Este artículo lo dedicamos a la banda The Residents y su quinto álbum Duck Stab!/Buster & Glen publicado en 1978.
The Residents es un colectivo artístico estadounidense y una banda de art rock mejor conocida por su música de vanguardia y obras multimedia. Desde su primer lanzamiento oficial, Meet the Residents (1974), han lanzado más de 60 álbumes, numerosos videos musicales y cortometrajes, tres proyectos de CD-ROM y diez DVD a lo largo de más de medio siglo. Han realizado siete grandes giras mundiales y han compuesto la banda sonora de múltiples películas. Pioneros en explorar el potencial del CD-ROM y tecnologías similares, The Residents han ganado varios premios por sus proyectos multimedia. Fundaron Ralph Records, un sello discográfico centrado en la música de vanguardia, en 1972.
A lo largo de la existencia del grupo, los miembros individuales han intentado ostensiblemente trabajar de forma anónima, prefiriendo que la atención se centre en su arte. Esto se basa en la teoría de la oscuridad (la cual establece que el arte puro solo se produce cuando es anónimo). Mucha especulación y rumor se ha centrado en este aspecto del grupo. En público, aparecen silenciosos y disfrazados, a menudo con cascos de globos oculares, sombreros de copa y colas, un disfraz que ahora se reconoce como su iconografía característica. En 2017, Hardy Fox, conocido desde hace mucho tiempo por estar asociado con The Residents, se identificó como el cofundador y compositor principal de la banda; Murió en 2018.
Hardy Fox en 2017
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En un anterior artículo comentamos los comienzos de The Residents y su primer álbum Meet the Residents: 1974: Encuentro con los residentes
En abril de 1976, el grupo comenzó a grabar el álbum Eskimo, un álbum conceptual basado en la Teoría de la Organización Fonética que sugiere que la música no debe limitarse a acordes y estructuras, sino que debe ser simplemente una colección de ruidos fascinantes. El álbum presentaba paisajes sonoros acústicos inspirados en la cultura inuit, mientras parodiaba la ignorancia estadounidense de otras culturas.
El repentino éxito de Fingerprince y sus predecesores hizo que el grupo detuviera brevemente la producción de Eskimo para crear algo más atractivo para su nueva audiencia.
De esta manera publicaron el EP Duck Stab en febrero de 1978 que constaba de siete temas. Presentaba canciones cantadas con claridad y letras comprensibles, aunque absurdas, algo poco común en The Residents. El EP fue un éxito inmediato, agotando la primera tirada en muy poco tiempo. La banda tuvo que sacar más copias, algo bastante inusual para ellos. Este EP atrajo cierta atención de la prensa (concretamente NME, Sounds y Melody Maker).
Portada del EP Duck Stab
Desafortunadamente, la calidad sonora del EP era pobre porque The Residents intentaron meter dieciséis minutos de música en el disco. La banda decidió reeditar las canciones en un álbum para mejorar el sonido.
Lista de temas
Lado uno
A1Laughing Song2:14
A2Blue Rosebuds3:11
A3Constantinople2:23
Lado dos
B1The Booker Tease1:09
B2Sinister Exaggerator3:27
B3Bach Is Dead1:12
B4Elvis And His Boss2:30
El contenido del álbum
Tomaron las canciones de otro EP llamado Buster & Glen, que aún no habían lanzado, y las combinaron con las del EP Duck Stab para tener suficiente material para el álbum. De esta manera las grabaciones se dilataron entre octubre 1977 y agosto de 1978.
La menor duración de las canciones hizo que el álbum fuera más accesible para los fans que habían escuchado recientemente la versión de "Satisfaction" de la banda, y canciones como "Constantinople" y "Hello Skinny" ayudaron a consolidar el culto de seguidores de la banda. Algunos señalaron que los Residents se acercaban a elementos comerciales, pero evitaban deliberadamente otros, como una estructura tradicional de estribillo/verso. Este álbum cuenta con la guitarra de Philip "Snakefinger" Lithman.
