1974: Los rostros en el reflejo de George Duke

Contenido de esta entrada:

Introducción

Faces in Reflection

Portada del álbum Faces in Reflection

Enlaces interesantes: 

   

Introducción

Este artículo lo dedicamos al tecladista, compositor, cantautor y productor discográfico estadounidense George Duke y su álbum Faces in Reflection publicado en 1974. De paso comentamos su colaboración con Shuggie Otis.

George Duke (San Rafael, 12 de enero de 1946 - Los Ángeles, 5 de agosto de 2013) trabajó con numerosos artistas como arreglista, director musical, escritor y co-escritor, productor discográfico y como profesor de música.

Empezó a trabajar en los años 1960 con un trío de jazz, luego trabajó con gente como Dizzy Gillespie o Kenny Dorham.

A finales de los años sesenta entró en la banda de Don Ellis y grabó con Jean-Luc Ponty. Por medio de este conoció a Zappa, y entró en los Mothers en 1970. Dejó el grupo después de la gira 200 Motels y entró en la banda de Cannonball Adderley.

En 1973, volvió al grupo de Zappa hasta 1975, al tiempo que lanzaba su carrera como solista. Con el tiempo fue evolucionando desde el jazz a la fusión, al pop y al funk. Lanzó 32 álbumes en solitario, de los cuales A Brazilian Love Affair de 1979 fue el más popular.

Formó un exitoso dúo funky con Stanley Clarke, The Clarke/Duke Project, y se dedicó a producir a gente como Miles Davis y otras figuras. Era primo de Dianne Reeves.

Murió el 5 de agosto de 2013 a causa de una leucemia crónica.

George Duke en vivo, (2010)

Anteriores artículos

Un anterior artículo lo dedicamos a su carrera desde los comienzos hasta el álbum Save The Country publicado en 1970: 1970: Salvar al país con George Duke

Portada del álbum Save the Country

En un anterior artículo comentamos su carrera desde el álbum Save The Country hasta el álbum The Inner Source grabado en 1971 pero publicado en 1973. De paso repasamos su paso por la banda de Frank Zappa, The Mothers: 1973: La fuente interna de George Duke.

Portada del álbum The Inner Source

En un anterior artículo comentamos su paso por la banda de Cannonball Adderley: 1975: George Duke con Cannonball Adderley.

Portada del álbum Lovers

Shuggie Otis

En 1971, George Duke colaboró en el álbum Freedom Flight de Shuggie Otis tocando en los teclados. El álbum fue publicado en septiembre de 1971 con Epic.

Portada del álbum

Lista de temas

Lado uno

A1 Ice Cold Daydream    (Shuggie Otis)    2:27

A2 Strawberry Letter 23    (Shuggie Otis)    3:57

A3 Sweet Thang    (Johnny Otis, Shuggie Otis)    4:05

A4 Me And My Woman    (Gene Barge)    4:15

A5 Someone's Always Singing    (Kenny Kahn, Shuggie Otis)    3:22

Lado dos

B1 Purple     (Shuggie Otis)    7:05

B2 Freedom Flight     (Shuggie Otis)    12:48

Enlace del álbum completo: Shuggie Otis - Freedom Flight -1971 -FULL ALBUM

Enlace a la lista de reproducción: Shuggie Oits Freedom Flight (1971) Full Album

Contraportada del álbum

Créditos

• Shuggie Otis - voz principal y coros, guitarra, bajo, órgano, piano, batería, campanas, guitarra de cuello de botella, piano de tachuelas
• Johnny Otis - percusión, coros
• Wilton Felder - bajo
• George Duke - órgano, piano eléctrico, celesta
• Aynsley Dunbar - batería
• Mike Kowalski - batería
• Richard Aplanalp - saxofón tenor, oboe, flauta
• James "Supe" Bradshaw - armónica, coros
• Venetta Fields, Clydie King, Sherlie Matthews - coros

Faces in Reflection 

Grabación

George Duke grabó el álbum Faces in Reflection en el año 1974 en el estudio Bolic Sound de Inglewood, California, que pertenecía a Ike & Tina Turner con el ingeniero Fred Borkgren. Se ocupó de la mezcla Kerry McNabb. La producción fue de Baldhard G. Falk para MPS Records. Por aquel entonces seguía vinculado a la banda de Frank Zappa, The Mothers.

Kerry McNabb con Frank Zappa

A pesar de ser su tercer álbum de estudio, es el primero que le ha dejado plenamente satisfecho con el resultado y en el que ha podido realizar lo que deseaba. Tras cantar con la banda de Zappa, se atrevió a hacerlo en dos de los temas del álbum: Capricorn y Faces in Reflection Nº2.

