Este artículo lo dedicamos al segundo álbum de Sylvester titulado Step II I publicado en 1978 y en el que colaboróPatrick Cowley.
Sylvester
Sylvester James Jr. (6 de septiembre de 1947 – 16 de diciembre de 1988), conocido simplemente como Sylvester, fue un cantautor estadounidense. Activo principalmente en los géneros disco, rhythm and blues y soul, era conocido por su apariencia extravagante y andrógina, su voz en falsete y sus éxitos de disco a finales de los años 70 y 80.
Sylvester en 1979
Nacido en Watts, Los Ángeles, en el seno de una familia afroamericana de clase media, Sylvester desarrolló un amor por cantar a través del coro góspel de su iglesia pentecostal. Al dejar la iglesia tras la expresión de desaprobación de la congregación por su homosexualidad, encontró amistad entre un grupo de travestis negros y mujeres transgénero que se autodenominaban los Disquotays. Mudándose a San Francisco en 1970 con 22 años, Sylvester abrazó la contracultura y se unió al grupo drag vanguardista The Cockettes, produciendo segmentos en solitario de sus espectáculos, fuertemente influenciados por cantantes femeninas de blues y jazz como Billie Holiday y Josephine Baker. Durante la gira de los Cockettes por Nueva York, que recibió muchas críticas, Sylvester decidió dejarlos para enfocarse en otro proyecto. Formó la Sylvester and his Hot Band, una banda de R&B y glam rock que lanzó dos álbumes sin éxito comercial con Blue Thumb Records en 1973 antes de separarse.
Centrado en una carrera en solitario, Sylvester firmó un contrato discográfico con Harvey Fuqua de Fantasy Records y consiguió tres nuevos coristas: Martha Wash e Izora Rhodes – las "Two Tons O' Fun" – así como Jeanie Tracy. Su primer álbum en solitario, Sylvester (1977), tuvo un éxito moderado.
Portada de su primer álbum
Lista de temas
Lado A
1."Over and Over" (Nickolas Ashford, Valerie Simpson) – 6:58
The Weather Girls (Izora Armstead, Martha Wash) – voz principal y coros
James "Tip" Wirrick – guitarra eléctrica
Dan Reich – sintetizadores y piano eléctrico
John Dunstan – bajo
Jack "Sandyjack" Reiner – batería
David Frazier – percusión
Leslie Drayton – arreglos de cuerdas y metales
Patrick Cowley
Patrick Joseph Cowley (19 de octubre de 1950 – 12 de noviembre de 1982) fue un compositor estadounidense de música disco y música dance hi-NRG, conocido principalmente por sus colaboraciones con el cantante disco Sylvester. Junto con Giorgio Moroder, se le ha reconocido como un pionero de la música electrónica de baile.
Durante su adolescencia, Cowley se convirtió en un exitoso batería en bandas amateurs locales antes de asistir a la Universidad de Niágara y más tarde a la Universidad de Buffalo para estudiar inglés. En 1971, con 21 años, Cowley se mudó a San Francisco para asistir al City College of San Francisco (CCSF), donde estudió música, específicamente el uso de sintetizadores, con Gerald Mueller.
La fama de Sylvester aumentó tras el lanzamiento de su álbum en solitario, y fue contratado para actuar regularmente en el bar gay The Elephant Walk en el Castro, una zona de San Francisco conocida como un pueblo gay. Se hizo amigo de Harvey Milk—conocido localmente como el "Alcalde de Castro Street"—quien fue el primer hombre abiertamente gay elegido para un cargo público en California, y actuó en la fiesta de cumpleaños de Milk ese año. En la primavera de 1978, Sylvester hizo una audición para una aparición especial en la película The Rose, protagonizada por la icono gay Bette Midler. En la película, interpreta a una de las drag queens que cantan "Fire Down Below" de Bob Seger, en una sola escena rodada en un bar destartalado del centro de Los Ángeles.
Cowley conoció al músico Sylvester, afincado en San Francisco, en 1978. Sylvester le pidió a Cowley que se uniera a su banda de estudio tras escuchar algunas de sus primeras grabaciones con sintetizador y quedar impresionado por sus técnicas innovadoras.
