En este artículo traigo el álbum 天界 (Ten Kai / Astral Trip), primer álbum en solitario del músico japonés Kitarō.
Masanori Takahashi (en japonés: 高橋正則; nacido el 4 de febrero de 1953 en Toyohashi, Prefectura de Aichi, Japón), más conocido como Kitarō (en japonés: 喜多郎), es un músico, compositor y multiinstrumentista japonés. Famoso por su música electrónica instrumental, es considerado uno de los artistas más destacados del género new age. En 2001 ganó el Premio Grammy al mejor álbum de new age por Thinking of You (1999), acumulando un impresionante récord de 16 nominaciones en la misma categoría.
Masanori Takahashi, budista practicante, nació en el seno de una familia de campesinos sintoístas y se graduó en la Toyohashi Commercial High School.
El nombre 'Kitaro' viene de el largo cabello que llevaba en el instituto, que recordaba al protagonista del manga 'GeGeGe no Kitaro', apodado también 'Kitaro'.
Mientras estaba en el instituto, inspirado por la música del R&B de Otis Redding, aprendió por su cuenta a tocar la guitarra. A este respecto él señala que nunca tuvo una educación musical y que sólo aprendió a confiar en sus oídos y en sus sentimientos. Atribuye sus creaciones a una fuerza que está más allá de él. "Esta música no proviene de mi mente," señala. "Es del cielo, pasa a través de mi cuerpo y sale por mis dedos convirtiéndose en una composición. A veces me maravillo. Nunca practico. No leo ni escribo música, pero mis dedos se mueven. Me pregunto, '¿De quién es esta canción?' Escribo mis temas pero no son mis temas".
Mientras estudiaba en el Toyohashi Commercial High School, formó junto a unos amigos el grupo Albatross. En esa época tocaban en fiestas y clubes temas de rhythm and blues y versiones de The Beatles. Empezó con la guitarra, pero luego pasó a los teclados. Justo antes de unas presentaciones, el baterista tuvo un accidente y Kitaro lo reemplazó. Poco después, el bajista sufrió una lesión y tuvo que aprender también a tocar el bajo.
Después de graduarse, sus padres se opusieron al principio a que su hijo siguiera una carrera musical. Con la intención de guiarlo hacia lo que ellos consideraban correcto, le consiguieron un empleo en una empresa local. Sin decir nada, él decidió no presentarse al trabajo, hasta que logró convencerlos de que debía dedicarse a algo que realmente le apasionara. Sin embargo, se fue de su casa y se mantuvo haciendo trabajos de media jornada como cocinero y trabajos en la administración pública mientras componía sus temas por las noches.
Se mudó a Tokio para experimentar y sumergirse en la escena musical y comenzó a buscar bandas para tocar. Tocando los teclados descubrió el sintetizador. Su primero fue uno analógico, y recuerda que “simplemente amaba el sonido analógico que producía en comparación con el sonido digital actual”. A comienzos de los años 70, se dedicó por completo a los teclados.
The Far East Family Band
En 1973, Fumio Miyashita reformó su banda la cual pasó a llamarse The Far East Family Band. Excepto él, todos los demás eran nuevos componentes: Hirohito Fukushima (voces, guitarra), Akira Ito (teclados), Akira Fukakusa (bajo), Shizuo Takasaki (batería) y Masanori Takahashi"Kitaro" (teclados, percusión).
The Far East Family Band
The Cave Down To Earth
En 1974, The Far East Family Band produjo su primer LP, "The Cave" Down To Earth. Tiene un sonido espacial y ligeramente psicodélico y contiene elementos étnicos que le dan a la música un toque original. El álbum fue grabado entre marzo y mayo de 1975 en los estudios Nippon Columbia. Las letras fueron en inglés.
Portada del álbum The Cave
Nipponjin
Con el objeto de conseguir la proyección internacional de Far East Family Band, el manager y la banda se trasladaron a Hamburgo. El objetivo es hacer una nueva versión del álbum Nihonjin de Far Out con la inclusión de sintetizadores y pensaban encontrar en Alemania, cuna del krautrock, la ayuda necesaria. El álbum, para diferenciarlo se titularía Nipponjin, se iba a publicar con Polygram y en Hamburgo se encontraba la filial Metronome. Allí coincidieron con Klaus Schulze, que se encontraba de visita, lo que hacía habitualmente. Schulze le dio a Kitaro algunos consejos para el uso de sintetizadores.
