En este artículo comentamos como comenzaron a colaborar Robert Fripp y Brian Eno, lo que a lo largo de sus carreras a dado lugar a la publicación de cuatro álbumes, comenzando con el álbum (No Pussyfooting) que publicarían en 1973 y del que también nos ocuparemos en este artículo.
En 2015, Fripp & Eno ocuparon el puesto número 17 en la lista de Rolling Stone de los 20 mejores dúos de todos los tiempos.
Robert Fripp desarrolló otros proyectos paralelos durante los períodos en los que había menos actividad en King Crimson. En 1972 produjo el álbum Matching Mole's Little Red Recordde Robert Wyatt con su banda Matching Mole. En 1971 aunque Brian Eno se había unido a Roxy Music, tenía sus propias inquietudes y continuaba trabajando como músico de sesión. En 1972 colaboró como músico invitado en el álbum citado de Matching Mole. Probablemente coincidiera con Robert Fripp en la grabación de dicho álbum. Descubrieron que aunque eran polos opuestos tenían intereses comunes.
Portada del álbum de Matching Mole
Brian Eno invitó a Robert Fripp a su estudio casero de Londres en septiembre de 1972. Eno estaba experimentando con un sistema de cinta desarrollado por Terry Riley y Pauline Oliveros donde se instalaron dos grabadoras de cinta de carrete a carrete Revox A77 modificadas una al lado de la otra.
Grabadora Revox A77
Los sonidos grabados en la primera serían reproducidos por la segunda, y luego se enrutarían de vuelta a la primera para crear un largo retraso de cinta en bucle (generalmente entre 3 y 6 segundos). Fripp tocó la guitarra sobre los bucles de Eno, mientras que Eno selectivamente grabó la guitarra de Fripp con o sin retraso, en lo que fue una pista de acompañamiento. En principio el sistema se comportaba con los equipos ya existentes de eco basados en retrasos de cinta como el Echoplex o el Space Echo. Sin embargo se lograban tiempos de retraso más largos dando lugares a drones (notas sostenidas) y el resultado es una pieza densa y de múltiples capas de música ambiental. Esta técnica más tarde la continuó desarrollando y utilizando Robert Fripp y se conoció como "Frippertronics".
Brian Eno y Robert Fripp
La primera pista del álbum No Pussyfooting fue grabada el 8 de septiembre de 1972 en el apartamento de Eno tras haber compartido una botella de vino. Es una pieza de 21 minutos titulada "The Heavenly Music Corporation" y ocupa todo un lado del disco. Fripp originalmente quería que la canción se titulara "The Transcendental Music Corporation", pero Eno no lo permitió ya que temía que hiciera que la gente "pensara que eran serios". Se grabó en dos tomas, primero creando la pista de bucle de fondo, luego agregando un solo de guitarra extendido sin bucle sobre la pista de acompañamiento. Esta pista cuenta con la guitarra eléctrica de Fripp como única fuente de sonido.
La segunda canción "Swastika Girls" de casi 19 minutos, que ocupa el otro lado, fue grabada casi un año después de la primera en dos sesiones el 4-5 de agosto de 1973 en Command Studios, donde la banda de Fripp, King Crimson, había grabado su aclamado álbum Larks' Tongues in Aspic a principios de ese año. La pista empleó la misma técnica que "The Heavenly Music Corporation", excepto que Fripp tocó sobre un bucle electrónico de fondo creado por Eno en el sintetizador VCS3. Fripp y Eno llevaron las cintas de "Swastika Girls" a los AIR Studios del productor discográfico británico George Martin en Oxford Circus para continuar mezclando y ensamblando la pista allí. El título de la canción se refiere a una imagen de mujeres desnudas realizando un saludo nazi que fue arrancada de una revista de cine pornográfico descartada encontrada por Eno en AIR Studios. Eno pegó la imagen en la consola de grabación mientras grababa la pista con Fripp y se convirtió en el título de la pista.
Lanzado en noviembre de 1973, no logró entrar en las listas ni en los Estados Unidos ni en el Reino Unido. La discográfica Island Records se opuso a su lanzamiento. El álbum fue lanzado en el mismo año en que Eno grabó su álbum en solitario Here Come the Warm Jets. Eno estaba tratando de lanzar su carrera en solitario, tras haber dejado Roxy Music, y la dirección de la discográfica lamentó la confusión causada por dos álbumes con estilos tan diferentes. A los compañeros de banda de Robert Fripp en King Crimson tampoco les gustó el álbum. La prensa de rock convencional prestó poca atención al álbum en comparación con el trabajo de Fripp con King Crimson y el álbum en solitario de Eno.