Snakefinger
Lanzamiento
El álbum fue lanzado el 30 de noviembre de 1978 por su propio sello Ralph Records en edición limitada (10000 copias). La funda por una cara tiene la portada de Duck Stab y por el otro lado la que hubiera sido la portada de Buster & Glen. En el lado de Duck Stab se incluyen dos rectángulos con la lista de canciones que en la primera edición son verdes y en las posteriores amarillas.
Portada del lado Buster & Glen.
El álbum fue renombrado posteriormente simplemente como Duck Stab.
Recepción
El álbum fue un éxito igual de grande, tanto en ventas como en crítica, gracias a la accesibilidad de su música y a las letras ingeniosas con toques de Lewis Carroll, sin olvidar el increíble trabajo de guitarra de Snakefinger.
Duck Stab fue incluido en el libro 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir. En 2018, Andy Gill de The Independent escribió que "como canciones infantiles, [las canciones de Duck Stab] mezclan lo siniestro con lo simple; y como dibujos animados, son el equivalente musical de Tex Avery, jugando constantemente con su medio y rompiendo el encuadre".
Lista de temas
Todas las canciones escritas y compuestas por The Residents, excepto "Sinister Exaggerator" de The Residents y Snakefinger.
En 1995 en Europa y en 1997 en Estados Unidos se publicó remasterizado en CD sin bonus tracks.
En 2005 se publicó una edición limitada en vinilo rojo de 180g en Europa.
En 2018 se publicó la pREServed edition con bonus tracks y un CD adicional con material extra.
En 2021 se publicó una edición limitada en vinilo trasparente rojo con estrías negras.
En 2023 se publicó con la funda original pero incluyendo un segundo LP con contenido adicional.
Opinión personal
Para mí, este es el primer álbum de The Residents completamente disfrutable. Aun así, sigue siendo una música desconcertante y perturbadora, distinta a todo lo que se escuchaba en esa época. Es un hito en la historia de la música electrónica, que influyó en muchas bandas posteriores, tanto punkis como electrónicas. Destaca, por ejemplo, el tema Blue Rosebuds. El resultado es divertido y refrescante, y requiere escucharlo varias veces para apreciarlo plenamente: o lo amarás o lo odiarás.
Este artículo lo dedicamos al primer álbum de la banda españolaCai titulado "Mas Allá De Nuestras Mentes Diminutas".
Cai
Cai es un grupo de rock sinfónico y jazz rock, originario de Cádiz, España que estuvo en activo entre 1977 y 1982, y una segunda etapa desde 2007 al 2011. El nombre proviene de como pronuncian los lugareños a la ciudad y provincia de Cádiz.
Es uno de los grupos más destacados de la segunda avalancha de bandas de rock andaluz, y era un cuarteto liderado por el teclista Chano Domínguez, hoy en día uno de los músicos de jazz españoles más internacionales. El resto de la banda estaba constituida por Diego Fopiani (batería y cantante), José A. Fernández Mariscal "El Niño" (guitarra eléctrica), Paco Delgado (guitarra flamenca) y Pepe Vélez (bajo).
Sebastián Domínguez Lozano, más conocido como Chano Domínguez (Cádiz, 29 de marzo de 1960), es un pianista español de jazz. En 2020 recibió el Premio Nacional de las Músicas Actuales. Su primer contacto con la música se debe a la gran afición de su padre al flamenco.
Sebastián Domínguez Lozano
No fueron nada fáciles los inicios y pasarían unos años hasta que el modesto productor argentino afincado en Madrid, Alberto Núñez Palacio, los descubriera en un viaje por Andalucía en busca de nuevos grupos.
Su primer álbum fue grabado en los estudios Sonoland (Madrid) en 1978 con el ingeniero Ángel Gil. El álbum fue producido por Alberto Nuñez de Trova Records.
