El rock progresivo tiene una larga tradición en Latinoamérica desde los años 1970, principalmente en Brasil, Argentina, Uruguay y Chile, por provenir de ahí las bandas que fueron pioneras en este estilo hacia 1970 (Som Imaginario de Brasil, Arco Iris de Argentina y Kissing Spell de Chile), además que grabaron en español usando ese estilo, a diferencia de países que grababan íntegramente en inglés. En algunos de estos grupos, la influencia de las bandas anglosajonas convive con el interés por la música folclórica, dando lugar a fusiones musicales propias.
En Brasil, algunos artistas que comenzaron su carrera salidos del movimiento psicodélico a finales de los años 60s, editaron algunos discos cercanos a esta corriente.
Este artículo lo dedicamos a la banda O Têrço que es una banda brasileña formada en Río de Janeiro en 1968 por Jorge Amiden (guitarra), Sérgio Hinds (bajo) y Vinícius Canterbury (batería). La banda comenzó a tocar rock clásico, pero pronto tendió al rock progresivo y al rock rural y pop con el sonido y la diversidad musical de la banda. En este artículo repasamos su etapa progresiva hasta el álbum Casa Encantada publicado en 1976.
Según el guitarrista Sérgio Hinds (único miembro presente en todas las formaciones de la banda), se eligió la palabra "terço" ("tercero") como nombre de la banda porque es la "tercera parte de algo", como en un Rosario (O Terço en portugués significa El Rosario). El nombre cayó como un guante debido a que la primera formación de la banda era un trío (guitarra eléctrica, bajo eléctrico, batería). Inicialmente, el nombre elegido había sido "Santísima Trinidad", pero para evitar fricciones con la Iglesia Católica, se adoptó O Terço.
Sérgio Hinds
O Terço se originó principalmente a partir de dos grupos, la Joint Stock Co. (de la que formaban parte Jorge Amiden, Vinícius Canterbury, Cezar de Mercês y Sérgio Magrão) y Hot Dogs (que formaba parte de Sérgio Hinds). Todos ellos formarían parte de la banda en varias ocasiones.
Esta formación grabó su primer LP homónimo en 1970, con una mezcla de rock, folk y música clásica. En el primer álbum, O Terço aún no era progresivo pleno, pero es un trabajo seminal en la historia de la música progresiva brasileña. Hay influencias obvias del Moody Blues y Pink Floyd.
O Terço en esta época tocaba en varios festivales. Con la canción "Velhas Histórias", compuesta por Renato Côrrea y Guarabyra, el grupo ganó el Festival Juiz de Fora. En un festival universitario, la banda quedó en 2º lugar defendiendo la canción "Espaço Branco" de Vermelho y Flávio Venturini (quien más tarde se uniría al grupo).
La banda también clasificó las canciones "Tributo ao Sorriso" (3er lugar en 1970) y "O Visitante" (7to lugar en 1971), en dos ediciones del Festival Internacional de la Canción (FIC), lo que llevó a la banda a convertirse en el grupo revelación por los medios especializados, especialmente el trabajo vocal en falsete, que era una de las características de la banda.
Sergio Hinds se había alejado del grupo para tocar con Ivan Lins. Fue entonces cuando Jorge Amiden llamó a Cezar de Mercês para que se uniera al grupo como bajista. Sérgio Hinds regresó poco después para completar el cuarteto.
O Terço con Jorge Amiden
En asociación con Guarabyra, el grupo creó el violonchelo eléctrico (interpretado por Sérgio Hinds) y la guitarra de tres brazos (apodada "tritarra", interpretada por Jorge Amiden). Así es como O Terço lanzó un EP en 1971 con 5 canciones, incluyendo un tema de Bach, que mostró la influencia clásica de la banda.