Contraportada del álbum
En el Reino Unido, el álbum fue lanzado con un gran descuento en comparación con los precios normales y fue considerado como una novedad. En 1975, Robert Christgau, crítico de The Village Voice, le dio al álbum una calificación B +, llamándolo "la electrónica pop más agradable desde A Rainbow in Curved Air de Terry Riley" y que era "... más visionario y más romántico de lo que James Taylor podría soñar ser".
El álbum fue relanzado en vinilo en 1982, y en CD en 1987 por E.G. Records. La recepción moderna ha sido en su mayoría positiva. Ted Mills de AllMusic le dio al álbum cuatro estrellas y media de cinco, elogiando a "Heavenly Music Corporation" y señalando "la belleza" de su configuración, pero dando una visión negativa de "Swastika Girls", sugiriendo que el sistema de bucle fue abusado con "demasiados sonidos desconectados que comparten el espacio, algunos discordantes, algunos melódicos ... el trabajo resultante carece de forma y estructura". Eric Tamm, el autor de la biografía de Eno, Brian Eno: His Music and the Vertical Color of Sound (1995) reaccionó de manera similar a Mills, afirmando que "The Heavenly Music Corporation""anticipó el propio estilo ambiental de Eno". Sobre "Swastika Girls"Tamm dijo: "si tiene menos éxito que la pieza anterior, es debido a la saturación general mucho mayor del espacio acústico. Parece haber una regla perceptiva de que las posibilidades de apreciación de las sutilezas tímbricas disminuyen en proporción a la tasa de notas reales que se tocan. 'Swastika Girls' muestra que Eno y Fripp aún no habían entendido todo el peso de este principio".
Fripp&Eno
Las reseñas más recientes del álbum de Fripp & EnoThe Equatorial Stars (2004) citan a No Pussyfooting de manera positiva. Peter Marsh para la revisión de música experimental de la BBC se refirió al álbum como "ahora uno de esos álbumes de los que se habla en tonos silenciosos y reverenciales como un clásico proto-ambiental". Dominique Leone del webzine de música Pitchfork señaló que "para el crédito [de Fripp] y Eno, realmente no sonaba como nada de lo que había venido antes".
"Me dijeron más tarde", recordó Fripp, "que, como consecuencia del álbum, la gerencia de Eno decidió que estaba listo para ir en solitario. Pensaron que tenía una carrera comercial mucho más brillante disponible para él que trabajar con el guitarrista de rock progresivo Robert Fripp, lo que ahora parece absurdo. Sin embargo, aquí están las ironías: David Bowie era un fan, creo, de (No Pussyfooting); y me dijeron que Iggy Pop, con quien David estaba trabajando en ese momento, podía tocar todos los temas principales de guitarra".
Una edición remasterizada en doble CD de 24 bits, por Simon Heyworth y Robert Fripp fue lanzado en 2008, el disco extra con versiones invertidas de ambas pistas y una versión a media velocidad de "The Heavenly Music Corporation".
Contraportada de la edición de 2008 mostrando los bonus tracks.
La portada del álbum influyó en el video musical del sencillo de 2018 de The 1975, "Give Yourself a Try" y en el sencillo de The Strokes de 2003"The End Has No End".
En la transmisión del 18 de diciembre de 1973 del programa de BBC Radio 1 Top Gear, John Peel puso todo el álbum, al revés. Eno había estado escuchando el programa de Peel y llamó por teléfono a la BBC exigiendo hablar con él, pero la recepcionista se opuso a su tono y colgó de él, y la reproducción continuó hasta el final. Después de la segunda canción, Peel dijo en el aire: "Me gustaría ver qué hicieron de eso en Come Dancing ... La opinión aquí está dividida... Creo que es genial, realmente lo hago, magnífico, de hecho, en la estela de Tangerine Dream, supongo, en cierto sentido. Muy muy bueno, y bien vale la pena tener el LP, por cierto."
La primera canción tiene largos drones y solos estupendos de la guitarra de Fripp creando una música ambiental meditativa pero no relajante cercana al rock cósmico. La segunda canción, más de lo mismo pero añadiendo bucles de música electrónica creados con el sintetizador. Por frescura me parece mejor la primera y para disfrutar mejor de Fripp improvisando a la guitarra.