Klaus Schulze
El álbum había sido grabado como el anterior, entre marzo y mayo de 1975 en los estudios Nippon Columbia, pero faltaba hacer la mezcla final. Tras la amable petición del manager de la banda, Schulzeaceptó la oferta de producir el álbum. Para ello se trasladó a Tokio en agosto de 1975.
Portada del álbum Nipponjin
Parallel World
Gracias a los buenos resultados obtenidos con el álbum Nipponjin, propusieron a Schulze la producción del siguiente álbum de FEFB. Esta vez intentarían hacer las cosas bien desde el principio y Schulze asistiría también a la grabación. O porque Schulze tenía otros compromisos y no podía desplazarse a Japón, o porque querían hacer la grabación en un mejor estudio, decidieron esta vez que se grabaría en Europa. Y como Schulze aún tenía contrato con Virgin, decidieron que se grabaría en el estudio de ellos, The Manor, donde se había grabado el Tubular Bellsde Mike Oldfield. También tenían la intención de que Virgin distribuyera el álbum fuera de Japón como había hecho con Schulze. Era ideal porque durante la grabación, los músicos se podían quedar a vivir en el propio estudio.
Tras la finalización del compromiso de Klaus Schulze, la banda decidió volver a la música que realizaba antes de los dos álbumes producidos por el alemán. Eso precipitó la marcha en 1976 de Kitaro, que dejó la banda para viajar por Asia (China, Laos, Tailandia, India). De vuelta en Japón, comenzó su carrera en solitario en 1977.
El que sería su primer álbum en solitario fue grabado entre noviembre de 1977 y febrero de 1978 en los Thunder Sound Studios de Tokyo y mezclado en marzo de 1978 en el Victor Studio, Tokyo. Actuaron como ingenieros Y. Kawanishi y el propio Kitaro. Fue producido por Takao Nanri.
Takao Nanri
Kitaro tocó todos los instrumentos excepto el shakuhachi y la biwa tocados por Ryusuke Seto y el sitar por Lavi.
Ryusuke Seto
Kitaro es una persona muy modesta y manifiesta un gran respeto por la naturaleza.
"La naturaleza me inspira. Yo sólo soy un mensajero. Para mí, algunos temas son como las nubes, otros son como el agua."
Kitaro
El resultado es un rock progresivo electrónico con influencias orientales que algunos han calificado de premonitorio del New Age.
Contenido del álbum
La pieza de apertura, By the Sea Side, es una contemplación electrónica pausada: un tejido titilante y burbujeante de sintetizadores que avanzan como olas somnolientas, alternando entre suavidad y rapidez. Soul of the Sea va despertando poco a poco, animada por percusión exótica, relajantes rasgueos acústicos y una fanfarria de sintetizadores con trinos orientales y motivos de sabor Moog.
Gruñidos Moog, electrónica zumbante y tensiones de sitar resuenan a lo largo del psicodélico Micro Cosmos, un tema que podría haber encajado sin esfuerzo en el Krautrock. El elegante Beat avanza con programación secuenciada y un sigilo que flota sobre atmósferas al estilo Klaus Schulze. El cierre de la primera cara, Fire, termina revelando poderosos y espaciales motivos de sintetizador, cercanos a Pink Floyd y Eloy, que se imponen entre la neblina de rasgueos de guitarra y tambores contundentes.
La segunda cara de Ten Kai funciona casi como una suite continua. Comienza con la mandolina soñadora de Mu, que filtra pulsos panorámicos y derivas contemplativas de aire delicadamente cósmico. Dawn of the Astral crece en presencia alrededor de tambores retumbantes; Endless Dreamy World sostiene una atmósfera flotante y expansiva; y Kaiso Organ aporta guitarra acústica serena y un alegre tarareo.
El suntuoso cierre del álbum, Astral Voyage (a veces mencionado como Astral Trip, título que también aparece en ciertas ediciones del propio disco), inicia como un vagabundeo tranquilo y discreto, impregnado de misterio oriental. En su segunda mitad asciende lentamente, evocando a los alemanes Eloy y a los momentos más serenos del Oxygene de Jean‑Michel Jarre.
Lanzamiento del álbum
La portada fue diseñada por el propio Kitaro. El álbum fue publicado en Japón en 1978.