El sencillo Ilusão de Ótica" / "Tempo é Vento" de 1972
Jorge Amiden deja el grupo en 1972. O Terço quedó compuesto entonces con Sérgio Hinds (guitarra), Cezar de Mercês (bajo) y Vinícius Canterbury (batería). También a mediados de 1972, O Terço participó en la grabación del disco Vento Sul de Marcos Valle. También participaron en algunos temas del trío "Paulo, Claudio e Maurício", formado por los hermanos gemelos Paulo
y Claudio Guimarães (flauta y guitarra) y el arreglista Maurício Maestro, así como el guitarrista Frederiko (Fredera), ex Som Imaginário. O Terço junto a Marcos Valle recorrieron el país y tocaron en el Festival Midem de Cannes, Francia.
Influenciado por el rock progresivo inglés, O Terço cambió su sonido y en 1972 lanzó un sencillo más pesado con las canciones "Ilusão de Ótica" y "Tempo é Vento".
En 1973 lanzaron su segundo álbum homónimo conocido en el mundillo como O Terço II. En el álbum el grupo muestra que realmente querían tocar rock progresivo aunque su sonido se hace más duro en línea con grupos como King Crimson o Led Zeppelin. El álbum contenía una larga suite llamada "Amanhecer Total" que ocupa toda la cara dos del disco, compuesta por los tres integrantes y que cuenta con la participación de Luiz Paulo Simas en teclados sintetizadores (Módulo 1000), Patrícia do Valle con la voz en la introducción del tema "Cores", Chico Batera en percusión y Maran Schagen terminando el tema "Final Colors" en el piano. El músico Paulo Moura también participó en el álbum, tocando el saxofón alto en la canción "Você aí".
Después de la grabación del segundo álbum, Vinícius Cantuária dejó la banda para tocar con Caetano Veloso. Se unieron a la banda Sérgio Magrão (bajo) y Luiz Moreno (batería) para tocar junto con Sérgio Hinds (guitarra) y Cezar de Mercês (guitarra rítmica).
Sérgio Magrão
El acercamiento del grupo al dúo Sá e Guarabyra dio un giro en la carrera de O Terço. En ese momento, fueron invitados a grabar un álbum con el dúo (Nunca, 1974). Esta proximidad al llamado "rock rural" del dúo influyó enormemente en el sonido de la banda en su fase posterior.
Sérgio Hinds pidió un tecladista y Milton Nascimento les sugirió a Flávio Venturini. Con el nuevo teclista, O Terço comenzó, ya en 1974, a grabar el tercer álbum de la banda. Cezar de Mercês dejó el grupo, pero continuó como compositor y colaborador de la banda.
Cezar de Mercês
En 1975, Sérgio Hinds (guitarra), Sérgio Magrão (bajo), Luiz Moreno (batería) y Flávio Venturini (teclado y viola), completaron la grabación de su tercer álbum, Criaturas da Noite.
El álbum comienza con el bajo palpitante de Magrão con una introducción del rock simple del tema "Hey Amigo", una composición de Cezar de Mercês que se convirtió en uno de los grandes clásicos de la banda. La influencia del rock rural está muy presente en los temas "Queimada" y "Jogo das Pedras" (ambos de Flávio Venturini y Cezar de Mercês). La canción que da título al álbum (Flávio Venturini / Luiz Carlos Sá), cuenta con los arreglos orquestales del maestro Rogério Duprat. El álbum cuenta con los instrumentales "Ponto Final" (del baterista Luiz Moreno, quien toca el piano en la introducción de la canción) y la suite instrumental "1974", compuesta por Flávio Venturini.
Lanzamiento del tercer álbum
Criaturas da Noite fue lanzado en 1975 en Brasil. La portada del álbum fue diseñada por Antonio y André Peticov y se llamó ""A Compreensão" (La compresión). Se publicó inicialmente con una carpeta desplegable.
Portada del álbum Creatures of the Night
Apuntando al mercado internacional, la banda grabó también las letras de este álbum en inglés, titulando la versión en inglés Creatures of the Night. En 1977 se lanzó en Italia y Chile.
Interior de la carpeta del álbum
Fue un gran éxito, le dio a Brasil su primer álbum progresivo clásico y consolidó el lugar de O Terço en la historia de la música.
