En este artículo traemos los comienzos y primer álbum homónimo de la banda francesa de música electrónica Space Art.
Space Art
Space Art es un dúo francés de música electrónica formado por Dominique Perrier en los teclados y Roger Rizzitelli en la batería. Lanzaron tres álbumes entre 1977 y 1981. Su música a menudo se describe como synth-pop cósmico (o synth disco), y el dúo es considerado pionero del género electrónico francés. En 2017, Dominique Perrier se asoció con Tommy Rizzitelli, el hijo de Roger, para componer un nuevo álbum, Entrevues, lanzado en 2020.
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En un anterior artículo comentamos sus comienzos y su primer álbum homónimo publicado en 1976: 1977: El ónix y el arte espacial.
Su segundo álbum que se titularía Trip In The Head Center fue grabado y mezclado en el estudio Ferber de Paris en 1977. Su siguiente álbum sería grabado también en dicho estudio.
De la grabación se ocuparon Franck Redlich, Jacques Dutillet, Joël Atlan e Yves Galli y de la mezcla René Ameline.
René Ameline
Al RP Odyssey que usaban como metrónomo añadieron Mellotron, Eminent 310, Hammond B-3...pero no usaron un secuenciador.
El estilo musical de la banda a menudo se describe como synthpop cósmico.
El álbum Trip In The Center Head fue publicado en 1977 en Francia. En 1978 fue lanzado en Alemania, Canadá y Grecia. La ilustración de la portada fue de Jean-Auguste Ringard.
Se extrajo el sencillo Speedway / Odyssey que fue publicado en Francia, Austria y Alemania.
Portada del sencillo en Austria y Alemania
En el siguiente video de una actuación se ve que visten los trajes ignífugos y además añaden un tercer componente, todo para parecerse más a la banda Space. ¿Podría ser ese tercer hombre Jean-Michel Jarre?
Los dos bonus tracks correspondían a un sencillo independiente publicado en 1978.
En 2010 fue publicado en MP3.
El 11 de noviembre de 2016 fue publicada una edición especial que incluía LP y CD.
Opinión personal
Space Art se disolvió en 1981 para acompañar a Jean‑Michel Jarre en su gira por China. Aunque originalmente eran un dúo, en las actuaciones en directo aparecieron como un trío. No era posible reconocerlos porque llevaban trajes ignífugos que ocultaban su identidad. Siempre he sido partidario de la teoría de que ese tercer integrante era el propio Jarre, quien podría haber estado implicado en el proyecto desde sus inicios.
Los tres músicos se conocieron en 1973, cuando colaboraron con el cantante francés Christophe, mucho antes de que Space Art saliera a la luz. De hecho, Christophe desempeñó un papel importante en el lanzamiento del proyecto. En aquella época era habitual que los artistas usaran seudónimos o actuaran disfrazados para eludir contratos discográficos o para publicar música que se apartara de su estilo habitual. Jarre ya había recurrido a alias como Jammie Jefferson. Ese mismo año, por ejemplo, Vangelis lanzó un single de música disco bajo el seudónimo Mama‑O.
Con un sonido de rock espacial más cercano al estilo de Jarre o al krautrock alemán, considero que fue un error intentar aproximarse a la banda Space de Didier Marouani, cuyo enfoque estaba mucho más orientado hacia la música disco electrónica. Creo que habrían alcanzado mayor éxito si hubieran tomado como referencia lo que hacía Jarre en solitario o grupos como Tangerine Dream. Su estilo anticipa el synth‑pop que sería popular a principios de los años 80, por lo que pueden considerarse adelantados a su tiempo.
Mis temas favoritos del álbum son los dos primeros, Speedway y Odyssey, que además fueron publicados como sencillo, y el épico cierre Psychosomatique, cuyo dramatismo va creciendo progresivamente. L’Obsession d’Archibald es, a mi juicio, el corte que más se acerca al sonido que Jarre desarrollaba por entonces, mientras que Watch It recuerda más a lo que hacía la banda Space.
En este artículo traigo el álbum 天界 (Ten Kai / Astral Trip), primer álbum en solitario del músico japonés Kitarō.
Masanori Takahashi (en japonés: 高橋正則; nacido el 4 de febrero de 1953 en Toyohashi, Prefectura de Aichi, Japón), más conocido como Kitarō (en japonés: 喜多郎), es un músico, compositor y multiinstrumentista japonés. Famoso por su música electrónica instrumental, es considerado uno de los artistas más destacados del género new age. En 2001 ganó el Premio Grammy al mejor álbum de new age por Thinking of You (1999), acumulando un impresionante récord de 16 nominaciones en la misma categoría.