Ángel Gil
La música del álbum es rock sinfónico instrumental con fuertes influencias de Emerson, Lake & Palmer y flamenco. Este disco de sólo cuatro temas que nos muestran una banda de rock sinfónico de raíces andaluzas con tendencia a pisar terrenos propios del jazz.
Lanzamiento
El álbum fue lanzado en 1978 por una compañía independiente llamada La Cochu-Trova, bajo el título de Más allá de nuestras mentes diminutas. Fue publicado inicialmente con una carpeta desplegable diseñada por J.L. Troyano con fotografía de V. Vivanco. Se hizo una tirada corta y no fue promocionado.
Contraportada del álbum
La buena acogida de este primer disco hizo que Javier García Pelayo se fije en ellos y convenza a su hermano para que los produzca, lo que les procuró un contrato con CBS, para su sello Epic.
Aunque se menciona como influencia principal a Emerson, Lake & Palmer, hay momentos que me suena más como si Pink Floyd se aventurara a hacer un álbum flamenco. Debido a las limitaciones de su producción, este disco no alcanzó gran popularidad, pero en él los músicos muestran un talento impresionante, destacando especialmente los teclados de Chano Domínguez. Está formado por cuatro extensos temas, en su mayoría instrumentales, de rock progresivo con raíces andaluzas y una fusión con el jazz.
Reediciones
Fue reeditado en LP en 1987.
Fue publicado en CD por primera vez en 2007. Incluía un CD adicional con extras y temas inéditos. Lamentablemente se tomó de un vinilo por lo que el sonido no es muy bueno.
En este artículo nos ocupamos del álbum Die Mensch-Maschine / The Man-Machine de la banda alemana Kraftwerk.
Kraftwerk traducido "central eléctrica" es una banda alemana formada en Düsseldorf en 1969 por Ralf Hütter y Florian Schneider. Ampliamente considerados innovadores y pioneros de la música electrónica, Kraftwerk fue uno de los primeros grupos exitosos en popularizar el género. El grupo comenzó como parte de la escena experimental de krautrock de Alemania Occidental a principios de la década de 1970 antes de adoptar completamente la instrumentación electrónica, incluidos sintetizadores, cajas de ritmos y vocoders. Wolfgang Flür se unió a la banda en 1974 y Karl Bartos en 1975, ampliando la banda a un cuarteto.
La portada del primer álbum, titulado Kraftwerk (1970), mostraba un cono de tráfico, que fue una marca distintiva en esta fase inicial del grupo. El diseño de la portada, acreditado a Ralf Hütter, es un curioso guiño a la influencia de Andy Warhol y el movimiento pop art contemporáneo, que presenta un cono de tráfico de color fluorescente dibujado de una manera similar a Warhol. Un artículo anterior lo dedicamos a sus comienzos y al primer álbum: 1970: Comienzos de Kraftwerk y primer álbum
Portada original del primer álbum homónimo de Kraftwerk
La palabra "Kraftwerk" significa central eléctrica o planta y maquinaria, de ahí el uso del letrero en la portada para transmitir la idea de obras viales debido a una planta y maquinaria / hombres en el trabajo.
Para vuestro mundo la palabra “energía” tiene un distinto significado que para el nuestro. Para vosotros significa algo “muy fuerte, poderoso”. Para nosotros es más una presencia. Todas las formas de energía. Ya sea mental, intelectual o eléctrica. Toda ella repercute en nuestra música”
Ralf Hutter
El trabajo de la banda ha influido en una amplia gama de artistas y muchos géneros de música moderna, incluyendo synth-pop, hip hop, post-punk, techno, ambient y música de club. En 2014, la Recording Academy honró a Kraftwerk con un Grammy Lifetime Achievement Award. Más tarde ganaron el Premio Grammy al Mejor Álbum Dance / Electrónico con su álbum en vivo 3-D The Catalogue (2017) en la ceremonia de 2018. A partir de 2020, la banda continúa de gira. En 2021, Kraftwerk fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll en la categoría de influencia temprana.