También fue publicado en Alemania solamente con el título Ten Kai.
Dio su primer concierto sinfónico en el Small Hall de la Kosei Nenkin Kaikan en Shinjuku, Tokio. Durante este concierto Kitaro usó un sintetizador para recrear el sonido de 40 instrumentos diferentes, fue el primero en el mundo en hacerlo.
Fue publicado por primera vez en CD en 1984 en Japón con Invitation.
Fue publicado en edición club en Estados Unidos en 1985 en LP y casete con el título Astral Voyage y una portada diferente. Coincide con el momento que fue conocido internacionalmente gracias al auge de la música New Age y firmó un contrato con Geffen Records para la distribución de sus álbumes por todo el mundo.
Fue publicado remasterizado en edición limitada numerada en Hong Kong en 2014.
En 2020 se publicó en formato SACD en Japón.
Créditos:
- Kitaro / sintetizadores (Moog, Korg, ARP, Roland), bajo, guitarra acústica, koto, mandolina, batería y percusión, compositor y arreglista
Con:
- Ryosuke Seto / biwa, shakuhachi
- Lavi / sitar
Opinión personal
Aunque suele clasificarse dentro de la new age, Kitaro en aquella época venía de la Far East Family Band y estaba profundamente marcado por la influencia de Klaus Schulze. Por eso, para mí, este trabajo se acerca más a un rock progresivo electrónico con tintes cósmicos y psicodélicos. El álbum puede escucharse como una suite larga y continua, donde cada pieza fluye hacia la siguiente. Es un disco muy ecléctico en el que destacan los pasajes cósmicos de By the Seaside, Endless Dreamy World y Astral Trip; el toque floydiano de Fire; y mi favorita, la animada Dawn of the Astral. Kaisō, con su guitarra acústica, evoca claramente a Mike Oldfield. El conjunto se completa con Soul of the Sea, de aire oriental que remite a la Far East Family Band; el psicodélico Micro Cosmos; Beat, que suena a puro krautrock; y la ambiental y experimental Mu.
Este artículo lo dedicamos al álbum Ambient 1: Music for Airports de Brian Eno publicado oficialmente en 1978.
Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno (Woodbridge, Suffolk, 15 de mayo de 1948), artísticamente Brian Eno o Eno, es un compositor, activista, cantante y productor musical inglés. A lo largo de su trayectoria ha desarrollado trabajos en géneros musicales como el ambient -del que se le considera un pionero-, el glam-rock -con Roxy Music-, la música electrónica y experimental.
Considerado un visionario y un innovador en muchos campos de la música, también ha desarrollado trabajos en otras disciplinas artísticas, en especial las instalaciones y las artes visuales
En un anterior artículo comentamos el álbum (No Pussyfooting)en el que Brian Eno colaboró con Robert Fripp: 1973: Cuando Fripp encontró a Eno
Portada del álbum (No Pussyfooting) de Fripp & Eno
En un anterior artículo comentamos el primer álbum en solitario de Brian Eno, Here Come the Warm Jets (del inglésː Ahí vienen los chorros calientes). Significó su primer disco como solista tras abandonar Roxy Music: 1973: Ahí vienen los chorros calientes de Brian Eno
Portada del álbum Here Come the Warm Jets
Eno tocó en un concierto de Island Records el 1 de junio de 1974 con sus compañeros músicos Nico, Kevin Ayers y John Cale. Robert Wyatt también participó. Lo comentamos en un anterior artículo: 1974: El concierto del 1 de junio con Ayers, Cale, Eno y Nico
En un anterior artículo nos ocupamos del tercer álbum de estudio de Eno (Another Green World), lanzado por Island Records en noviembre de 1975: 1975: Brian Eno en otro mundo verde
En un anterior artículo nos ocupamos de Discreet Music, su cuarto álbum de estudio y el primero lanzado bajo su nombre completo (en oposición a simplemente "Eno"). Si bien sus colaboraciones anteriores con Robert Fripp y varias selecciones de Another Green World (1975) presentan ideas similares, Discreet Music marcó un claro paso hacia la estética ambiental que Eno mostraría más tarde con Ambient 1: Music for Airports de 1978: 1975: La música discreta de Brian Eno
En un anterior artículo nos ocupamos del segundo álbum en el que Eno colaboró con Robert Fripp:
En un anterior artículo nos ocupamos de los días que pasó Brian Eno con Harmonia en 1976, fruto de las grabaciones que realizaron se publicaría en 1997 el álbum Tracks and Traces: 1976: Brian Eno, Harmonia, pistas y rastros.