Grabación del álbum
El álbum fue grabado en los Fantasy Studios de Berkeley, en el Conway Studio de Los Angeles y en Clark-Brown Audio de Los Angeles. Fue mezclado en los Fantasy y masterizado en los Kendun Recorders de Burbank. Se terminó en marzo de 1978.
El álbum fue producido por Sylvester y Harvey Fuqua. Estuvo especialmente influenciado por el género de música dance conocido como disco, que entonces estaba ganando cada vez más popularidad en el mundo occidental. El disco estaba estrechamente asociado con las comunidades gay, negra y latina en Estados Unidos y dominado por artistas negras como Donna Summer, Gloria Gaynor y Grace Jones, con Sylvester inicialmente dudando de que fuera un género adecuado para él; No obstante, reconoció su creciente potencial comercial.
Lanzamiento del álbum
Step II fue lanzado en LP, ocho pistas y cassette en 1978.
De este álbum salieron dos sencillos: "Dance (Disco Heat)" y "You Make Me Feel (Mighty Real)".
Alcanzó el puesto 28 en el Billboard 200 y el puesto 7 en la lista Top Soul del Billboard. El álbum fue certificado Oro por la RIAA el 13 de febrero de 1979.
Cowley acompañó a Sylvester en varias giras mundiales.
Patrick Cowley – cuerdas, sintetizadores Electro-comp modelos 101 y 200 y secuenciador Oberheim DS-2, efectos especiales
Michael Finden – piano eléctrico, órgano y clavineta
James "Tip" Wirrick – guitarra eléctrica
Eric Robinson – piano acústico (pista 7)
Bob Kingson – bajo (pistas 1–6)
James Jamerson, Jr. – bajo (pista 7)
Randy Merritt – batería (pistas 1–6)
James Gadson – batería (pista 7)
David Frazier – percusión
George Bohanon – trompas
Charles Veal Jr. – cuerdas, concertino
Izora Rhodes, Martha Wash – coros
Leslie Drayton – arreglos de cuerdas y metales
El sencillo "Dance (Disco Heat)"
El primer sencillo del álbum consistía en una versión editada del tema "Dance (Disco Heat") en la cara A y el tema "Was It Something That I Said" en la cara B. Fue publicado en agosto de 1978. La canción fue el primer éxito de Sylvester en el Top 40 en Estados Unidos, donde alcanzó el puesto #19 en la lista Billboard Hot 100 en otoño de 1978, y también alcanzó el #29 en la lista de singles del Reino Unido.
También se lanzó un maxisingle de 12" con una versión ampliada del tema "Dance (Disco Heat)" y con el tema "You Make Me Feel (Mighty Real)" en la cara B. Los disjockeys empezaron a pinchar ambas caras en los clubs haciéndose ambas muy populares. Las dos canciones mantuvieron el primer puesto en la lista Billboard Dance/Disco durante seis semanas en agosto y septiembre de ese año y ayudaron a consolidar la carrera de Sylvester como un destacado artista de música disco y dance, tanto en Estados Unidos como en el extranjero.
El crítico musical Robert Christgau ha dicho que la canción es "una de esas oleadas de energía sostenida y estilizada que es el gran regalo de la música pop de la disco".
La canción fue originalmente grabada como un tema góspel de piano a tempo medio; sin embargo, después de que Patrick Cowley viera un ensayo de la canción en el City Club de San Francisco, se ofreció a remezclarla. El resultado fue uno de los discos pioneros de disco que utilizaba algo de instrumentación electrónica y efectos, siguiendo de cerca "I Feel Love" de Donna Summer, que empleaba mucho instrumentación electrónica adelantada a su tiempo. Estas canciones de los años 70 con instrumentación electrónica influyeron en la música dance de los años 80 y 90, que a su vez influiría en la música dance del siglo siguiente.
La canción fue el primer éxito de Sylvester en el top 10 del Reino Unido, donde alcanzó el puesto número 8 en la lista de singles del Reino Unido en octubre de 1978. En el país natal de Sylvester, el sencillo fue su segundo éxito en el top 40, alcanzando el puesto número 36 en la lista Billboard Hot 100 de EE. UU. en febrero de 1979. La canción también alcanzó el puesto número 20 en la lista Billboard Hot Soul Singles.
