Este artículo lo dedicamos a Eberhard Schoener y el álbum Bali-Agúng publicado en 1975.
Eberhard Schoener (nacido el 13 de mayo de 1936) es un músico, compositor, director de orquesta y arreglista alemán. Sus actividades combinan muchos estilos y formatos. Originalmente violinista clásico y director de música de cámara y ópera, fue uno de los primeros en adoptar y popularizar el sintetizador Moog en Europa. En los años 70 viajó a Indonesia e incorporó elementos musicales de Asia en su propia obra. Ha colaborado con músicos de rock como Jon Lord y The Police, así como con los pioneros alemanes de la música electrónica Tangerine Dream en un arreglo orquestal para el tema "Mojave Plan" en una actuación en directo en un programa de televisión alemán. Ha compuesto bandas sonoras para cine, vídeos, música para televisión y una ópera que se emitió por Internet. Ha recibido numerosos premios, entre ellos el Premio de Arte Schwabing de 1975 para música, el Premio Bambi de 1992 a la creatividad y un premio a la trayectoria en el Festival de Música y Sonido en Cine y Medios de Colonia en noviembre de 2014.
1958: Estudios de violín en la Academia de Música de Detmold (Nordwestdeutsche Musikakademie) bajo la tutela del profesor Tibor Varga, corista bajo la dirección del profesor Eugen Pabst.
1959: Beca en la Accademia Musicale Chigiana de Siena, clase de dirección con Sergiu Celibidache y música de cámara con Quinteto Chiagiano.
1960: Primer violín en la Ópera Estatal de Baviera.
1961: Fundación de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Múnich, conocida internacionalmente como "La Orquesta Joven (Das junge Orchester)" en la serie de televisión de ARD.
1964: Supervisor musical de la Ópera de Baviera hasta 1968.
1965: Fundación de la Ópera de Cámara de Múnich y desde entonces supervisor artístico y director. Entre otros, dirigió óperas y conciertos anuales en el Brunnenhof (Patio de la Fuente) en el Castillo de la Residencia de Múnich.
1968: Estableció un laboratorio de música electrónica en los estudios Bavaria y fue uno de los primeros en experimentar con el sintetizador Moog.
1970: La contribución oficial alemana a la Expo Mundial del 70 en Osaka fue compuesta por él.
1973: Realiza la ópera de cámara "La Zingara" para la televisión pública alemana (ZDF).
1974: Colabora con Jon Lord de Deep Purple en Windows y la actuación se televisó con la participación de David Coverdale, Glenn Hughes y Pete York. Lo comentamos en el artículo: 1974: Las ventanas de Jon Lord y Eberhard Schoener.
1974: Supervisión musical y dirección de la ópera "El director del teatro" (Der Schauspieldirektor)" de W.A. Mozart, producida para la televisión, protagonizada por Peter Ustinov. Fue publicado en 1976 a través de EMI Classic. En Canadá se publicó en cuadrafónico.
Tras haber explorado la fusión de la música clásica con el rock junto a Jon Lord, y de la música clásica con la electrónica basada en sintetizadores, Schoener empezó a preguntarse cómo sonaría integrar su lenguaje electrónico con la música folclórica de un determinado enclave en su propio entorno. Sentía un interés especial por las tradiciones musicales asiáticas. Ya había viajado a Asia en busca de un encuentro personal consigo mismo, viaje del que nació Meditation, el álbum publicado en 1974 que incorpora diversas influencias orientales y al que ya hemos hecho referencia.
Durante el viaje me quedó claro que la búsqueda, el intento y la pasión, especialmente en la juventud, por encontrarse a uno mismo a través de la imitación de ejercicios meditativos del Lejano Oriente, conduce con frecuencia por el camino equivocado e incluso a un callejón sin salida del que no hay retorno.”
Eberhard Schoener
En particular estaba interesado por la música folclórica de la isla de Bali y decidió ir allí para observar la música en su entorno pero sin la intención de era incorporar elementos musicales autóctonos en su obra.
Llevo varios años trabajando como director de orquesta clásica y compositor experimental con grupos de rock, pero solo en Bali aprendí a entender lo que pretendía en ese momento, como músico occidental, es decir, la autoafirmación de la música en su entorno.”
Eberhard Schoener
Su objetivo era hacer una especie de documental con la ayuda de sus amigos Johannes Schaaf, Ernst Rothe y Theo Meier. Así viajó llevándose sus instrumentos electrónicos (el moog y el melotrón), sus amigos y un equipo de filmación.