Masanori Takahashi, budista practicante, nació en el seno de una familia de campesinos sintoístas y se graduó en la Toyohashi Commercial High School.
El nombre 'Kitaro' viene de el largo cabello que llevaba en el instituto, que recordaba al protagonista del manga 'GeGeGe no Kitaro', apodado también 'Kitaro'.
Mientras estaba en el instituto, inspirado por la música del R&B de Otis Redding, aprendió por su cuenta a tocar la guitarra. A este respecto él señala que nunca tuvo una educación musical y que sólo aprendió a confiar en sus oídos y en sus sentimientos. Atribuye sus creaciones a una fuerza que está más allá de él. "Esta música no proviene de mi mente," señala. "Es del cielo, pasa a través de mi cuerpo y sale por mis dedos convirtiéndose en una composición. A veces me maravillo. Nunca practico. No leo ni escribo música, pero mis dedos se mueven. Me pregunto, '¿De quién es esta canción?' Escribo mis temas pero no son mis temas".
Mientras estudiaba en el Toyohashi Commercial High School, formó junto a unos amigos el grupo Albatross. En esa época tocaban en fiestas y clubes temas de rhythm and blues y versiones de The Beatles. Empezó con la guitarra, pero luego pasó a los teclados. Justo antes de unas presentaciones, el baterista tuvo un accidente y Kitaro lo reemplazó. Poco después, el bajista sufrió una lesión y tuvo que aprender también a tocar el bajo.
Después de graduarse, sus padres se opusieron al principio a que su hijo siguiera una carrera musical. Con la intención de guiarlo hacia lo que ellos consideraban correcto, le consiguieron un empleo en una empresa local. Sin decir nada, él decidió no presentarse al trabajo, hasta que logró convencerlos de que debía dedicarse a algo que realmente le apasionara. Sin embargo, se fue de su casa y se mantuvo haciendo trabajos de media jornada como cocinero y trabajos en la administración pública mientras componía sus temas por las noches.
Se mudó a Tokio para experimentar y sumergirse en la escena musical y comenzó a buscar bandas para tocar. Tocando los teclados descubrió el sintetizador. Su primero fue uno analógico, y recuerda que “simplemente amaba el sonido analógico que producía en comparación con el sonido digital actual”. A comienzos de los años 70, se dedicó por completo a los teclados.
The Far East Family Band
En 1973, Fumio Miyashita reformó su banda la cual pasó a llamarse The Far East Family Band. Excepto él, todos los demás eran nuevos componentes: Hirohito Fukushima (voces, guitarra), Akira Ito (teclados), Akira Fukakusa (bajo), Shizuo Takasaki (batería) y Masanori Takahashi"Kitaro" (teclados, percusión).
The Far East Family Band
The Cave Down To Earth
En 1974, The Far East Family Band produjo su primer LP, "The Cave" Down To Earth. Tiene un sonido espacial y ligeramente psicodélico y contiene elementos étnicos que le dan a la música un toque original. El álbum fue grabado entre marzo y mayo de 1975 en los estudios Nippon Columbia. Las letras fueron en inglés.
Portada del álbum The Cave
Nipponjin
Con el objeto de conseguir la proyección internacional de Far East Family Band, el manager y la banda se trasladaron a Hamburgo. El objetivo es hacer una nueva versión del álbum Nihonjin de Far Out con la inclusión de sintetizadores y pensaban encontrar en Alemania, cuna del krautrock, la ayuda necesaria. El álbum, para diferenciarlo se titularía Nipponjin, se iba a publicar con Polygram y en Hamburgo se encontraba la filial Metronome. Allí coincidieron con Klaus Schulze, que se encontraba de visita, lo que hacía habitualmente. Schulze le dio a Kitaro algunos consejos para el uso de sintetizadores.
Klaus Schulze
El álbum había sido grabado como el anterior, entre marzo y mayo de 1975 en los estudios Nippon Columbia, pero faltaba hacer la mezcla final. Tras la amable petición del manager de la banda, Schulzeaceptó la oferta de producir el álbum. Para ello se trasladó a Tokio en agosto de 1975.
Portada del álbum Nipponjin
Parallel World
Gracias a los buenos resultados obtenidos con el álbum Nipponjin, propusieron a Schulze la producción del siguiente álbum de FEFB. Esta vez intentarían hacer las cosas bien desde el principio y Schulze asistiría también a la grabación. O porque Schulze tenía otros compromisos y no podía desplazarse a Japón, o porque querían hacer la grabación en un mejor estudio, decidieron esta vez que se grabaría en Europa. Y como Schulze aún tenía contrato con Virgin, decidieron que se grabaría en el estudio de ellos, The Manor, donde se había grabado el Tubular Bellsde Mike Oldfield. También tenían la intención de que Virgin distribuyera el álbum fuera de Japón como había hecho con Schulze. Era ideal porque durante la grabación, los músicos se podían quedar a vivir en el propio estudio.
