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Música electrónica en Estados Unidos
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El estudio de Milán
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| Luciano Berio |
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| Paneles del estudio de Milán. |
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| Berio, Zuccheri, Maderna, Lietti, Castelnuovo en el RAI Phonology Studio Milan |
Música electrónica en Japón
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| Magna |
Aunque los primeros instrumentos electrónicos como el Ondes Martenot, el Theremin o el Trautonium eran poco conocidos en Japón con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial, algunos compositores habían tenido conocimiento de ellos en su momento, como Minao Shibata. Años después, diferentes músicos en Japón comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que contribuyó el apoyo institucional, lo que permitió a los compositores experimentar con el último equipamiento de grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical que fusionaba la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio japonés en el desarrollo de tecnología musical durante las siguientes décadas.
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| Minao Shibata |
Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces como Tokyo Tsushin Kogyo K.K.) en 1946, dos compositores japoneses, Toru Takemitsu y Minao Shibata, de modo independiente, escribieron sobre la posibilidad de utilizar la tecnología electrónica para producir música hacia finales de los años 1940. Sony.
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| Toru Takemitsu |
En 1948, Takemitsu concibió una tecnología que pudiese traer "ruido" dentro de tonos musicales atemperados dentro de un pequeño y complejo tubo, una idea similar a la música concreta que Pierre Schaeffer había aventurado en el mismo año. En 1949, Shibata escribió sobre su concepto de "un instrumento musical con grandes posibilidades de actuación" que pudiera "sintetizar cualquier tipo de onda de sonido" y que sea "manejado muy fácilmente," prediciendo que con un instrumento tal, "la escena musical sería cambiada drásticamente". Ese mismo año, Sony desarrolló el magnetófono magnético G-Type y comenzó a producir grabadoras magnéticas populares para uso gubernamental y público.
En 1950, el estudio de música electrónica Jikken Kobo sería fundado por un grupo de músicos que querían producir música electrónica experimental utilizando magnetófonos Sony. Entre sus miembros se encontraban Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama y Joji Yuasa, y estaba apoyado por Sony, empresa que ofrecía acceso a la última tecnología de audio. La compañía contrató a Takemitsu para componer música electroacústica electrónica para mostrar sus magnetófonos.
Las primeras cintas electrónicas del grupo fueron "Toraware no Onna" ("Mujer encarcelada") y "Piece B", compuesta en 1951 por Kuniharu Akiyama. Muchas de las piezas de cinta electroacústica que produjeron fueron utilizadas como música incidental para radio, cine y teatro. También celebraron conciertos empleando una presentación de diapositivas sincronizada con una banda sonora grabada.
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| Kuniharu Akiyama |
Más allá del Jikken Kobo, muchos otros compositores como Yasushi Akutagawa, Saburo Tominaga y Shiro Fukai también estaban experimentando con música electroacústica usando las grabadoras de cinta entre 1952 y 1953.
La música concreta fue introducido en Japón por Toshiro Mayuzumi, quien fue influenciado por un concierto de Pierre Schaeffer. A partir de 1952, compuso piezas de música en cinta para una película de comedia, una transmisión de radio y un drama radiofónico. Sin embargo, el concepto de objeto sonoro de Schaeffer no fue influyente entre los compositores japoneses, que estaban principalmente interesados en superar las restricciones de la interpretación humana. Esto llevó a varios músicos electroacústicos japoneses a hacer uso del serialismo y las técnicas de doce tonos, evidente en la pieza dodecafónica de Yoshirō Irino de 1951 "Concerto da Camera", en la organización de sonidos electrónicos en "X, Y, Z for Musique Concrète" de Mayuzumi, y más tarde en la música electrónica de Shibata en 1956.