Escuché en la residencia del príncipe Agüng Raka, junto con mis amigos, durante muchas horas, días y semanas, la magistral interpretación de los intérpretes de gamelán, y escucharon mi música con gran calma e indulgencia, como si no fuera la primera vez que escuchaban música electrónica.”
Eberhard Schoener
Imagen de la edición de 2010
Entonces se hicieron amigos y tocaron juntos como si lo hubieran hecho desde siempre.
Dirigí la orquesta y aprendí a improvisar con ellos. Me convertí en su Nadi, su mago. El verdadero Bali se abrió a nosotros, muy despacio y tímidamente, y así surgió y pudo realizarse Bali Agung Oder Die Andere Zeit.”
Eberhard Schoener
La filmación fue producida porIndependent Film Heinz Angermeyer & Bayerischer Rundfunk. Contó el cámara Russel Parker, el técnico de sonido Ludwig Probst, la edición de Kurt Hoffmann y la edición de imágenes de Luti Rüth. El documental que se tituló Bali Agung Oder Die Andere Zeit quedó inédito hasta 2010 que se publicó en DVD junto con el álbum. He aquí un extracto:
El álbum fue concebido como la banda sonora del documental. Fue producido por el propio Schoener. Fue grabado en el hotel Bali-Beach actuando como ingenieros Ernst Rothe y Ludwig Probst. Fue mezclado por Robert Wedel en los estudios Electrola de Munich.
Robert Wedel
La grabación contó con la colaboración de Pete York a la batería y percusión así como la orquesta de gamelán Saba y Pinda del príncipe Agúng Raka. Dicha banda contaba con metalófonos con placas de bronce, gongs y tambores hechos para sonar con martillos de madera o trompa, complementadas por xilófonos y flautas.
Pete York
Parece ser que en la mezcla se añadió la guitarra clásica de Siegfried Schwab.
Siegfried Schwab
Lanzamiento
El álbum fue lanzado tan solo en Alemania en 1976 con EMI. Fue publicado con dos portadas diferentes en función de la edición.
Actuaron en el programa de televisión 'Am laufenband' con Rudi Carrell.
Estaba ganando reputación fuera de los círculos de música clásica.
Finalmente la música del álbum se convirtió en banda sonora cuando en 1984 el director István Szabó decidió hacer una película para la televisión titulada Bali ó Glückliche Insel Bali (La isla feliz de Bali). La película se emitió el 8 de mayo de 1984 en ZDF y el 30 de agosto de 1984 en ORF.
- Eberhard Schoener / toda la electrónica y efectos
- Orquesta de Gamelán de Saba y Pinda de Agúng Raka
- Pete York / batería y percusiones
Imagen de la edición de 2010
Reediciones
Fue publicado en 1980 en LP y casete en Estados Unidos con Celestial Harmonies con una portada diferente.
En 2010 fue reeditado en CD+DVD incluyendo la filmación que realizaron.
Opinión personal sobre el álbum
Parece una idea extravagante llevarse los teclados electrónicos y ponerse a tocar con una orquesta balinesa. La razón para escucharlo es que no encontrarás nada parecido. El uso de instrumentos orientales recuerda a Popol Vuh, situándolo dentro del krautrock y del rock progresivo electrónico.
En este artículo traemos los comienzos y primer álbum homónimo de la banda francesa de música electrónica Space Art.
Space Art
Space Art es un dúo francés de música electrónica formado por Dominique Perrier en los teclados y Roger Rizzitelli en la batería. Lanzaron tres álbumes entre 1977 y 1981. Su música a menudo se describe como synth-pop cósmico (o synth disco), y el dúo es considerado pionero del género electrónico francés. En 2017, Dominique Perrier se asoció con Tommy Rizzitelli, el hijo de Roger, para componer un nuevo álbum, Entrevues, lanzado en 2020.
Anterior artículo
En un anterior artículo comentamos sus comienzos y su primer álbum homónimo publicado en 1976: 1977: El ónix y el arte espacial.
Su segundo álbum que se titularía Trip In The Head Center fue grabado y mezclado en el estudio Ferber de Paris en 1977. Su siguiente álbum sería grabado también en dicho estudio.
De la grabación se ocuparon Franck Redlich, Jacques Dutillet, Joël Atlan e Yves Galli y de la mezcla René Ameline.
René Ameline
Al RP Odyssey que usaban como metrónomo añadieron Mellotron, Eminent 310, Hammond B-3...pero no usaron un secuenciador.