La idea era tocar música intensa y usar la voz como herramienta para la orquestación. Me habían obligado a cantar con Frank Zappa, Así que mi confianza era más fuerte. No me malinterpreten, no lo hice entonces, ni ¿Ahora me considero cantante? Siempre utilicé el canto como un medio para comunicarme con mi audiencia. Obviamente, las palabras tienen un efecto diferente que la música instrumental. Sentí que la voz podía ser usada para tender un puente entre la en una fusión de jazz, funk, música latina y pop."

George Duke

John Heard 

La banda estaba formada por el incondicional bajista John Heard y su nuevo amigo, Leon Ndugu Chancelor, en la batería. Ndugu y él tenían una larga relación musical.

Leon Ndugu Chancelor

 

Duke ya había empezado a experimentar con los sintetizadores con Frank Zappa, así que los siguió utilizando en esta grabación. 

Empecé a experimentar con compases impares y varias texturas con sintetizadores. Este fue mi primer disco en solitario usando un sintetizador. Frank Zappa es el responsable de mi introducción a los sintetizadores. Un día me dijo: que debería tocar sintetizadores. ¡Era tan simple como eso! Compró un ARP 2600 y lo puse al lado de mi [piano eléctrico] Rhodes. Tenía todas estas perillas y se veía totalmente intimidante. Me lo llevé a casa un par de veces con el manual, pero no llegué a ninguna parte. Pensé que estaba de vuelta en la universidad estudiando algún idioma abstracto extranjero."

George Duke

Antes las dificultades del ARP 2600, se decidió por un modelo más simple, el ARP Odyssey. 

Finalmente opté por algo más sencillo: un ARP Odyssey. Elegí el ARP para diferenciarme de Jan Hammer, quien tocaba el Mini Moog y era más aventajado en el manejo del sintetizador. Además, Ian Underwood era excelente con el 2600, y no quería sonar como un principiante en comparación. Sin embargo, debo confesar que las posibilidades inherentes al instrumento me atraían enormemente. ¡También había desafíos! En aquel entonces, no existían ajustes preestablecidos ni maneras de guardar configuraciones. Además, solo podías tocar una nota por vez. Por lo tanto, la sobregrabación, tener buena memoria y un eficiente sistema de organización se convirtieron en aspectos cruciales."

George Duke

En principio, el álbum se iba a llamar Faces. Pero había salido un álbum llamado Faces de una banda de rock y el productor no quería ninguna confusión entre ambos.

Registro de la grabación

Lanzamiento

El álbum fue lanzado en 1974 con MPS Records (MC 22018) en Estados Unidos, Alemania y Países Bajos.

Las fotografías fue de B. G. Falk con diseño de la funda de Heinz Bähr.

Contraportada del álbum

Lista de temas

Lado 1

1. "The Opening" (George Duke) 3:19

2. "Capricorn" (Duke, Rick Holmes) 5:06

3. "Piano Solo No. 1 & 2" (Duke) 2:22

4. "Psychosomatic Dung" (Duke) 5:03

5. "Faces in Reflection No. 1" (Duke) 3:42

Lado 2

6. "Maria Tres Filhos" (Fernando Brant, Milton Nascimento) 5:09

7. "North Beach" (Duke) 6:19

8. "Da Somba" (Duke) 6:18

9. "Faces in Reflection No. 2" (Duke) 2:22

Enlace a la lista de reproducción: Faces in Reflection

Enlace al álbum completo: George Duke-Faces in reflection(Full album)

Créditos

• George Duke / teclados, pianos, voz (2, 9)

Con:

• John Heard / bajo
• Leon Ndugu Chancler / batería

Reediciones

En 1982 fue publicado en vinilo en Japón y en 1983 en España

Fue publicado remasterizado en CD en 2008.

Fue publicado en formato FLAC para descarga en 2014.

En 2018 fue publicado en vinilo de 180g remasterizado.

Opinión personal

Este ya es un álbum de jazz-fusión auténtico en el que Duke brilla en los teclados asistido esta vez por una muy buena sección rítmica formada por John Heard y Leon Ndugu Chancler. Se observan influencias latinas y funkies. El sintetizador hace que no sean necesarias guitarras de la misma forma que hace Jan Hammer. Álbum muy recomendable

1977: Se acabó para la ballena

Contenido de esta entrada:

Introducción

El sencillo It's Over

Portada del sencillo It's Over en los Países Bajos

Enlaces sobre Jeff Lynne's ELO:

 

Introducción

En un anterior artículo comenzamos la historia de la Electric Light Orchestra (ELO), un grupo británico de rock progresivo natural de Birmingham (Inglaterra) y liderado por el músico Jeff Lynne. 

