 canciones, evoca la poderosa historia del folclore griego personalizando sus teclados para dictar la belleza o el fervor de cada referencia individual. "Battle In The Hall" tiene un ritmo frenético, mientras que las cinco inclusiones de "Penelope's Shroud" reflejan la sutileza del piano y el órgano. Su uso de objetos tan simples como copas de vino, gong solitarios y platillos tampoco pasa desapercibido, y la bienvenida incorporación de oboes y flautas dulces ayuda a reforzar un ambiente clásico en varias piezas. Este álbum, junto con The Ancient Mariner de 1975, son los mayores logros en solitario de Bedford, con The Odyssey mostrando en general un ambiente más progresista.
David Bedford – ARP 2600 sintetizador, sintetizador de cuerdas Stringman, piano eléctrico Fender Rhodes, piano de cola Steinway, clavinet, vibráfono, órgano Hammond, copas de vino, timbalos, platillos,gongos.
Mike Oldfield – guitarra (4,6)
Coro del Queen's College - coro (6)
Andy Summers / guitarra (9)
Anne Murray / flauta dulce (11)
Rosalind Kandler / flauta dulce (11)
Layne Halstead / oboe (11)
Nicolette Alvey / sintetizador ARP (2,7), copas de vino (9)
Sophie Dickson / voz, copas de vino (9)
Vicky Cooper / voz (6)
Elly Lemos / copas de vino (9)
Serena Macready-Sellars / copas de vino (9)
Reediciones
Fue publicado por primera vez en CD, remasterizado, en 1994 con Virgin.
Opinión personal
Considero este álbum el más accesible de Bedford. Es un trabajo conceptual cargado de múltiples capas de teclados que lo convierten en una auténtica joya del rock progresivo. Destaca especialmente el tema The Phaeacian Games, que para mí es la mejor colaboración entre Mike Oldfield y Bedford, donde la guitarra de Oldfield se suma como una capa más a esa apoteosis de teclados. Su segunda mejor colaboración, en mi opinión, fue First Excursion, incluida en el disco Collaborations de Mike Oldfield dentro del box set Boxed. En ese tema, al contrario, la protagonista es la guitarra de Oldfield y Bedford acompaña en los teclados. Hay otra participación de Oldfield en el álbum, más contenida, en The Sirens, donde una melodía repetitiva y voces corales nos hipnotizan como las sirenas a Ulises y sus compañeros. Para Circe’s Island, Bedford recurrió a otro guitarrista, Andy Summers, antes de que se uniera a The Police, buscando un efecto slide que sumara a otro tema hipnótico gracias a la secuencia repetitiva del sintetizador, las voces etéreas y las copas de cristal, siendo una de las creaciones más bellas y a la vez extrañas del rock progresivo de los setenta. Hubiera merecido mayor reconocimiento, pero quizás no lo logró por haberse lanzado en pleno auge del punk.