Al comienzo de 1970Hütter y Schneider iniciaron el proyecto Kraftwerk y establecieron su propio estudio de grabación, denominado Kling Klang Studio, en el centro de Düsseldorf. Las primeras formaciones de Kraftwerk de 1970 a 1974 fluctuaron, ya que Hütter y Schneider trabajaron con alrededor de media docena de otros músicos durante los preparativos y la grabación de tres álbumes y apariciones esporádicas en vivo, incluido el guitarrista Michael Rother y el batería Klaus Dinger, que se fueron para formar Neu!.
La banda lanzó dos álbumes de rock experimental de forma libre, Kraftwerk (1970) y Kraftwerk 2. Los álbumes fueron en su mayoría improvisaciones musicales exploratorias tocadas en una variedad de instrumentos tradicionales, como guitarra, bajo, batería, órgano, flauta y violín. Las modificaciones posteriores a la producción de estas grabaciones se usaron para distorsionar el sonido de los instrumentos, particularmente la manipulación de cintas de audio y múltiples doblajes de un instrumento en la misma pista. Ambos álbumes son puramente instrumentales. En un anterior artículo comentamos su segundo álbum: 1971: Kraftwerk 2
Portada de su segundo álbum
En un anterior artículo continuamos su historia hasta la publicación de su tercer álbum Ralf und Florian en octubre de 1973 en Alemania.
Portada del álbum Ralf und Florian
En un anterior artículo nos ocupamos de “Autobahn”, su cuarto álbum, en realidad el primero conocido a nivel internacional después de sus tres primeros álbumes totalmente instrumentales y experimentales.
Autobahn fue también el primer álbum conceptual de Kraftwerk. El título se traduce en castellano simplemente como "Autopista" y se inspiró en la red de autopistas alemana. La música era como un guion de cine y un viaje hacia el sonido electrónico.
El punto de comienzo del synth pop se remontan a la publicación de este álbum, el cual supuso un cambio en el desarrollo de la música electrónica y popular. Su revolucionario trabajo, futurista y original para la época, sería decisivo en el desarrollo de la música en los años posteriores e influenciaría fuertemente a los artistas que vendrían unos años después, especialmente en el Reino Unido.
Fue la primera vez que un grupo de música electrónica emprendía una gira. La mayoría de críticas señalan a “Autobahn” como prácticamente el primer disco de música electrónica en la historia.
Ya hemos visto que hay álbumes anteriores que pueden tener dicha distinción, aunque es el primero que se promociona en una gira. Para ello hicieron transportable su estudio de grabación. El álbum se incluyó en el libro 1001 Álbumes que debes escuchar antes de morir.
En un anterior artículo nos ocupamos del sencillo Radioactivity, del álbum “Radio-Activity”(título en alemán: “Radio-Aktivität”, en español Radio Actividad). Es el único sencillo que se extrajo del álbum. Aprovechamos para comentar la versión de 1991 y actuaciones y versiones en vivo: 1975: La radioactividad de Kraftwerk, el sencillo
En un anterior artículo nos ocupamos del álbum “Radio-Activity”(título en alemán: “Radio-Aktivität”, en español Radio Actividad) que es el quinto álbum de estudio de la banda electrónica alemana Kraftwerk, lanzado en octubre de 1975. El primer álbum completamente electrónico de la banda, es un álbum conceptual organizado en torno a los temas de la desintegración radioactiva y de la comunicación por radio.
Portada del álbum Radio-Aktivität en Alemania
En anteriores artículos comentamos el álbum Trans Europa Express:
Musicalmente, el álbum sigue la línea de su predecesor Trans Europa Express, dejando en segundo plano las máquinas de ritmo y logrando un sonido más suave en general. Fue creado y grabado en el estudio Kling-Klang de Kraftwerk en Düsseldorf, pero se mezcló en el estudio Rudas debido a que la consola del Kling-Klang no era suficiente. La mezcla estuvo a cargo de Joschko Rudas, con la colaboración en algunas canciones del ingeniero de Detroit Leanard Jackson, de Whitfield Records, quien había trabajado el año anterior en el segundo álbum de Rose Royce. Florian Schneider y Ralf Hütter fueron los productores, y entre los equipos utilizados destacó el vocoder Sennheiser VSM 201.