Lista de temas
(Se puede acceder a la versión en inglés y a la de en portugués clicando sobre el título correspondiente)
En 1976, el grupo se fue a vivir a una granja en São Paulo. Allí se concibió todo el nuevo álbum del grupo, que tomó el nombre de Casa Encantada. El disco sigue la línea del anterior, con rock progresivo, canciones instrumentales y la influencia del rock rural. El percusionista Luiz Moreno hace la voz solista de los dos primeros temas del álbum, "Flor de La Noche" y "Luz de Vela" (ambas compuestas por Cezar de Mercês). El tema "Sentinela do Abismo" (Flávio Venturini / Márcio Borges) es una canción solista del tecladista del álbum (cantada e interpretada solo por él) con un arreglo de cuerdas dirigido por Rogério Duprat. Cezar de Mercês participó como flautista en la canción "Casa Encantada" (Flávio Venturini / Luiz Carlos Sá). El álbum termina con un tema del dúo Sá y Guarabyra, "Pássaro". El álbum fue grabado de abril a agosto de 1976 en el estudio Vice Versa de São Paulo.
Interior del álbum
Lanzamiento
El álbum se publicó en 1976 únicamente en Brasil. Se publicó inicialmente con una carpeta desplegable. La dirección artística fue de Paulo Rocco, diseño de la portada de Carlos Vergara y fotografías de Mario Luiz Thompson. La funda interior incluía letras y créditos.
Contraportada del álbum
Durante los conciertos, la banda tocaba canciones inéditas que aún no habían sido grabadas, como las instrumentales "Suíte" (Flávio Venturini) y "Raposa Azul" (Flávio Venturini / Sérgio Hinds).
En este artículo continuamos con el álbum Station to Station de David Bowie publicado en 1976 con el sencillo Golden Years.
Anteriores artículos
En un anterior artículo comentamos la película británica de ciencia ficción, The Man Who Fell to Earth (conocida como El hombre que vino de las estrellas en España y El hombre que cayó a la Tierra en Hispanoamérica) del año 1976 que protagonizó David Bowie: 1976: David Bowie es el hombre que cayó a la tierra
Portada de la banda sonora
En un anterior artículo comenzamos una serie dedicada al álbum de David Bowie, Station to Station publicado en 1976. Una primera parte lo dedicamos al nuevo personaje que desarrolló para el álbum, The Thin White Duke (el delgado duque blanco): 1976: Bowie y el Delgado Duque Blanco.
David Bowie comenzó a escribir "Golden Years" en mayo de 1975, antes de que comenzara el rodaje de la película The Man Who Fell to Earth. Las fuentes difieren en cuanto a para quién fue escrita la canción. Los biógrafos de Bowie afirman que la canción supuestamente fue escrita para el cantante estadounidense Elvis Presley, quien la rechazó. Bowie recordó posteriormente que Presley había escuchado los demos y, debido a que ambos artistas estaban firmados por RCA Records en ese momento, el mánager de Presley, el coronel Tom Parker, pensó que Bowie debería escribir canciones para Presley. Bowie declaró que había "adorado" a Presley y que le hubiera encantado trabajar con él. Aunque las oficinas de los artistas se pusieron en contacto, nada llegó a buen puerto. Presley envió una nota a Bowie diciendo: "Todo lo mejor y que tengas una gran gira"; Bowie guardó la nota por el resto de su vida. Por el contrario, Chris O'Leary afirma que la canción nunca fue presentada a Presley debido al estancamiento de las negociaciones con Parker.
Presley (centro) con sus amigos Bill Porter (izquierda) y Paul Anka (derecha) en el backstage del Hilton de Las Vegas el 5 de agosto de 1972
La primera esposa de David, Angie Bowie, afirmó más tarde que él escribió la canción para ella, diciendo que le cantó la canción por teléfono, "de la misma manera que, todos esos años antes, me había cantado [su canción de 1970] 'The Prettiest Star'. Tuvo un efecto similar. Lo compré". Según Christopher Sandford, Ava Cherry también afirmó haber sido la inspiración para la canción.