En 2022 se publicó en vinilo de 180 en edición club.
En 2025 se publicó en vinilo trasparente.
En 2025 se publicó una edición de lujo en CD. Es la única edición oficial que conozco en CD.
Legado
En 1994, el DJ francés Laurent Garnier nombró "You Make Me Feel (Mighty Real)" como una de sus favoritas de todos los tiempos.
En octubre de 2000, VH1 la situó en el puesto número 14 en su lista de las "100 mejores canciones de baile".
En 2003, la revista Q la incluyóen el puesto 677 de su lista de las "1001 mejores canciones de la historia".
En 2018, Pitchfork Media incluyó la canción en su lista de "50 canciones que definen los últimos 50 años del orgullo LGBTQ+"
En 2019, la canción fue seleccionada por la Biblioteca del Congreso para su preservación en el Registro Nacional de Grabaciones por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". Ese mismo año, el DJ y productor estadounidense Kevin Saunderson la clasificó entre "Los 10 mejores discos disco de todos los tiempos".
En 2020, Daily Mirror la situó en el puesto número 13 de su lista de las "50 canciones más felices de la historia".
En 2021, Rolling Stone la incluyó en su lista de las "500 mejores canciones de todos los tiempos" en el puesto número 399.
En 2022, la clasificaron en el puesto número 39 en su lista de las "200 mejores canciones de baile de todos los tiempos". Ese mismo año, Time Out la situó en el puesto número 8 en su lista de "Las 50 mejores canciones gays para celebrar el orgullo durante todo el año".
En 2023 y 2025, la revista Billboard la clasificó entre las "500 mejores canciones pop de todos los tiempos" y "Las 100 mejores canciones de baile de todos los tiempos".
El cantante británico Jimmy Somerville, anteriormente de las bandas Bronski Beat y Communards, publicó una versión de "You Make Me Feel (Mighty Real)" en 1989.
El cantante de house nacido en Chicago Byron Stingily, anteriormente de la banda Ten City, grabó una versión de "You Make Me Feel (Mighty Real)" en 1997.
Patrick Cowley, pionero de la música electrónica, llevó el tema de Sylvester, "You Make Me Feel (Mighty Real)", a otro nivel, convirtiéndolo en una joya de la música disco electrónica al estilo de Giorgio Moroder. Su trabajo se convirtió en un referente que ha influido en la música disco electrónica hasta nuestros días.
En este artículo nos ocupamos del álbum Solar Music - Live de la banda alemana Grobschnitt publicado en 1978.
Grobschnitt fue una banda de rock de Alemania Occidental que existió entre 1970 y 1989. Fue una de las agrupaciones más innovadoras del rock alemán en los años 70, una banda surgida al calor del prolífico y distintivo conglomerado del krautrock.
Su estilo evolucionó con el paso del tiempo, comenzando con el rock psicodélico a principios de la década de 1970 antes de pasar al rock progresivo sinfónico, NDW (nueva ola alemana) y finalmente al pop rock a mediados de la década de 1980. Grobschnitt, a diferencia de otras bandas, utilizó el humor en su música en forma de ruidos inesperados y letras y conceptos tontos.
Grobschnitt fué formada en 1970 en la ciudad industrial Hagen, al noroeste de Alemania, de las cenizas de The Crew, una banda de rock psicodélico liderada por el imaginativo y carismático baterista Eroc (Joachim Ehrig). Su nuevo nombre significaba "corte áspero", en referencia al estilo de tabaco. Ellos querían denominarse Kapelle Elias Grobschnitt pero la discográfica lo redujo a Grobschnitt. Todos los miembros de la banda adoptaron seudónimos tales como "Eroc", "Mist", "Wildschwein", "Lupo" y "Popo".
Grobschnitt
La formación inicial estaba compuesta por el vocalista y guitarrista Stefan Danielak (Wildschwein), el baterista Joachim Ehrig (Eroc) -quien además se encargaba de diversos efectos- y el guitarrista Gerd-Otto Kuhn (Lupo).