Vocoder Sennheiser VSM 201
The Man-Machine fue el primer álbum de Kraftwerk en el que Karl Bartos fue coacreditado como compositor.
Como en los álbumes anteriores, Die Mensch-Maschine es un álbum conceptual. Mientras que Autobahn y Radio Activity abordaban temas más alemanes y Trans Europa Express se centraba en Europa, el séptimo álbum tiene un enfoque más global y explora temas futuristas como los viajes espaciales, los robots y la gran ciudad con un matiz satírico. La inspiración para este trabajo provino del clásico alemán del cine mudo Metrópolis, dirigido por Fritz Lang en 1927.
Imagen de la película Metrópolis
Tanto el título del álbum "La máquina humana", como la canción "Metrópolis" y la idea de un mundo dominado por la tecnología, donde el ser humano libre es reducido a sirviente de una compleja máquina, están inspirados en la película.
El álbum aborda una amplia gama de temas, desde la Guerra Fría, la fascinación de Alemania por la manufactura y la relación cada vez más simbiótica de la humanidad con las máquinas.
Con la excepción de Das Model, la letra es de Ralf Hütter que la escribió junto con Emil Schult. En Spacelab y Metropolis únicamente se repite el nombre del título correspondiente.
Con un toque extra de refinamiento en su estilo mecánico, el álbum le dio al grupo la oportunidad de integrar ritmos más bailables.
Con fines promocionales, la banda mandó fabricar maniquíes que se utilizaron en algunos eventos de prensa vinculados al lanzamiento. Después de cinco años sin aparecer en televisión, Kraftwerk volvió a la pantalla en la cadena ZDF el 29 de marzo de 1978. Vestidos como robots vivientes (pantalones grises, camisas rojas y corbatas negras con LEDs rojos secuenciados), presentaron al público su nuevo sencillo (We are ...) The Robots. En el video se combinan las imágenes de los músicos con la de los maniquíes.
El diseño de la imagen de portada es de Karl Klefisch y está basado en una obra del constructivista ruso El Lissitzky y el movimiento suprematista. En la portada están las palabras "inspirado en El Lissitzky". La imagen de portada, realizada en negro, blanco y rojo, es una adaptación de una ilustración del libro infantil Cuento suprematista (de dos cuadrados).
Portada de la obra de El Lissitzky
Gunther Frohling fotografió al grupo para la portada, una imagen ahora icónica que mostraba al cuarteto vestido con camisas rojas y corbatas negras.
El álbum salió el 28 de abril de 1978, lanzado por Kling Klang en Alemania y por Capitol Records en el resto del mundo. El álbum fue lanzado en versión alemana (Die Mensch-Maschine) y en versión inglesa con el título The Man-Machine.
Tras su lanzamiento, el álbum alcanzó el puesto 12 en Alemania, 9 en el Reino Unido y 130 en Estados Unidos. Fue certificado oro en el Reino Unido por más de 100.000 unidades vendidas.
Pantallazo de la lista británica
Tras su lanzamiento, Kraftwerk no publicó otro álbum ni gira durante tres años.
Recepción
El álbum les consiguió su primera portada en la revista británica New Musical Express, donde se destacó la “realización casi perfecta de sus ambiciones musicales y políticas”. Melody Maker lo describió como un “álbum majestuoso y frío”.
La vestimenta de la portada, con camisas rojas y corbatas negras, dio a la banda una apariencia falsamente fascista que fue especialmente rechazada en Estados Unidos.
Matt Mitchell, de la revista Paste, dijo que "El álbum fue el momento en que Kraftwerk tomó su característico estilo mecánico de siempre y lo reinventó para transformarlo en una estética perfecta para el ambiente de club de baile".