Angie Bowie en 2010
Grabación
La grabación del nuevo álbum Station to Station comenzó a finales de septiembre de 1975 y terminó en noviembre. El tema "Golden Years" fue la primera canción grabada, entre el 21 y el 30 de septiembre. En un momento dado, estaba programada para ser la canción principal del álbum. Con respecto a la grabación, Maslin recordó que la canción fue "grabada y terminada muy rápido. Supimos que estaba absolutamente perfecta en diez días. Pero el resto del álbum tardó una eternidad". Al igual que la mayoría de Station to Station, los elementos de la canción se construyeron principalmente en el estudio en lugar de haber sido escritos antes. MacCormick le dio sugerencias a Bowie para el arreglo de la canción, incluyendo la adición de las etiquetas "WAH-wah-WAH" después de los estribillos y las etiquetas "go-oh-oh-old" en los puentes. También ayudó a Bowie en las armonías de los coros, recordando en sus memorias:
Cuando llegamos a grabar los coros de la canción, David perdió la voz a mitad de camino, dejándome a mí para terminar el trabajo. Eso significaba que tenía que cantar la serie de notas imposiblemente altas antes del estribillo, que ya eran bastante difíciles para David, pero que eran un asesinato absoluto para mí."
Geoff MacCormack
Composición y letras
Al igual que la canción del álbum "Stay", "Golden Years" se basa en el estilo de Young Americans, pero con un toque más áspero y agotador. Nicholas Pegg afirma que la canción carece del «paisaje musical más acerado» del resto del álbum. La canción también utiliza elementos del doo-wop de la década de 1950; el riff de guitarra principal se basa en la canción de 1968 de Cliff Nobles and Company, "The Horse" y el estribillo vocal multipista se asemeja al sencillo de 1958 de The Diamonds, "Happy Years".
Otras pistas que influyeron en la composición de «Golden Years» incluyeron la canción de 1963 de los Drifters, «On Broadway», que Bowie tocó en el piano durante los ensayos, agregando un «come buh-buh-buh baby» después de cada línea, y la canción de 1966 de Dyke and the Blazers, «Funky Broadway» que Earl Slick usó para algunos riffs.
Si bien la canción en general se impregna del estilo de «Fame», O'Leary afirma que mezcla elementos de krautrock en el riff de guitarra principal. Los comentaristas han categorizado el sonido de la canción como funk, disco, doo-wop y pop.
"Golden Years" está en la tonalidad de Si mayor y comienza con un riff de "dos acordes simples" (F-E♯), que David Buckley cree que engancha al oyente al instante. El autor Peter Doggett dice que el riff "recuerda" -aunque "en circunstancias muy diferentes"- a la canción que da título a Aladdin Sane (1973) de Bowie. Escribió:
Los ingredientes mágicos eran de percusión: el traqueteo de las baquetas contra el platillo de hi-hat desde el principio, el sorprendente tintineo de los bloques de madera, los repentinos rellenos de batería".
Peter Doggett
Según él, estos elementos combinados "canalizan" el espíritu de Presley en los versos, con un "tono más altivo y estridente" en el estribillo. La canción presenta lo que O'Leary llama "duelo de guitarras", ambas mezcladas en canales separados: la derecha toca variaciones del riff de apertura mientras que la izquierda toca un "ritmo deslizante", haciéndose eco del "WAH-wah-WAH" con un riff de tres acordes después de los puentes.
La estructura de la canción es única, ya que los puentes varían entre dos y seis compases. El puente más largo presenta una progresión de acordes desde Sol mayor ("nada te va a tocar") a La menor ("golden") y luego un Mi menor 7º ("years"), terminando con un compás de corte de 2/4. Aquí, Bowie canta "go-oh-oh-old" mientras el bajo de Murray se superpone a un sintetizador Moog. También predomina la percusión, como palmas, vibraslap y melódica. O'Leary encuentra a Bowie casi rapeando en la tercera estrofa durante las líneas hasta "all the WAY" (cantada en Fa♯), que es seguida por las frases de "corre por las sombras" antes de otro coro.