Interior de la carpeta del segundo álbum
Como era común con muchas bandas alemanas de la época, Grobschnitt cantó en inglés hasta principios de la década de 1980, a pesar de realizar giras exclusivamente en Alemania Occidental. La banda acumuló una base de fans leales a través de sus actuaciones en vivo que incluyeron pirotecnia y bocetos cómicos alemanes. Las actuaciones más destacadas incluyen Solar Music, una pieza extendida en su mayoría instrumental que duró hasta una hora. Grobschnitt también era conocido por su resistencia en el escenario, con frecuencia realizando espectáculos de más de tres horas.
En un anterior artículo nos ocupamos del álbum Jumbo publicado en 1975 y de su versión en alemán publicado meses después: 1975: El Jumbo de Grobschnitt
Solar Music es su pieza musical más famosa. Según la banda, se ha tocado en todos los conciertos desde su fundación en 1971 hasta su disolución en 1989. La duración de la pieza es notable, dependiendo de la ejecución duraba al menos 30 minutos, pero también podía durar más de una hora.
"Solar Music" se fue desarrollando cada vez más con los años. Ninguna grabación suena completamente igual que la otra. Existe una estructura básica alrededor de la cual los músicos improvisan, por lo que ha sido posible publicar la canción 23 veces hasta ahora (sin remasterizar versiones), tres de ellas oficialmente por el grupo Grobschnitt en vinilo/CD; una vez en vídeo, el resto pasa a la cuenta del exbatería Joachim Ehrig (Eroc), que restaura antiguas grabaciones de Grobschnitt en su estudio y republica las mejores grabaciones. Debido a este desarrollo, el nombre también cambió de "Solar Music" a "Powerplay" (desde 1979) y finalmente a "Sun Dance", a partir de lo cual siempre se anunciaba con ambos nombres.
"Solar Music" se consideraba el punto culminante de cada concierto y consistía en música y espectáculo. Los protagonistas visuales principales eran una niebla artificial que a veces envolvía todo el salón, figuras enigmáticas que aparecían, como monstruos realizando rituales de fuego, monstruos luchando con espadas láser y fuegos artificiales, que a veces podían crearse con una amoladora de ángulos.
La primera vez que se publicó "Solar Music" fue en el doble LP "Ballermann".
Portada del segundo álbum
Grabación
La segunda publicación fue en directo. Fue grabada en el Otto Pankok Forum de Mühlheim el 7 de abril de 1978 durante la segunda mitad del 32º concierto del grupo, y fue remezclado por Eroc y Geheimrat Günstig entre el 15 de mayo y el 29 de junio de 1978 en el Conny's Studio.
Conny Planck
El álbum fue producido por Geheimrat Günstig.
Por motivos de los derechos de autor, la pieza aparece listada en el álbum en siete partes. Como en la versión de estudio la pieza tiene que dividirse en dos pistas por razones de espacio, una en cada cara del vinilo. En las ediciones en CD la pieza esta unida durando 54 minutos. También en las ediciones en CD se añaden los bises que son 13 minutos adicionales.
La única diferencia en la formación respecto a la versión de 1974 fue que el bajo, en esta ocasión, estuvo a cargo de Wolfgang Jäger, también conocido como Pepe, Popo o Hunter.
Wolfgang Jäger
Descripción de la versión en directo
El comienzo de la pieza se asemeja al de la versión de estudio, aunque la parte vocal se extiende mucho más. Luego, capas de sonido meditativo intenso, improvisaciones solistas elaboradas y solos de guitarra interminables, junto con toques de slapstick, caen sobre el oyente como una voz que proclama, acompañada por música de marcha: "No queremos perder la oportunidad de señalarte que la niebla artificial que has estado inhalando durante diez minutos es una sustancia extremadamente tóxica que puede llevar a la inconsciencia y la muerte tras solo unos momentos. Te agradecemos la confianza que has depositado en nosotros...". Como una burla a las afirmaciones de que en la música rock a menudo se esconden mensajes satánicos, la advertencia se repite por segunda vez, pero esta vez al revés.