El estilo musical de la banda a menudo se describe como synthpop cósmico.
El álbum Trip In The Center Head fue publicado en 1977 en Francia. En 1978 fue lanzado en Alemania, Canadá y Grecia. La ilustración de la portada fue de Jean-Auguste Ringard.
Se extrajo el sencillo Speedway / Odyssey que fue publicado en Francia, Austria y Alemania.
Portada del sencillo en Austria y Alemania
En el siguiente video de una actuación se ve que visten los trajes ignífugos y además añaden un tercer componente, todo para parecerse más a la banda Space. ¿Podría ser ese tercer hombre Jean-Michel Jarre?
Los dos bonus tracks correspondían a un sencillo independiente publicado en 1978.
En 2010 fue publicado en MP3.
El 11 de noviembre de 2016 fue publicada una edición especial que incluía LP y CD.
Opinión personal
Space Art se disolvió en 1981 para acompañar a Jean‑Michel Jarre en su gira por China. Aunque originalmente eran un dúo, en las actuaciones en directo aparecieron como un trío. No era posible reconocerlos porque llevaban trajes ignífugos que ocultaban su identidad. Siempre he sido partidario de la teoría de que ese tercer integrante era el propio Jarre, quien podría haber estado implicado en el proyecto desde sus inicios.
Los tres músicos se conocieron en 1973, cuando colaboraron con el cantante francés Christophe, mucho antes de que Space Art saliera a la luz. De hecho, Christophe desempeñó un papel importante en el lanzamiento del proyecto. En aquella época era habitual que los artistas usaran seudónimos o actuaran disfrazados para eludir contratos discográficos o para publicar música que se apartara de su estilo habitual. Jarre ya había recurrido a alias como Jammie Jefferson. Ese mismo año, por ejemplo, Vangelis lanzó un single de música disco bajo el seudónimo Mama‑O.
Con un sonido de rock espacial más cercano al estilo de Jarre o al krautrock alemán, considero que fue un error intentar aproximarse a la banda Space de Didier Marouani, cuyo enfoque estaba mucho más orientado hacia la música disco electrónica. Creo que habrían alcanzado mayor éxito si hubieran tomado como referencia lo que hacía Jarre en solitario o grupos como Tangerine Dream. Su estilo anticipa el synth‑pop que sería popular a principios de los años 80, por lo que pueden considerarse adelantados a su tiempo.
Mis temas favoritos del álbum son los dos primeros, Speedway y Odyssey, que además fueron publicados como sencillo, y el épico cierre Psychosomatique, cuyo dramatismo va creciendo progresivamente. L’Obsession d’Archibald es, a mi juicio, el corte que más se acerca al sonido que Jarre desarrollaba por entonces, mientras que Watch It recuerda más a lo que hacía la banda Space.
En este artículo traigo el álbum 天界 (Ten Kai / Astral Trip), primer álbum en solitario del músico japonés Kitarō.
Masanori Takahashi (en japonés: 高橋正則; nacido el 4 de febrero de 1953 en Toyohashi, Prefectura de Aichi, Japón), más conocido como Kitarō (en japonés: 喜多郎), es un músico, compositor y multiinstrumentista japonés. Famoso por su música electrónica instrumental, es considerado uno de los artistas más destacados del género new age. En 2001 ganó el Premio Grammy al mejor álbum de new age por Thinking of You (1999), acumulando un impresionante récord de 16 nominaciones en la misma categoría.
Masanori Takahashi, budista practicante, nació en el seno de una familia de campesinos sintoístas y se graduó en la Toyohashi Commercial High School.
El nombre 'Kitaro' viene de el largo cabello que llevaba en el instituto, que recordaba al protagonista del manga 'GeGeGe no Kitaro', apodado también 'Kitaro'.
Mientras estaba en el instituto, inspirado por la música del R&B de Otis Redding, aprendió por su cuenta a tocar la guitarra. A este respecto él señala que nunca tuvo una educación musical y que sólo aprendió a confiar en sus oídos y en sus sentimientos. Atribuye sus creaciones a una fuerza que está más allá de él. "Esta música no proviene de mi mente," señala. "Es del cielo, pasa a través de mi cuerpo y sale por mis dedos convirtiéndose en una composición. A veces me maravillo. Nunca practico. No leo ni escribo música, pero mis dedos se mueven. Me pregunto, '¿De quién es esta canción?' Escribo mis temas pero no son mis temas".