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| Toshiro Mayuzumi |
Tomando como referencia el estudio NWDR de Colonia, NHK (Japan Broadcasting Corporation) estableció un estudio de música electrónica en Tokio en 1955, que se convirtió en una de las instalaciones de música electrónica más importantes del mundo. El NHK Studio estaba equipado con tecnologías tales como equipos de generación de tonos y procesamiento de audio, equipos de grabación y radiofónicos, ondes Martenot y Melochord, sonómetros, osciladores de onda sinusoidal, grabadoras de cinta, moduladores de anillos, filtros de paso de banda y mezcladores de cuatro y ocho canales. Los músicos asociados con el estudio incluyeron a Toshiro Mayuzumi, Minao Shibata, Joji Yuasa, Toshi Ichiyanagi y Toru Takemitsu. Las primeras composiciones electrónicas del estudio se completaron en 1955, incluyendo las piezas de cinco minutos de Mayuzumi "Studie I: Music for Sine Wave by Proportion of Prime Number", "Music for Modulated Wave by Proportion of Prime Number" e "Invention for Square Wave and Sawtooth Wave" producidas utilizando las diversas capacidades de generación de tonos del estudio, y la pieza estéreo de 20 minutos de Shibata "Musique Concrète for Stereophonic Broadcast".
En Japón, los experimentos en música por ordenador se remontan a 1962, cuando el profesor de la Universidad Keio Sekine y el ingeniero Toshiba Hayashi experimentaron con la computadora TOSBAC. Esto dio lugar a una pieza titulada TOSBAC Suite, influenciada por la Suite Illiac. Más tarde, las composiciones de música por computadora japonesa incluyen una pieza de Kenjiro Ezaki presentada durante la Expo de Osaka '70 y "Panoramic Sonore" (1974) del crítico musical Akimichi Takeda. Ezaki también publicó un artículo llamado "Música contemporánea y computadoras" en 1970. Desde entonces, la investigación japonesa en música informática se ha llevado a cabo en gran medida con fines comerciales en música popular, aunque algunos de los músicos japoneses más serios utilizaron grandes sistemas informáticos como el Fairlight en la década de 1970.
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| Computadora TOSBAC - 3400 (1969) |
Música electrónica en Estados Unidos
En los Estados Unidos, la música electrónica se estaba creando ya en 1939, cuando John Cage publicó Imaginary Landscape, Nº 1,utilizando dos tocadiscos de velocidad variable, grabaciones de frecuencia, piano silenciado y platillo, pero sin medios electrónicos de producción. Cage compuso cinco "Paisajes imaginarios" más entre 1942 y 1952 (uno retirado), en su mayoría para el conjunto de percusión, aunque el número 4 es para doce radios y el número 5, escrito en 1952, utiliza 42 grabaciones y se va a realizar como cinta magnética.
Según Otto Luening, Cage también presentó la obra William Mix en Donaueschingen en 1954, usando ocho altavoces, tres años después de su supuesta colaboración. Williams Mix fue un éxito en el Festival de Donaueschingen, donde causó una "fuerte impresión".
The Music for Magnetic Tape Project fue formado por miembros de la Escuela de Nueva York (John Cage, Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor y Morton Feldman), y duró tres años hasta 1954. Cage escribió de esta colaboración:
En esta oscuridad social, por lo tanto, el trabajo de Earle Brown, Morton Feldman y Christian Wolff sigue presentando una luz brillante, por la razón de que en los diversos puntos de notación, actuación y audición, la acción es provocativa.John Cage
Cage completó Williams Mix en 1953 mientras trabajaba con el Music for Magnetic Tape Project. El grupo no tenía instalaciones permanentes, y tuvo que confiar en el tiempo prestado en estudios de sonido comercial, incluyendo el estudio de Louis y Bebe Barron.
En Estados Unidos, se utilizaban sonidos creados electrónicamente para diferentes composiciones, como ejemplifica la pieza "Marginal Intersection" de Morton Feldman. Esta pieza está pensada para vientos, metales, percusión, cuerdas, dos osciladores y efectos de sonido.
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| Morton Feldman |
Por aquella época la Universidad de Columbia compró su primera grabadora, una máquina profesional Ampex, con el propósito de grabar conciertos. Vladimir Ussachevsky, que estaba en la facultad de música de la Universidad de Columbia, fue puesto a cargo del dispositivo, y casi de inmediato comenzó a experimentar con él.