El biógrafo Marc Spitz interpreta Station to Station como "un álbum de canciones de amor", concretamente "del tipo que escribes cuando no tienes amor en tu propia vida". De hecho, James Perone considera que "Golden Years" es el tipo de canción de amor que no incluye la palabra amor. En la canción, el narrador ofrece a un compañero la esperanza de entrar en una limusina y quedar aislado del mundo exterior. En otras palabras, le asegura a su compañera que siempre la protegerá pase lo que pase y le promete un futuro mejor. Los editores de NME, Roy Carr y Charles Shaar Murray, consideran que la letra lleva "un aire de arrepentimiento por las oportunidades perdidas y los placeres pasados". O'Leary afirma que la vida de Bowie en Los Ángeles influyó en la escritura lírica.
El 4 de noviembre de 1975, Bowie apareció en el programa de televisión estadounidense Soul Train, cantando en playback "Fame" y el entonces inédito "Golden Years". Bowie fue el segundo artista blanco en aparecer en el programa, después de Elton John seis meses antes. Durante la actuación y la entrevista, estaba visiblemente drogado y, según Pegg, estaba en un "nuevo mínimo de coherencia". Bowie más tarde se sintió avergonzado por su comportamiento, recordando en 1999 que no había aprendido "Golden Years" y fue regañado después por el DJ del programa. Spitz describe la aparición como «astuta» e «incómoda», mientras que O'Leary la llama la «aparición televisiva más solitaria y triste» de Bowie. El clip de película resultante se utilizó como video musical no oficial de la canción para su promoción en todo el mundo. Al igual que la relación de «Rebel Rebel» con Diamond Dogs (1974), «Golden Years» fue un adelanto poco representativo para el próximo álbum.
RCA lanzó "Golden Years" como el primer sencillo de Station to Station el 21 de noviembre de 1975 en el Reino Unido, mientras el álbum aún se estaba terminando. Su cara B era la canción de Young Americans, "Can You Hear Me?" con el número de catálogo RCA 2640. Tenía una duración de 3:30. La canción apareció posteriormente como la segunda pista en el álbum Station to Station, entre la canción principal y «Word on a Wing», con una duración más larga de 4:03. Según Pegg, la versión del sencillo es "esencialmente" la versión del álbum con un fundido realizado antes.
Portada del sencillo en Bélgica
Después de "Fame", "Golden Years" continuó el éxito comercial de Bowie. En el Reino Unido, donde estuvo "pisándole los talones" a la reedición de "Space Oddity", el sencillo alcanzó el número ocho en la lista de singles del Reino Unido, permaneciendo en la lista durante 10 semanas. Fue certificado plata por más de 200.000 unidades vendidas.
Pantallazo de la lista británica
El mismo día se lanzó en los Estados Unidos, alcanzando el puesto 10 en el Billboard 100 y el 12 en el Cash Box Top 100. En Canadá llegó al puesto 17 en el RPM.
También fue publicado en Australia (puesto 34 en el Kent Music Report), Nueva Zelanda (puesto 18 en el Listener), Bélgica (puesto 10 en el Ultratop 50 Flanders y puesto 28 en el Ultratop 50 Wallonia), Países Bajos (puesto 6 en el Dutch Top 40 y en el Single Top 100, Irlanda (puesto 9), Suecia (puesto 10), Alemania, Francia, España, Grecia, Rodesia, El Salvador, Portugal, Sudáfrica, Italia, Japón, Venezuela y México.
Tras la muerte de Bowie en 2016, la canción entró en numerosas listas, incluyendo Francia (193) y Bélgica región de Valonia (28).
Recepción
"Golden Years" ha recibido críticas positivas por parte de críticos musicales y biógrafos, quienes destacan su composición. John Ingham de la revista Sounds elogió el álbum, nombrando "Golden Years", "TVC 15" y "Stay" algunas de las mejores canciones de Bowie hasta ese momento. Mientras tanto, la escritora de Rolling Stone, Teri Moris, consideró la canción «la autoindulgencia más seductora de Bowie desde Pin Ups [1973]». Un crítico de Billboard sintió que Bowie había «encontrado su nicho musical» con canciones como «Fame» y «Golden Years». Record World dijo que la canción tiene «un estilo bastante sencillo y genera un atractivo básico». En su libro Starman, el biógrafo Paul Trynka llama a "Golden Years""magnífica [y] sensible", afirmando que la pista "refleja la capacidad de Bowie para salir a la superficie de un jag de cocaína y dispensar consejos profesionales perspicaces o relatar una broma hilarantemente inexpresiva". Además, Buckley considera la canción como uno de los mejores sencillos de Bowie.