Mientras estudiaba en el Toyohashi Commercial High School, formó junto a unos amigos el grupo Albatross. En esa época tocaban en fiestas y clubes temas de rhythm and blues y versiones de The Beatles. Empezó con la guitarra, pero luego pasó a los teclados. Justo antes de unas presentaciones, el baterista tuvo un accidente y Kitaro lo reemplazó. Poco después, el bajista sufrió una lesión y tuvo que aprender también a tocar el bajo.
Después de graduarse, sus padres se opusieron al principio a que su hijo siguiera una carrera musical. Con la intención de guiarlo hacia lo que ellos consideraban correcto, le consiguieron un empleo en una empresa local. Sin decir nada, él decidió no presentarse al trabajo, hasta que logró convencerlos de que debía dedicarse a algo que realmente le apasionara. Sin embargo, se fue de su casa y se mantuvo haciendo trabajos de media jornada como cocinero y trabajos en la administración pública mientras componía sus temas por las noches.
Se mudó a Tokio para experimentar y sumergirse en la escena musical y comenzó a buscar bandas para tocar. Tocando los teclados descubrió el sintetizador. Su primero fue uno analógico, y recuerda que “simplemente amaba el sonido analógico que producía en comparación con el sonido digital actual”. A comienzos de los años 70, se dedicó por completo a los teclados.
The Far East Family Band
En 1973, Fumio Miyashita reformó su banda la cual pasó a llamarse The Far East Family Band. Excepto él, todos los demás eran nuevos componentes: Hirohito Fukushima (voces, guitarra), Akira Ito (teclados), Akira Fukakusa (bajo), Shizuo Takasaki (batería) y Masanori Takahashi"Kitaro" (teclados, percusión).
The Far East Family Band
The Cave Down To Earth
En 1974, The Far East Family Band produjo su primer LP, "The Cave" Down To Earth. Tiene un sonido espacial y ligeramente psicodélico y contiene elementos étnicos que le dan a la música un toque original. El álbum fue grabado entre marzo y mayo de 1975 en los estudios Nippon Columbia. Las letras fueron en inglés.
Portada del álbum The Cave
Nipponjin
Con el objeto de conseguir la proyección internacional de Far East Family Band, el manager y la banda se trasladaron a Hamburgo. El objetivo es hacer una nueva versión del álbum Nihonjin de Far Out con la inclusión de sintetizadores y pensaban encontrar en Alemania, cuna del krautrock, la ayuda necesaria. El álbum, para diferenciarlo se titularía Nipponjin, se iba a publicar con Polygram y en Hamburgo se encontraba la filial Metronome. Allí coincidieron con Klaus Schulze, que se encontraba de visita, lo que hacía habitualmente. Schulze le dio a Kitaro algunos consejos para el uso de sintetizadores.
Klaus Schulze
El álbum había sido grabado como el anterior, entre marzo y mayo de 1975 en los estudios Nippon Columbia, pero faltaba hacer la mezcla final. Tras la amable petición del manager de la banda, Schulzeaceptó la oferta de producir el álbum. Para ello se trasladó a Tokio en agosto de 1975.
Portada del álbum Nipponjin
Parallel World
Gracias a los buenos resultados obtenidos con el álbum Nipponjin, propusieron a Schulze la producción del siguiente álbum de FEFB. Esta vez intentarían hacer las cosas bien desde el principio y Schulze asistiría también a la grabación. O porque Schulze tenía otros compromisos y no podía desplazarse a Japón, o porque querían hacer la grabación en un mejor estudio, decidieron esta vez que se grabaría en Europa. Y como Schulze aún tenía contrato con Virgin, decidieron que se grabaría en el estudio de ellos, The Manor, donde se había grabado el Tubular Bellsde Mike Oldfield. También tenían la intención de que Virgin distribuyera el álbum fuera de Japón como había hecho con Schulze. Era ideal porque durante la grabación, los músicos se podían quedar a vivir en el propio estudio.
Tras la finalización del compromiso de Klaus Schulze, la banda decidió volver a la música que realizaba antes de los dos álbumes producidos por el alemán. Eso precipitó la marcha en 1976 de Kitaro, que dejó la banda para viajar por Asia (China, Laos, Tailandia, India). De vuelta en Japón, comenzó su carrera en solitario en 1977.
El que sería su primer álbum en solitario fue grabado entre noviembre de 1977 y febrero de 1978 en los Thunder Sound Studios de Tokyo y mezclado en marzo de 1978 en el Victor Studio, Tokyo. Actuaron como ingenieros Y. Kawanishi y el propio Kitaro. Fue producido por Takao Nanri.