Tras la finalización del compromiso de Klaus Schulze, la banda decidió volver a la música que realizaba antes de los dos álbumes producidos por el alemán. Eso precipitó la marcha en 1976 de Kitaro, que dejó la banda para viajar por Asia (China, Laos, Tailandia, India). De vuelta en Japón, comenzó su carrera en solitario en 1977.
El que sería su primer álbum en solitario fue grabado entre noviembre de 1977 y febrero de 1978 en los Thunder Sound Studios de Tokyo y mezclado en marzo de 1978 en el Victor Studio, Tokyo. Actuaron como ingenieros Y. Kawanishi y el propio Kitaro. Fue producido por Takao Nanri.
Takao Nanri
Kitaro tocó todos los instrumentos excepto el shakuhachi y la biwa tocados por Ryusuke Seto y el sitar por Lavi.
Ryusuke Seto
Kitaro es una persona muy modesta y manifiesta un gran respeto por la naturaleza.
"La naturaleza me inspira. Yo sólo soy un mensajero. Para mí, algunos temas son como las nubes, otros son como el agua."
Kitaro
El resultado es un rock progresivo electrónico con influencias orientales que algunos han calificado de premonitorio del New Age.
Contenido del álbum
La pieza de apertura, By the Sea Side, es una contemplación electrónica pausada: un tejido titilante y burbujeante de sintetizadores que avanzan como olas somnolientas, alternando entre suavidad y rapidez. Soul of the Sea va despertando poco a poco, animada por percusión exótica, relajantes rasgueos acústicos y una fanfarria de sintetizadores con trinos orientales y motivos de sabor Moog.
Gruñidos Moog, electrónica zumbante y tensiones de sitar resuenan a lo largo del psicodélico Micro Cosmos, un tema que podría haber encajado sin esfuerzo en el Krautrock. El elegante Beat avanza con programación secuenciada y un sigilo que flota sobre atmósferas al estilo Klaus Schulze. El cierre de la primera cara, Fire, termina revelando poderosos y espaciales motivos de sintetizador, cercanos a Pink Floyd y Eloy, que se imponen entre la neblina de rasgueos de guitarra y tambores contundentes.
La segunda cara de Ten Kai funciona casi como una suite continua. Comienza con la mandolina soñadora de Mu, que filtra pulsos panorámicos y derivas contemplativas de aire delicadamente cósmico. Dawn of the Astral crece en presencia alrededor de tambores retumbantes; Endless Dreamy World sostiene una atmósfera flotante y expansiva; y Kaiso Organ aporta guitarra acústica serena y un alegre tarareo.
El suntuoso cierre del álbum, Astral Voyage (a veces mencionado como Astral Trip, título que también aparece en ciertas ediciones del propio disco), inicia como un vagabundeo tranquilo y discreto, impregnado de misterio oriental. En su segunda mitad asciende lentamente, evocando a los alemanes Eloy y a los momentos más serenos del Oxygene de Jean‑Michel Jarre.
Lanzamiento del álbum
La portada fue diseñada por el propio Kitaro. El álbum fue publicado en Japón en 1978.
También fue publicado en Alemania solamente con el título Ten Kai.
Dio su primer concierto sinfónico en el Small Hall de la Kosei Nenkin Kaikan en Shinjuku, Tokio. Durante este concierto Kitaro usó un sintetizador para recrear el sonido de 40 instrumentos diferentes, fue el primero en el mundo en hacerlo.
Fue publicado por primera vez en CD en 1984 en Japón con Invitation.
Fue publicado en edición club en Estados Unidos en 1985 en LP y casete con el título Astral Voyage y una portada diferente. Coincide con el momento que fue conocido internacionalmente gracias al auge de la música New Age y firmó un contrato con Geffen Records para la distribución de sus álbumes por todo el mundo.
Fue publicado remasterizado en edición limitada numerada en Hong Kong en 2014.
En 2020 se publicó en formato SACD en Japón.