Portada del sencillo en Japón
La canción ha aparecido en varias listas de las mejores canciones de Bowie. La revista Mojo la catalogó como la undécima mejor canción de Bowie en 2015. En una lista de 2016 que clasificaba cada sencillo de Bowie de peor a mejor, Ultimate Classic Rock colocó a «Golden Years» en el número 11, llamándolo «una muestra de la brillantez [del álbum]». En 2018, el personal de NME colocó la canción en el número 16 en una lista de las 40 mejores canciones de Bowie. Dos años más tarde, Tom Eames de Smooth Radio la catalogó como la 13ª mejor canción de Bowie. Ese mismo año, AlexisPetridis de The Guardian votó la canción número 14 en su lista de las 50 mejores canciones de Bowie, describiéndola como: «Un momento de alegría directa en medio del complejo y problemático terreno emocional de Station to Station».
Créditos
Según el biógrafo Chris O'Leary:
David Bowie - voz principal y coros, palmas, melódica, sintetizador Moog, productor
Carlos Alomar – guitarra solista y rítmica
Earl Slick - guitarra solista y rítmica
George Murray - bajo
Dennis Davis - batería, vibraslap
Warren Peace - percusión, coros
Harry Maslin - productor
Dennis Davis
Actuaciones en vivo
"Golden Years" fue tocada esporádicamente por Bowie en su gira Isolar de 1976. Según Thomas Jerome Seabrook, esto se debió a que Bowie tuvo dificultades para cantarla.
Más tarde, la canción hizo apariciones regulares en las giras:
Serious Moonlight de 1983. Una actuación de la gira aparece en el álbum Serious Moonlight (1983)
El sencillo fue reeditado en 1983 en Europa con Can You Hear Me? en la cara B.
Portada de la reedición de 1983
El 13 de noviembre de 2015 fue reeditado en edición limitada como disco de imagen con motivo del 40 aniversario como un doble cara A con Station To Station en el otro lado.
La canción aparecería en noviembre de 1981 como el lado B del sencillo "Wild Is the Wind", otro tema del álbum Station to Station. El sencillo se publicó para promocionar el álbum recopilatorio de 1981, Changestwobowie.
Portada del sencillo Wild is the Wind
«Golden Years» ha aparecido en varios álbumes recopilatorios, incluyendo Changesonebowie (1976), The Best of Bowie (1980), Changesbowie (1990), The Singles Collection (1993), The Best of David Bowie 1974/1979 (1998), Best of Bowie (2002), The Platinum Collection (2006), Nothing Has Changed (2014) y Legacy (The Very Best of David Bowie) (2016). En 2016, la canción fue remasterizada, junto con su álbum principal, como parte de la caja Who Can I Be Now? (1974-1976). La edición del sencillo de la canción también se incluyó en Re:Call 2, parte de ese conjunto.
La canción ha aparecido en varias películas y bandas sonoras, incluyendo Trainspotting #2: Music from the Motion Picture, Vol. #2 (1997). Una versión instrumental de la original de Bowie apareció en los créditos finales de la serie limitada estadounidense Stephen King's Golden Years (1991).
La pista estándar se incluyó en la banda sonora original de la película de Brian Helgeland de 2001, A Knight's Tale (Destino de Caballero en España; Corazón de Caballero en Hispanoamérica). La canción apareció en un nuevo remix del antiguo colaborador de Bowie, Tony Visconti, donde gradualmente reemplaza a la banda sonora medieval ya que, en palabras de Pegg, "una farandola cortesana se convierte en una locura disco". El crítico cultural Anthony Lane calificó el uso de la película de "Golden Years" como "el mejor y más honesto uso del anacronismo que conozco".