Portada de la edición de 2009 del álbum Tracks & Traces
En un anterior artículo comentamos la colaboración de Eno con Cluster en 1977: 1977: Cluster y Eno.
En un anterior artículo comentamos la segunda colaboración de Brian Eno con el dúo Cluster cuando estos últimos ya se habían separado por lo que el álbum se acredita a Eno, Moebius, Roedelius. Esta colaboración fructificó en el álbum After the Heat publicado en 1978: 1978: Eno, Moebius y Roedelius después del calor.
De los cuatro álbumes que Brian Eno lanzó bajo la etiqueta ambient, este fue el primero en usar de manera explícita dicho término, acuñado para distinguir su enfoque minimalista de la música de fondo llamada "música enlatada" o Muzak. Es considerado uno de los primeros ejemplos conscientes de crear un álbum de este género musical caracterizado por la creación de paisajes y texturas sonoras envolventes que no precisan de una escucha activa por parte del oyente. Puede rastrearse este tipo de música en otros discos del compositor como Evening Star (1975), Discreet Music (1975) o Music for Films (1978), pero este disco es el primero que la trata de modo global y completo.
La música ambient tiene que ser capaz de ajustarse a varios niveles de atención auditiva sin imponerse en ninguna: ha de poder ser ignorada como interesante".
Brian Eno (Diario El País)
La música fue diseñada para ser reproducida de modo continuo en una instalación de sonido con el objetivo de hacer desaparecer la tensa atmósfera propia de una sala de espera de aeropuerto. Eno concibió esta idea cuando se quedó atrapado en el aeropuerto de Colonia (Alemania) hacia mediados de los años 70.
Terminal 2 del aeropuerto de Colonia
Me di cuenta de que lo que yo quería era hacer música que no cambiara mucho, que fuera como una pintura más que como una obra de teatro, algo que se mantuviera estático. Así que empecé a hacer una forma de música inmóvil, más parecida a un cuadro. Al principio lo llame still music, luego ambient. Lo más importante del ambient era esa cualidad pictórica, los colores del sonido, no la historia. Mucha música es una progresión narrativa. Yo quería huir de la narrativa".
Brian Eno (Diario El País)
En las notas del álbum, Eno explicó:
Mientras que la música de fondo convencional se produce eliminando toda sensación de duda e incertidumbre (y por tanto todo interés genuino) de la música, la música ambiental conserva estas cualidades. Y aunque su intención es 'iluminar' el entorno añadiéndole estímulos (supuestamente aliviando el tedio de las tareas rutinarias y nivelando los altibajos naturales de los ritmos corporales), la Música Ambiental está pensada para inducir calma y un espacio para pensar. La música ambiental debe ser capaz de acomodar muchos niveles de atención auditiva sin imponer uno en particular; Debe ser tan ignorable como interesante."
Brian Eno (Notas del álbum)
Composición y grabación
Eno comenzó a trabajar en Music for Airports mientras producía el álbum Low in Berlin de David Bowie en 1977. En el estudio del productor alemán Conny Plank, grabó notas individuales interpretadas por tres cantantes alemanas Christa Fast, Christine Gómez y Inge Zeininger.
Christa Fast
Tras regresar a Inglaterra, Eno grabó a Fred Firth a la guitarra y a Robert Wyatt al piano. Eno convirtió las grabaciones en bucles de cinta. Eno dijo que el álbum fue "concebido deliberadamente austero y sin emociones" y que "fue esencialmente hecho por máquinas".
Robert Wyatt
Más tarde, Eno mencionó a los Ray Conniff Singers y la “idea borgesiana” de un “mundo al revés” autogenerado, con la música como eje central, como fuentes de inspiración durante este periodo.
Jorge Luis Borges
En cuanto a instrumentación, rango dinámico, timbre, armonía, tonalidad y textura, las pistas son limitadas y muestran un “repertorio reducido de alturas, gestos y motivos que se mantiene a lo largo de toda su duración”. Se aprecian cambios de timbre al comparar piezas, como el cálido “1/1” frente al frío y oscuro “1/2”. Carecen de ritmos de acompañamiento y presentan una repetición irregular.