Interior de la carpeta del álbum
Créditos
Brian Eno – sintetizador, teclados, tratamientos, sintetizador VCS 3
Robert Fripp – guitarras eléctricas y acústicas
Personal técnico
Tony Arnold – remasterización
Arun Chakraverty – ingeniero, masterización
Willie Christie – diseño, fotografía, diseño de portada, arte de portada
Can (estilizada como CAN) fue una banda alemana de rock experimental formada en Colonia en 1968 por el cuarteto formado por Holger Czukay(bajo, edición de cintas), Irmin Schmidt(teclados), Michael Karoli (guitarra) y Jaki Liebezeit(batería). Fue una de las bandas de música más importantes del movimiento krautrock de Alemania que se gestó a fines de los años 1960. A sus comienzos y primer álbum con el vocalista Malcom Mooney le dedicamos un anterior artículo. (1969: Película de monstruos).
Damo Suzuki
El vocalista Mooney fue reemplazado en mayo de 1970 por el más discreto Kenji "Damo" Suzuki. Con Suzuki, la banda hizo sus álbumes más exitosos crítica y comercialmente.
CAN
El primer disco de la banda con Suzuki fue Soundtracks publicado en 1970 en Alemania con Liberty (LBS 83 437 I). Un anterior artículo lo dedicamos a ese álbum: 1970: El álbum de bandas sonoras de CAN
El tercer álbum de la banda titulado Tago Mago fue publicado originalmente en Alemania como un doble LP en agosto de 1971 por United Artists Records. El lanzamiento británico, con diferente portada, se produjo en febrero de 1972. Es más meditativo, electrónico y experimental que los anteriores. A él dedicamos un anterior artículo: 1971: CAN en la isla de Tagomago
Portada del álbum Tago Mago de CAN
Su siguiente álbum sería Ege Bamyasi, el cual fue grabado por HolgerCzukay en Weilerswist, entre diciembre de 1971 a junio de 1972. El álbum, lanzado ese mismo año, es menos arriesgado y más accesible y comercial. A él dedicamos un anterior artículo. (1972: Lata de ocras del Egeo).
Portada del álbum Ege Bamyasi
Ege Bamyasi, representa la transición hacia el sonido más atmosférico que la banda desarrollaría en su siguiente álbum Future Days que suele ser considerado de los mejores álbumes de la banda. A este álbum dedicamos este artículo.
El éxito de Spoon inspiró a la banda a tratar de llegar a un público más amplio, lo que les llevó a dar un Concierto Gratuito. El evento fue filmado por Martin Schäfer, Robbie Müller y Egon Mann para el director Peter Przygodda en el Sporthalle de Colonia el 3 de febrero de 1972. El semanario de música británico Melody Maker escribió: "Can es sin duda la banda de rock experimental más talentosa y consistente de Europa, incluida Inglaterra". La revista francesa Rock & Folk retrató la música de Can como "uno de los experimentos musicales más impresionantes ofrecidos por bandas contemporáneas".
En 1973 grabaron el álbum Future Days que sería el último que contaría con el vocalista Demo Suzuki. El álbum sería el penúltimo en grabarse en dos pistas directamente. Con el tiempo irán mejorando las técnicas de grabación.
En Future Days, Can pone en primer plano los elementos ambientales que habían explorado en álbumes anteriores, prescindiendo en gran medida de las estructuras tradicionales de las canciones de rock y, en cambio, "creando paisajes sonoros nebulosos y expansivos dominados por ritmos percoladores y capas evocadoras de teclas". PopMatters escribió que "Se siente como si Future Days fuera impulsado por una brisa costera, exudando un estado de ánimo más agradable y relajado que cualquier cosa que la banda hubiera grabado anteriormente". Con este álbum CAN, se convierten en precursores de la música ambient.
Lanzamiento y portada del álbum
El álbum fue publicado en agosto de 1973 con United Artist Records.
Símbolo Psi de la portada en la edición francesa. No está en relieve
La portada del álbum muestra un signo Psi en el medio (dibujado en el mismo estilo que la fuente utilizada para la portada) y el hexagrama 50 del I Ching llamado鼎 (dǐng) (el caldero) debajo del título. Los gráficos circundantes se basan en el estilo artístico Jugendstil.
Hexagrama 50 del I Ching
Algunas versiones del álbum de vinilo tienen una portada ligeramente diferente en la que los gráficos no tienen un relieve claro o en la que el tinte dorado ligeramente reflectante se reemplaza por un amarillo plano. Estas diferencias también están presentes en los lanzamientos en CD. A pesar de que no todas las versiones de las portadas son completamente idénticas, las pistas no difieren en ninguna versión de lanzamiento.