Contraportada del álbum
Lanzamiento
El álbum fue lanzado en Alemania en 4 de septiembre de 1978 con Metronome (Brain – 0060.139). Se publicó con una carpeta desplegable.
En 1978, como parte de un festival de rock alemán, Grobschnitt también actuó en el Rockpalast y tocó tres canciones, incluyendo una versión de 54:30 minutos de Solar Music, que era similar a la versión de la grabación del mismo año. El grupo sufrió problemas técnicos: se puede escuchar un fuerte zumbido durante toda la grabación.
La película se estrenó en el CineStar Hagen el 14.12.2025 y hubo un encuentro de los fans en el vestíbulo del cine con Eroc, Lupo y Willi. Ls película se había remezclado en sonido envolvente Dolby 5.1 con animaciones multimedia de vídeo e imagen.
Recepción
En 1978, Grobschnitt fue nombrado el mejor grupo alemán por Musikexpress, por delante de Nina Hagen Band y The Scorpions.
Reediciones
Fue publicado en CD por primera vez en 1989.
Fue publicado remasterizado en CD en 1998 con dos bonus tracks correspondientes a los bises.
En 2015 fue publicado en edición de lujo e doble CD remasterizado con contenido adicional
En 2017 se publicó una edición especial con motivo del 40 aniversario con un doble vinilo de color blanco.
Créditos
Eroc – batería, percusión, efectos electrónicos
Lupo - guitarra(s) solista(s), coros
Mist - teclados
Popo (Hunter) - bajo
Wildschwein- voz principal, guitarras eléctricas y acústicas
Opinión personal
Es uno de los mejores álbumes de krautrock en directo. Dada la teatralidad que desarrollan es incluso mejor la versión en directo que la de estudio. Recoge la esencia de Grobschnitt. Si hay que le guste la banda y su humor absurdo tiene que tener este álbum. Los teclados atmosféricos convierten a esta pieza en una joya del rock espacial.
En este artículo traemos los comienzos y primer álbum de la banda estadounidense de rock progresivo Happy The Man.
Happy The Man
Happy the Man es una banda estadounidense de rock progresivo formada en 1973 en el Madison College de Harrisonburg, Virginia. Desde entonces, la banda tuvo su sede en Washington, D.C. El nombre Happy the Man es una referencia al "Fausto" de Goethe y a la Biblia pero no tiene que ver con el sencillo Happy the Man de Genesis de 1972. En español se podría traducir como: Bienaventurado el hombre.
Portada del sencillo Happy the Man
La banda se disolvió en 1979 y se reformó en 2000. La banda lanzó tres álbumes entre 1977 y 1983 (el tercero fue grabado en 1979, pero lanzado por primera vez en 1983). Después de una larga pausa, Happy The Man lanzó un nuevo álbum en 2004 con un nuevo baterista y un nuevo tecladista adicional.
A finales de 1977, Mike Beck dejó la banda y fue reemplazado por Ron Riddle.
Ron Riddle
Su segundo álbum que se titularía Crafty Hands volvería a ser producido por Ken Scott (cuyo trabajo con Mahavishnu Orchestra, Supertramp y David Bowie les había impresionado mucho). Fue grabado en los estudios Chateau Recorders, North Hollywood.
Ken Scott
En esta ocasión solo un tema, ‘Wind Up Doll Day Wind’, incluyó voces, nuevamente interpretada por Whitaker. El álbum muestra a Stanley tocando guitarras construidas por un entonces poco conocido luthier local llamado Paul Reed Smith. Stanley utilizó una guitarra personalizada de 6 cuerdas —similar hoy a una PRS Santana I— y una guitarra de doble mástil de 6/12 cuerdas. Las partes de 12 cuerdas, así como el solo de ‘Ibby It Is’ del álbum Crafty Hands, fueron interpretadas con su PRS Doubleneck.
Estilo
Completamente fuera de los estándares americanos, Happy The Man combinó melodías exuberantes, una gran interacción compleja y un toque ligeramente jazzístico con voces ocasionales. La banda afirma estar influenciada por Genesis, Yes y Gentle Giant, aunque en realidad no se parecen en nada a ninguna de esas bandas.