Takao Nanri
Kitaro tocó todos los instrumentos excepto el shakuhachi y la biwa tocados por Ryusuke Seto y el sitar por Lavi.
Ryusuke Seto
Kitaro es una persona muy modesta y manifiesta un gran respeto por la naturaleza.
"La naturaleza me inspira. Yo sólo soy un mensajero. Para mí, algunos temas son como las nubes, otros son como el agua."
Kitaro
El resultado es un rock progresivo electrónico con influencias orientales que algunos han calificado de premonitorio del New Age.
Contenido del álbum
La pieza de apertura, By the Sea Side, es una contemplación electrónica pausada: un tejido titilante y burbujeante de sintetizadores que avanzan como olas somnolientas, alternando entre suavidad y rapidez. Soul of the Sea va despertando poco a poco, animada por percusión exótica, relajantes rasgueos acústicos y una fanfarria de sintetizadores con trinos orientales y motivos de sabor Moog.
Gruñidos Moog, electrónica zumbante y tensiones de sitar resuenan a lo largo del psicodélico Micro Cosmos, un tema que podría haber encajado sin esfuerzo en el Krautrock. El elegante Beat avanza con programación secuenciada y un sigilo que flota sobre atmósferas al estilo Klaus Schulze. El cierre de la primera cara, Fire, termina revelando poderosos y espaciales motivos de sintetizador, cercanos a Pink Floyd y Eloy, que se imponen entre la neblina de rasgueos de guitarra y tambores contundentes.
La segunda cara de Ten Kai funciona casi como una suite continua. Comienza con la mandolina soñadora de Mu, que filtra pulsos panorámicos y derivas contemplativas de aire delicadamente cósmico. Dawn of the Astral crece en presencia alrededor de tambores retumbantes; Endless Dreamy World sostiene una atmósfera flotante y expansiva; y Kaiso Organ aporta guitarra acústica serena y un alegre tarareo.
El suntuoso cierre del álbum, Astral Voyage (a veces mencionado como Astral Trip, título que también aparece en ciertas ediciones del propio disco), inicia como un vagabundeo tranquilo y discreto, impregnado de misterio oriental. En su segunda mitad asciende lentamente, evocando a los alemanes Eloy y a los momentos más serenos del Oxygene de Jean‑Michel Jarre.
Lanzamiento del álbum
La portada fue diseñada por el propio Kitaro. El álbum fue publicado en Japón en 1978.
También fue publicado en Alemania solamente con el título Ten Kai.
Dio su primer concierto sinfónico en el Small Hall de la Kosei Nenkin Kaikan en Shinjuku, Tokio. Durante este concierto Kitaro usó un sintetizador para recrear el sonido de 40 instrumentos diferentes, fue el primero en el mundo en hacerlo.
Fue publicado por primera vez en CD en 1984 en Japón con Invitation.
Fue publicado en edición club en Estados Unidos en 1985 en LP y casete con el título Astral Voyage y una portada diferente. Coincide con el momento que fue conocido internacionalmente gracias al auge de la música New Age y firmó un contrato con Geffen Records para la distribución de sus álbumes por todo el mundo.
Fue publicado remasterizado en edición limitada numerada en Hong Kong en 2014.
En 2020 se publicó en formato SACD en Japón.
Créditos:
- Kitaro / sintetizadores (Moog, Korg, ARP, Roland), bajo, guitarra acústica, koto, mandolina, batería y percusión, compositor y arreglista
Con:
- Ryosuke Seto / biwa, shakuhachi
- Lavi / sitar
Opinión personal
Aunque suele clasificarse dentro de la new age, Kitaro en aquella época venía de la Far East Family Band y estaba profundamente marcado por la influencia de Klaus Schulze. Por eso, para mí, este trabajo se acerca más a un rock progresivo electrónico con tintes cósmicos y psicodélicos. El álbum puede escucharse como una suite larga y continua, donde cada pieza fluye hacia la siguiente. Es un disco muy ecléctico en el que destacan los pasajes cósmicos de By the Seaside, Endless Dreamy World y Astral Trip; el toque floydiano de Fire; y mi favorita, la animada Dawn of the Astral. Kaisō, con su guitarra acústica, evoca claramente a Mike Oldfield. El conjunto se completa con Soul of the Sea, de aire oriental que remite a la Far East Family Band; el psicodélico Micro Cosmos; Beat, que suena a puro krautrock; y la ambiental y experimental Mu.