Herbert Russcol escribe:
Pronto se sintió intrigado con las nuevas sonoridades que podía lograr grabando instrumentos musicales y luego superponiendolos unos sobre otros.Herbert Russcol
Ussachevsky dijo más tarde: "De repente me di cuenta de que la grabadora podía ser tratada como un instrumento de transformación del sonido". El jueves 8 de mayo de 1952, Ussachevsky presentó varias demostraciones de música en cinta/efectos que creó en su Foro de Compositores, en el Teatro McMillin de la Universidad de Columbia. Estos incluyeron Transposición, Reverberación, Experimento, Composición y Vals Subacuático. En una entrevista, declaró: "Presenté algunos ejemplos de mi descubrimiento en un concierto público en Nueva York junto con otras composiciones que había escrito para instrumentos convencionales". Otto Luening, que había asistido a este concierto, comentó:
El equipo a su disposición consistía en una grabadora Ampex... y un sencillo dispositivo similar a una caja diseñado por el joven e brillante ingeniero, Peter Mauzey, para crear retroalimentación, una forma de reverberación mecánica. Otros equipos fueron prestados o comprados con fondos personales.Otto Luening
Sólo tres meses más tarde, en agosto de 1952, Ussachevsky viajó a Bennington, Vermont por invitación de Luening para presentar sus experimentos. Allí, los dos colaboraron en varias piezas. Luening describió el evento:
Equipado con auriculares y una flauta, empecé a desarrollar mi primera composición de grabadora. Ambos éramos improvisadores fluidos y el medio disparó nuestra imaginación. Tocamos algunas piezas tempranas informalmente en una fiesta, donde "varios compositores casi solemnemente nos felicitaron diciendo: 'Esto es todo' ('it' que significa la música del futuro)"Otto Luening
La noticia llegó rápidamente a Nueva York. Oliver Daniel llamó por teléfono e invitó a la pareja a producir un grupo de composiciones cortas para el concierto de octubre patrocinado por la American Composers Alliance and Broadcast Music, Inc., bajo la dirección de Leopold Stokowski en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Después de algunas dudas, acordamos. . . . Henry Cowell puso su casa y estudio en Woodstock, Nueva York, a nuestra disposición. Con el equipo prestado en la parte trasera del coche de Ussachevsky, dejamos Bennington para Woodstock y nos quedamos dos semanas. . . . A finales de septiembre de 1952, el laboratorio itinerante llegó a la sala de estar de Ussachevsky en Nueva York, donde finalmente completamos las composiciones.Otto Luening
Dos meses más tarde, el 28 de octubre, Vladimir Ussachevsky y Otto Luening presentaron el primer concierto de Tape Music en los Estados Unidos. El concierto incluyó las composiciones de Luening Fantasía en el espacio (1952) de — "una pieza virtuosa impresionista" usando grabaciones manipuladas de flauta — y Low Speed (1952), una "composición exótica que llevó la flauta muy por debajo de su rango natural". Ambas piezas fueron creadas en la casa de Henry Cowell en Woodstock, Nueva York. Después de que varios conciertos causaran sensación en la ciudad de Nueva York, Ussachevsky y Luening fueron invitados a una transmisión en vivo del Today Show de nbc para hacer una demostración de entrevista, la primera actuación electroacústica televisada. Luening describió el evento: "Improvisé algunas secuencias [de flauta] para la grabadora. Ussachevsky entonces y allá los puso a través de transformaciones electrónicas."
Vladimir Ussachevsky - Otto Luening - Tape Music An Historic Concert (1952/1968) FULL ALBUM
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| Otto Luening |
La banda sonora de Forbidden Planet, producida por Louis y Bebe Barron, fue compuesta únicamente mediante circuitos caseros y magnetófonos en 1956.
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| Imagen de la película Forbidden Planet |
Posteriormente, Milton Babbitt, influenciado en sus años de estudiante por la "revolución en el pensamiento musical" de Schoenberg, comenzó a aplicar técnicas seriales a la música electrónica.
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