Créditos:
- Kitaro / sintetizadores (Moog, Korg, ARP, Roland), bajo, guitarra acústica, koto, mandolina, batería y percusión, compositor y arreglista
Con:
- Ryosuke Seto / biwa, shakuhachi
- Lavi / sitar
Opinión personal
Aunque suele clasificarse dentro de la new age, Kitaro en aquella época venía de la Far East Family Band y estaba profundamente marcado por la influencia de Klaus Schulze. Por eso, para mí, este trabajo se acerca más a un rock progresivo electrónico con tintes cósmicos y psicodélicos. El álbum puede escucharse como una suite larga y continua, donde cada pieza fluye hacia la siguiente. Es un disco muy ecléctico en el que destacan los pasajes cósmicos de By the Seaside, Endless Dreamy World y Astral Trip; el toque floydiano de Fire; y mi favorita, la animada Dawn of the Astral. Kaisō, con su guitarra acústica, evoca claramente a Mike Oldfield. El conjunto se completa con Soul of the Sea, de aire oriental que remite a la Far East Family Band; el psicodélico Micro Cosmos; Beat, que suena a puro krautrock; y la ambiental y experimental Mu.
En este artículo traemos el álbum The Hall Of Floaters In The Sky de la banda húngara Omega publicado en 1975.
La formación clásica de Omega en 1976 (de izquierda a derecha: Ferenc Debreczeni, János Kóbor, László Benkő, Tamás Mihály, György Molnár)
Omega fue una banda de rock húngara formada en 1962, considerada la más exitosa en la historia del país. Lanzaron más de 20 álbumes en húngaro e inglés, y uno en alemán. Después de varios cambios de integrantes en sus inicios, su formación clásica se consolidó en 1971 y se mantuvo igual por más de cuarenta años. El vocalista János Kóbor estuvo presente de forma continua desde 1962 hasta su fallecimiento en 2021, mientras que el teclista y cantante László Benkő lo estuvo desde 1962 hasta su muerte en 2020. El guitarrista György Molnár y el bajista Tamás Mihály se unieron en 1967, y el baterista Ferenc Debreczeni en 1971. La banda recibió varios premios prestigiosos por sus aportes a la cultura húngara.
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En un anterior artículo comentamos el álbum homónimo de la banda húngara Omega cantado en inglés y publicado en 1973: 1973: Omega cantando en inglés.
Era común que las canciones que publicaban en inglés también las hicieran en húngaro. Sin embargo, en el álbum The Hall Of Floaters In The Sky se encuentra la única canción que no grabaron en húngaro: Never Feel Shame.
Del álbum Élő Omega (200 Évvel Az Utolsó Háború Után) de 1972 se incluyó el tema One Man's Land titulado en húngaro Hűtlen Barátok (Amigos infieles).
Los cuatro temas que se publicaron en húngaro ese mismo año en su álbum Nem Tudom A Neved, y que aún no habían sido incluidos en álbumes anteriores en inglés, lo hicieron en este.
La banda estaba ganando popularidad internacional y decidió que su próximo álbum debía sonar aún más inglés, así que se fue a grabarlo a Londres. Sin embargo, su pronunciación del idioma no era muy buena y resultaba difícil entender las letras.
El álbum The Hall Of Floaters In The Sky se grabó en los estudios Chipping Norton de Londres en 1975, con el ingeniero Barry Hammond, los efectos de sonido especiales de Fred Schreier y la producción de Peter Hauke. No se grabó en cuadrafónico como los anteriores álbumes.
Peter Hauke
Contaron con la orquestación de Christian Kolonovits.
Ilustraciones
La funda fue realizada por diseñador alemán Helmut Wenske con una ilustración de la portada de Klaus Holitzka. La portada no desmerece la aparecida en otras bandas británicas tales como Uriah Heep.
Helmut Wenske
Lanzamiento del álbum
El álbum The Hall Of Floaters In The Sky fue lanzado en 1975 en Alemania en LP con Bacillus Records y en el Reino Unido con Decca. También fue publicado en Yugoslavia, España y Países Bajos.
György Molnár / guitarras eléctricas, guitarras de 12 cuerdas y acústicas
László Benkő / órgano, piano de cola, Fender, Elka Rapsody, clavieta Hohner, Moog, coros
Tamás Mihály / bajo
Ferenc Debreceni / batería, percusión, campanas tubulares, coros
Reediciones
Fue publicado por primera vez en CD en 1993.
Volvió a ser publicado en LP y en ficheros WAV en 2023.
Opinión personal
En este álbum finalmente desarrollan por completo el sonido de rock progresivo sinfónico que los caracterizará en adelante. Se perciben claras influencias de bandas británicas como Yes o Genesis; por ejemplo, los teclados del tema que da título al álbum evocan a Yes. Por su parte, Never Feel Shame recuerda más a Pink Floyd, mientras que el cierre con 20th Century Town Dweller evoca a Uriah Heep, con excelentes solos de guitarra y, para mí, el mejor del disco. El único tema ajeno a este nuevo estilo es One Man Land, una versión de una canción de 1972, más dura y psicodélica. Además, Magician funciona como un tema de transición entre ambos estilos.