Lanzamiento
El álbum fue lanzado el 21 de septiembre de1978 en Estados Unidos y Canadá con Arista. La portada fue de Mario Grimaldi.
Contraportada del álbum
El contrato con Arista Records se rompió después de que Crafty Hands no lograra un impacto comercial significativo. Sin desanimarse, la banda siguió adelante, reclutando al batería francés Coco Roussel, anteriormente de Heldon y Clearlight, para reemplazar a Riddle, quien había dejado la banda tras finalizar el álbum. Hacia finales de 1978, la banda comenzó a añadir nuevas composiciones a su repertorio en directo, y durante los meses siguientes se reunió suficiente material para el siguiente lanzamiento de la banda, que recibió el título provisional Labyrinth, y fue grabado en la demo en febrero de 1979 en la casa de la banda en Reston, Virginia. Sin embargo, la banda no logró conseguir un nuevo contrato y, el 27 de mayo de 1979 (exactamente un año después de que Roussel se uniera a la banda), Kit Watkins anunció su marcha a la banda británica Camel. Los miembros restantes ofrecieron un último concierto en la Universidad James Madison antes de disolverse, y Whitaker y Kennell formaron inmediatamente una nueva banda, Vision, con el teclista original de HTM, David Bach. La mayoría de las composiciones de Labyrinth permanecerían inéditas hasta 1983, cuando aparecieron bajo el título 3rd - Better Late... en el propio sello Azimuth de Watkins (la posterior reedición en CD añadió dos temas extra de las mismas sesiones, "Who's in Charge Here" y "Such a Warm Breeze").
Mike McLatchey, de Exposé Online, afirmó que el álbum muestra "algunos de los mejores, más elaborados y sofisticados rock sinfónicos jamás producidos, interpretados por genios técnicos", pero señaló que, en comparación con el álbum debut del grupo, "Crafty Hands parece más pulido, aunque en general algo menos impresionante."
Pete Pardo, escribiendo para Sea of Tranquility, comentó: "En cuanto al prog estadounidense, no hay mucho mejor que esto, amigos. Crafty Hands es un material con clase en total."
Fue publicado por primera vez en CD en 1988 en Japón.
El posterior interés por el álbum hizo que en 1999 se localizaran las cintas originales y se remasterizaran por Kit Watkins dando lugar a una publicación en CD por One Way Records.
En 2005 se publicó en Japón en formato mini-lp.
En 2012 se publicó en el Reino Unido una edición en CD con Esoteric.
En 2021 fue publicado en Japón remasterizado en CD con Arista.
En 2025 fue publicado en Estados Unidos remasterizado en CD con Iconoclassic.
Opinión personal
Es el rock sinfónico más particular que haya escuchado. Desde luego no se parecen a ninguna banda de Estados Unidos. Ellos han citado influencias de Genesis, Yes y Gentle Giant pero su sonido no tiene que ver con ellas. El sonido puede que esté más cerca de bandas europeas como las de la escena de Canterbury o Camel. No es de extrañar que Kit Watkins acabara precisamente en Camel. En su momento no tuvo reconocimiento, pero lo ha ido ganando con el tiempo. El único tema cantado es Wind Up Doll Day Wind, por lo que el álbum es principalmente instrumental. A destacar el tema de apertura "Service With A Smile" y los temas "Ibby It Is" y "Open Book".
Letras
Wind Up Doll Day Wind
Cold trade in the laughter
Cool Jade in the night
We barter images on the matrix
Fine strands of reality, dream, and vision
Wind up doll day begins
Whirlwind display of whims
Splashing across the street into the box
My box... your box
Dollhouse robbed of fantasy
Stacks of office blocks waiting for the wind
Blow me over into the starlight, wind
Crash down these weights upon me
Drive me across the world's scorching lies
From someplace that I "might" see them
To that place that I "do"
Draw down the dollhouse blocks
Into the whimsical streets
Web of the real laid close beside dream
Each the barter for the other:
Twisting together, like worms in their holes
Quietly strangling the vision
Wind up doll day traded
For dream chants on whispering winds
Wind up Doll day begins
Wind up Doll day begins...
It seems to me there's cold trade in all the laughter