Portada del álbum en México.
En 2005, el álbum, junto con la mayor parte de la discografía de Can, fue remasterizado y lanzado como un SACD híbrido. El relanzamiento incluye un folleto con comentarios sobre el álbum de John Payne, así como fotos inéditas de la banda.
Contraportada de la edición de 2005
Recepción
A partir de críticas contemporáneas, Ian MacDonald de NME elogió el álbum, opinando que era "una pieza de trabajo inmaculada, el mejor disco de rock alemán hasta ahora, aparte de Faust", y concluyó que era "pura buena música y es perfectamente fácil para cualquier persona con un par de orejas unidas a sus cabezas para entrar y disfrutar a fondo. Olvídate de la etiqueta krautrock. Olvídate de cómo se supone que debes reaccionar". Ray Fox-Cumming de Disc le dio al álbum una crítica negativa, declarando que el álbum "no intenta nada que no se haya hecho ya, a menudo hasta la muerte, antes", mientras que descubrió que "algo de eso es bastante bonito, la música está bien tocada, bien espaciada y sin descifrar, pero incluso después de media docena de audiencias, todavía encontré que la mayor parte entró por un oído y salió directamente por el otro". NME lo clasificó como el 11º mejor álbum del año de 1974.
Reconocimientos
En el 2015 fue incluido en la lista de los 50 mejores álbumes de rock progresivos todos los tiempos de la revista Rolling Stone, ocupando el puesto 8.
A partir de noviembre de 2020, Acclaimed Music encuentra a Ege Bamyasi como el 697º álbum más aclamado de todos los tiempos.
Mi opinión personal: Tema dominado por la percusión que con un ritmo repetitivo nos sumerge en un ambiente tranquilo que parece que solamente se vuelve un poco más enérgico al final.
Imagen de la edición de 2005
Letras:
[Instrumental Intro]
[Spoken]
All you're gonna do for all that you do
Is all you're gonna do all
And when I'm coming home tonight
Do you think you can do, the people away to do it all?
I'm coming home and away you go
To the all and all you go
[Chorus]
I just think that room's to end, how commend them from your dreams?
Save that money for a rainy day for the sake of future days
You better have nothing for me, you better move year on your face
You have to help apologise for the sake of future days
[Verse 1]
You're spreading that lie, you know that
You're getting down, breaking your neck
When doing that was breaking home
What have you done, free the night?
Within that breaking home
Was breaking that break up home
Was rolling up, break the wall
And the tall wind did break your home, roll, roll on
[Chorus]
I just think that room's to end, how commend them from your dreams?
Save that money for a rainy day for the sake of future days
You better have nothing for me, you better move year on your face
You have to help apologise for the sake of future days
[Verse 2]
And the night you're losing, light down from your dreams
Save that money for a rainy day for the sake of future days
You better have nothing for me, you better move year on your face
You have to help apologise for the sake of future days
For the sake of future days, said it's all for the sake of future days
[Chorus]
I just think that room's to end, how commend them from your dreams?
Save that money for a rainy day for the sake of future days
You better have nothing for me, you better move year on your face
You have to help apologise for the sake of future days
[Outro]
For the sake of future days, for the sake of future days
For the sake of future days, for the sake of future days
For the sake of future days, for the sake of future days
For the sake of future days, for the sake of future days
For the sake of future days, for the sake of future days
For the sake of future days, for the sake of future days
For the sake of future days, for the sake of future days
For the sake of future days, for the sake of future days
Versiones
Una versión recortada a 3 minutos apareció como cara B del sencillo Moonshake extraído del álbum. Esta versión se incluyó en el recopilatorio The Singles publicado en 2017.
Mi opinión personal: Comienza con una parte instrumental de 6 minutos de rock espacial dominada por la batería que marca un ritmo animado y los teclados con algún efecto electrónico, para terminar con una canción cálida y relajada.
Letras
(Instrumental 0:00 - 6:12)
Now when he was away
The walking out was walking out
With all the tall little ways
Just don't know what it's like
Just don't know where am I
Just don't know where I'm going
I was going all the time
Just don't know you can rise
Just breaking wrong and right
The stone there down is going
Go away tonight´
Just don't know when you're right
When I'm down, alright
Just don't know where you are
Just don't know you are there
Just don't know where you are
Where you run, the water run
Just don't know where you go
Where you're running out
Just where you take a rest
And where the harvest
Don't know where you're out
A3Moonshake
La canción Moonshake fue extraída como sencillo del álbum con Future Days en la cara B como ya hemos comentado y se incluyó en el recopilatorio The Singles publicado en 2017.