El equipo de GQ India comentó: "Inspirándose en la música electrónica de la contracultura alemana —un movimiento aún influyente conocido como Krautrock por el público británico— durante los años 70 y principios de los 80, [Kraftwerk] moldeó algo modernista [...] a partir de las posibilidades de la música con sintetizador."
Según Alex Linhardt de Pitchfork, la banda "simplemente suena como robots" en el álbum. Explicó: Aunque el vertiginoso mundo de las citas de Ralf Hütter no conoce límites en cuanto a pretensión, este álbum es probablemente el que mejor refleja su música ideal: sin emociones, filosofías, interpretaciones y casi sin humor. Es pura tecnología: silbidos y circuitos veloces de fábricas automatizadas, tubos hidráulicos que parpadean, odómetros y engranajes amplificados, y palmadas mecánicas anteriores a la era Pong.
Según Steve Huey, de AllMusic, "The Man-Machine está más cerca del sonido y estilo que definirían el electro-pop new wave temprano: menos minimalista en sus arreglos y más complejo y bailable en sus ritmos subyacentes." Además describió el estilo como "más orientado al pop que cualquiera de sus trabajos anteriores".
Una vez más, este álbum estableció estándares para la industria musical y los estilos musicales que siguieron.
Varios artistas británicos tomaron el álbum como referencia musical y escénica, junto con la segunda cara de Lowde David Bowie. La música de Kraftwerk sonaba en clubes británicos como Billy’s, en Londres. El uso de sintetizadores impulsó una ola de synth pop y de bandas de nuevos románticos en el Reino Unido. Uno de los primeros en seguir su estela fue Gary Numan, en 1979, quien adoptó el look de camisa y corbata negras para el escenario. La idea de dejar que las máquinas hicieran el trabajo fue retomada por The Human League durante su gira como teloneros de Talking Heads, en la que no aparecían en escena y solo usaban grabadoras y proyectores de diapositivas. En sus primeros años, Depeche Mode colocaba los sintetizadores —al igual que Kraftwerk— alineados uno junto al otro en el escenario.
Portada del álbum Low
Reediciones
Fue publicado por primera vez en CD en 1986.
En 2006 fue publicado como disco de imagen.
En octubre de 2009, se publicó una edición remasterizada del álbum en CD, vinilo y formatos digitales por Mute Records y Astralwerks.
En 2015 se publicó en vinilo de 180g.
En 2020 se publicó en edición limitada en vinilo rojo traslúcido.
Opinión personal
Mi vinilo es de una reedición de 1985 en España. El primer vinilo que tuve de ellos fue Computer World. The Model fue una de las primeras canciones que grabe de la radio con 14 años. Es un hito en la historia de la música electrónica y un referente para muchos artistas.
Letras
"Die Roboter"
Wir laden unsere Batterie
Jetzt sind wir voller Energie
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir funktionieren automatik
Jetzt wollen wir tanzen mechanik
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Jetzt wollen wir tanzen mechanik
Wir sind auf Alles programmiert
Und was du willst wird ausgefhrt
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir funktionieren automatik
Jetzt wollen wir tanzen mechanik
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Jetzt sind wir voller
Jetzt wollen wir tanzen
Jetzt sind wir voller
Jetzt wollen wir tanzen
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
Wir sind die Roboter
"Das Model"
Sie ist ein Model und sie sieht gut aus
Ich nehm sie heut gerne mit zu mir nach Haus
Sie wirkt so kühl, an sie kommt niemand ran
Doch vor der Kamera, da zeigt sie, was sie kann
Sie trinkt in Nachtclubs immer Sekt (korrekt)
Und hat hier alle Männer abgecheckt
Im Scheinwerferlicht ihr junges Lächeln strahlt
Sie sieht gut aus und Schönheit wird bezahlt
Sie stellt sich zur Schau für das Konsumprodukt
Und wird von Millionen Augen angeguckt
Ihr neues Titelbild ist einfach fabelhaft
Ich muss sie wieder seh'n, ich las, sie hat's geschafft