[Eno] en parte buscaba crear música que se aproximara al efecto del arte visual. Como una pintura fina, estos paisajes sonoros en evolución no requieren una implicación constante por parte del oyente. Pueden colgarse de fondo y añadir atmósfera a la sala, pero la música también recompensa la atención con una riqueza sonora ausente en los tipos estándar de música de fondo o música de música de fácil escucha.".
Linda Kohanov en AllMusic
Eno ha declarado una conexión con la muerte. Sin buscar que fuera “todo alegre y brillante”, Eno, quien se autodenominaba “aviador nervioso”, reflexionó sobre las sensaciones que provoca estar en un aeropuerto, incluida esa supuesta relevancia mortal, y expresó su deseo de que el álbum brindara consuelo: “En serio, es música para aceptar la posibilidad de la muerte”. John L. Waters describió el disco como una “progresión lógica del trabajo de músicos ‘serios’, experimentales y basados en sistemas (John White, Gavin Bryars, Christopher Hobbs, Michael Parsons, Michael Nyman) que Eno grabó y apoyó a través de su sello Obscure”. David Stubbs destacó similitudes con la obra de Erik Satie, compositor y pianista francés.
Erik Satie
"1/1" presenta bucles de piano tocados de forma arrítmica, con el piano como instrumento principal a lo largo del álbum. La pieza nació de la improvisación de dos pianistas que no podían escucharse bien entre sí, lo que dio lugar a melodías distintas pero complementarias. A lo largo del tema aparecen varios motivos, interpretados de manera intermitente. El filósofo del arteJohn Lysaker, al comentar la sensación general de rumbo incierto del álbum, dijo que "1/1""no se sostiene mejor (ni peor) que una nube". La música es siempre lenta, sin “desarrollo melódico o armónico distintivo, sin altibajos ni puntos culminantes”. "1/1" es la única pista que incluye una melodía.
John T. Lysaker
"2/1" y "1/2" utilizan bucles vocales; el primero diseñado para que fluctúen en sincronía. Las longitudes dispares de "2/1" eran resultado de las distintas capacidades de cada cantante. Transformó las grabaciones en cinta en bucles de manera casual, buscando “un silencio al menos el doble de largo que el sonido” y “relaciones más complejas en lugar de simples”. “Luego puse en marcha todos los bucles y los dejé ajustarse como quisieran”. El profesor de música Victor Szabo describió la pieza como “fantasmal”, señalando que los bucles de cinta “sin vibrato” resultan “inquietantemente sin vida”: “Mediante estas técnicas compositivas y códigos afectivo-expresivos, ‘2/1’ sugiere la ausencia humana de forma más clara que cualquier otra pista”.
"2/2" se interpretó con un sintetizador ARP 2600. Brian Eno describió cómo se grabó esta pieza:
[...] La segunda pieza de la segunda cara de Music for Airports se realizó con un ARP 2600. Creo que es un sonido precioso, y uno que no podría haber conseguido con ningún otro sintetizador que conozca. Lo que la hace tan exuberante es que está ralentizada y tiene tres tipos de eco."
Brian Eno
ARP 2600 Blue Marine
Lanzamiento
El álbum fue lanzado en febrero de 1979 con Polydor y E.G. Records en el Reino Unido. También fue publicado en Estados Unidos, Canadá, Alemania, Italia, Francia, Escandinavia, Nueva Zelanda, Australia, Japón y España.
La contraportada del álbum presenta cuatro imágenes abstractas de notación gráfica, una para cada pista, que representan su estructura e instrumentación. La edición original contenía una funda interior impresa con notas escritas por Eno.
Contraportada del álbum
El álbum fue certificado plata en el Reino Unido por haber vendido más de 60.000 copias.
Lista de pistas
Lado uno
1."1/1" (piano acústico y eléctrico; sintetizador - Brian Eno, Rhett Davies, Robert Wyatt)16:30
Brian Eno - Instrumentación, diseño artístico, ingeniero de grabación y producción
Robert Wyatt - Piano acústico
Christa Fast - Voz
Christine Gómez - Voz
Inge Zeininger - Voz
Dave Hutchins - Ingeniero de grabación en «2/1» y «1/2»
Conny Plank - Ingeniero de grabación en «2/2»
Rhett Davies - Ingeniero de grabación en «1/1»
Conny Plank
Recepción
El primer álbum de música ambiental que se popularizó —y más tarde reconoció como la "primera grabación deliberadamente 'ambiental'"—, fue inicialmente descartado por críticos, público y algunos colegas de Eno, dejando desconcertados a algunos de los primeros. Solo se volvió más favorecida en los años 90, al haber "entrado en el canon musical moderno".