Este álbum muestra un sonido más accesible. La cuestión es si han querido hacer rock progresivo a sabiendas o les ha salido por casualidad. Sus fans no estaban muy contentos con esta evolución de su sonido.
Curve Air es un grupo británico de rock progresivo fundado en 1970, sigue en activo y fusiona elementos del rock con la música minimalista y sonidos electrónicos provenientes de sintetizadores.
Curved Air lanzó ocho álbumes de estudio, los tres primeros de los cuales irrumpieron en el Top 20 del Reino Unido.
1971: El segundo de Curved Air En un segundo artículo continuamos la historia de Curved Air hasta la publicación de su segundo álbum titulado simplemente Second Album.
Portada del segundo álbum de Curved Air
1972: Phantasmagoria de Curved Air En un tercer artículo continuamos su historia hasta la publicación de su tercer álbum titulado Phantasmagoria.
Portada del tercer álbum de Curved Air
En este artículo continuamos su historia hasta la publicación de su cuarto álbum Air Cut.
Curved Air se separó tras el lanzamiento del tercer álbum, DarrylWay formó la banda Darryl Way's Wolf, Florian Pilkington-Miksa se unió a la banda de Kiki Dee, y Monkman se trasladó al trabajo de sesión y más tarde tocaría en, entre otros, el supergrupo Sky.
Sonja Kristina
Básicamente, Darryl y yo respetamos el trabajo del otro, pero realmente no estamos de acuerdo en la mayoría de las cosas. Y realmente nunca conseguimos la co-escritura juntos. Quería juntar mi primera "épica", así que parece una formación dividida en el momento del Segundo Álbum. De hecho, el centro nunca fue realmente sólido después de que Rob [Martin] se fue.
Francis Monkman
Los miembros restantes Sonja Kristina y el recien llegado, el bajista Mike Wedgwood que habían conservado una buena relación entre ellos continuarían con el legado de Curved Air. Formaron una nueva banda a la que se les unió Kirby Gregory (guitarra eléctrica), Eddie Jobson (teclados, violín) y Jim Russell (batería). Jobson provenía de una banda llamada Fat Grapple, que había sido uno de las bandas de apoyo de Curved Air en la gira. Los nuevos músicos trajeron un rock más energético y más fuerte en directo. El joven prodigio Eddie Jobson, influenciado por Curved Air, mantuvo el sonido clásico de la banda. Por sugerencia del mánager Clifford Davis, continuaron usando el nombre Curved Air con la aprobación y el apoyo de los miembros de la banda que se iban.
Imagen del libreto de la edición en CD de 2011
No creo que Florian pensara que continuariamos siendo Curved Air. ¿Sabes que la nueva banda se iba a llamar Sonja Kristina Band o Kristina – Wedgwood o algo así, pero la gerencia nos informó que se continuaría llamando Curved Air?
Mike Wedgwood
Interior de la carpeta del álbum
Kristina comentó más tarde:
Lo que quería hacer con la banda en ese momento era darle más de un toque de rock, y la guitarra de Kirby realmente me emocionó, era realmente salvaje. Y Jim era de la misma manera, un baterista de rock muy sólido. Mike y yo realmente queríamos continuar, y fue nuestro mánager Clifford Davis quien dijo que haríamos un mejor negocio continuando llamando a la banda Curved Air. Así que mantuvimos el nombre y seguimos el mismo patrón que antes, como banda de escritores. Todos en la nueva banda contribuyeron con material excepto Jim Russell, que realmente no era escritor. Antes habían sido principalmente Darryl y Francis, pero había logrado incluir algunas de mis composiciones.
Sonja Kristina
El cuarto álbum de Curved Air, Air Cut. se grabó entre enero-febrero de 1973 en los estudios Advision de Londres con la nueva formación.
El álbum se publicó en el Reino Unido en abril de 1973 y pero no llegó a a las listas.
Contraportada del álbum
También en 1973 fue publicado en Canadá, Alemania, Italia, Nueva Zelanda y Japón.
La canción Metamorphosis recibió grandes elogios.
Allmusic en cambio valoró el álbum de forma intermedia afirmando que la mayoría de la canciones eran canciones de rock simple y "representaban a un grupo tratando de ampliar su audiencia sin sonar convencido de que era lo correcto". Como punto destacado indicó el debut de Eddie Jobson.
El álbum no estuvo disponible durante muchos años. Fue reeditado en CD por primera vez en 2001. En 2018 se publicó una edición remasterizada.