El álbum fue reeditado por primera vez en disco compacto a través de EG en 1987. La edición del CD añade 30 segundos de silencio tras cada pista, incluyendo "2/2".
En 2004 fue publicado remasterizado en CD.
En 2018 se publicó en vinilo de 180g remasterizado. También hubo una edición limitada en doble EP.
Legado
Ambient 1 fue incluido en el libro 1001 Álbumes que debes escuchar antes de morir. Chuck Eddy de Spin lo nombró más tarde el cuarto álbum ambiental más esencial. En septiembre de 2016, Pitchfork nombró el disco como el mejor álbum de ambient de todos los tiempos.
El álbum ha sido reconocido como un lanzamiento seminal e influyente, un icono del género y de la discografía de Eno. J. D. Considine escribió en The Rolling Stone Album Guide que el disco definía la estética ambiental y al tiempo que daba nombre al género. Chris Richards, de The Washington Post, escribió que "enseñó a toda una generación de músicos a considerar la música como una textura". Reflexionando sobre el álbum, Jon Caramanica lo calificó como lo mejor del trabajo de Eno.
Jon Caramanica
Debido en parte a Music for Airports, la percepción de la carrera de Eno cambió y se alineó con compositores minimalistas altamente influyentes: Steve Reich, Philip Glass, Terry Riley y La Monte Young. Artistas como Pauline Oliveros, Riley y Harold Budd ampliarían el estilo de música ambiental de Eno, que tendría un papel destacado en sus siguientes álbumes; Music for Airports sirvió de origen para Eno y colaboradores que exploraban este estilo, como en la serie numerada Ambient (1978–82).Su concepción pronto se volvería más maleable y menos dependiente de los lugares. Music For Airports ha vendido más de 200.000 copias, lo que lo convierte en uno de los álbumes en solitario más vendidos de Eno.
Philip Glass
Utilización
El álbum ha sido instalado y representado en al menos cinco aeropuertos. Se ha encontrado con resistencia por parte de algunos viajeros y trabajadores, que la consideran disruptiva. Clínicas y hospitales han utilizado los álbumes para calmar a los pacientes. Fue instalado en la Terminal Área de la Marina del aeropuerto de LaGuardia de Nueva York (Estados Unidos).
Aeropuerto de LaGuardia de Nueva York (Estados Unidos)
En 1998, Bang on a Can interpretó el álbum en directo, prefiriendo un "estilo tecnicolor". Hablando sobre su actuación, Eno la describió como el conjunto "intentando actuar como máquinas, pero no suenan a máquinas en absoluto, suenan a personas y es bastante conmovedor cuando eso aparece". Consideraba que la cualidad emotiva de la interpretación era el resultado del supuesto elemento humano; le conmovió hasta las lágrimas, dijo, y otros que conocía —como Lou Reed y Laurie Anderson— tuvieron reacciones similares. Los críticos repitieron los elogios de Eno, destacando especialmente la superioridad de la interpretación.
En 2010, Black Dog, a través de su noveno álbum de estudio, Music for Real Airports, publicó una "réplica musical", criticando la supuesta deshumanización de los aeropuertos y la supuesta intención de Eno de "adormecer a los clientes".
En 2023 y 2024, Bruce Brubaker publicó "Eno Piano" y "Eno Piano 2", incluyendo una transcripción para piano de "Music for Airports" realizada con la colaboración de Simon Hanes.
Este álbum es un hito en la historia de la música electrónica y se considera oficialmente el primero de música ambiental. Como la técnica del muestreo digital aún no existía, Eno recurrió a su sistema de bucles de cinta. En su lanzamiento fue mal recibido, pero desde la década de 1990 ha obtenido el reconocimiento que merece. Tal como señala Eno, puedes escucharlo sin prestarle mucha atención; yo lo uso para leer sin perder la concentración y, cuando quiero relajarme, prefiero hacerlo con los ojos cerrados, auriculares puestos y aislado del mundo exterior.