Portada del primer álbum homónimo de la ELO

Después de la salida de Wood, tras el lanzamiento del álbum debut que comentamos en el artículo 1971: Comienzos y primer álbum de la ELO, Lynne se convirtió en el líder del grupo y compuso, arregló y produjo todas las canciones y trabajos de la formación. Entre 1971 y 1986, durante su época de mayor actividad, el grupo publicó once álbumes y obtuvo una notable popularidad con trabajos como A New World Record, Out of the Blue y Discovery. En otro anterior artículo comentamos su segundo álbum ELO 2: 1973: ELO 2 en el planeta perdido

Portada del álbum ELO 2 en el Reino Unido

En otro anterior artículo continuamos su historia hasta la publicación de su tercer álbum On The Third Day.1973: Al tercer día con la ELO

Portada del álbum On The Third Day

En un artículo continuamos su historia hasta la publicación de su primer álbum en directo The Night the Light Went On in Long Beach: 1974: Terror en Long Beach con la ELO

Portada del álbum The Night the Light Went On in Long Beach

En un anterior artículo continuamos su historia hasta la publicación de su cuarto álbum de estudio Eldorado: 1974: ELO en busca de Eldorado

Portada del álbum Eldorado

En anteriores artículos continuamos su historia hasta la publicación de su quinto álbum de estudio Face the Music: 

1975: El álbum Face The Music de la ELO

1975: Las canciones del álbum Face the Music

Portada del álbum Face the Music de la ELO

En anteriores artículos continuamos su historia hasta la publicación del álbum A New World Record: 

1976: Un nuevo récord mundial de la ELO

1976: El sencillo Livin' Thing de la ELO

1976: El sencillo Do Ya de la ELO

1976: El sencillo Rockaria! de la ELO

1976: La línea telefónica de la ELO

Portada del álbum A New World Record

En un anterior artículo comenzamos una serie sobre el álbum Out of the Blue. 

En el primero comentamos el sencillo Turn to Stone: 1977: Convertido en piedra con la ELO.

En el segundo comentamos el sencillo Mr. Blue Sky: 1977: El Sr. Cielo Azul y la ELO

En el tercero comentamos el sencillo Sweet Talkin' Woman: 1977: Dulce mentirosa y la ELO

En el cuarto comentamos el sencillo Wild West Hero: 1977: El héroe del salvaje oeste y la ELO

Portada del álbum Out of the Blue

A pesar del éxito de sus primeros sencillos en el Reino Unido, el grupo obtuvo una mayor popularidad en los Estados Unidos, donde se convirtieron en una de las bandas con mayores ventas de la industria musical. Entre 1972 y 1986, y a pesar de no obtener ningún número uno, la Electric Light Orchestra acumuló un total de quince sencillos top 10 en el Reino Unido y siete en los Estados Unidos, y mantiene el récord de éxitos en el top 40 de la historia de Billboard sin haber cosechado un número uno. Además, ha obtenido 38 premios de la British Phonographic Industry (BPI), veintiuno de la RIAA y diecinueve de la CRIA,​ y ha vendido más de cincuenta millones de copias a nivel mundial.

Tras su separación en 1986, Lynne volvió a reformar la Electric Light Orchestra en dos ocasiones: en 2001, con la publicación de Zoom, y en 2015, bajo el nombre de Jeff Lynne's ELO, para el lanzamiento de Alone in the Universe.

El 7 de abril de 2017, la banda entró al Salón de la Fama del Rock and Roll.

En este artículo continuamos con el álbum Out of the Blue comentando el sencillo It's Over.

El sencillo It's Over

Grabación

It's Over es el segundo corte del doble álbum Out of the Blue. También fue el quinto tema en ser posteriormente lanzado como sencillo.

It's Over fue compuesto en un chalet en Suiza por Jeff Lynne durante las dos semanas intensas en donde escribió el doble álbum. 

La cara B del sencillo fue el instrumental "The Whale" que también estaba incluido en el álbum (pista quince). La pieza destaca el talento en el teclado de Richard Tandy y la orquestación característica bajo la dirección de Louis Clark. Inspirado por un documental sobre la caza de ballenas, el compositor Jeff Lynne se motivó a escribir esta obra instrumental, en una línea similar a la de Jon Anderson (de Yes) con "Don't Kill the Whale" en 1978.

Yes - Don't Kill The Whale (Official Music Video) - YouTube

Arreglos 

Los arreglos del tema fueron realizados por Jeff Lynne, Louis Clark y Richard Tandy.

 El comienzo orquestal de It's Over fue en realidad el final de "Mr. Blue Sky" invertido.

Lanzamiento 

It's Over con The Whale en la cara B fue lanzado como sencillo el 4 de octubre de 1978 en los Estados Unidos, donde se convirtió en un éxito menor alcanzando el puesto 75 en el Billboard Hot 100.

También fue publicado en Canadá, Nueva Zelanda, Países Bajos y México donde los títulos se tradujeron como Se acabó / La ballena.

Portada del sencillo en México

Video oficial del tema:

Electric Light Orchestra - It's Over (Official Video) - YouTube

Recepción del sencillo

Billboard dijo que "It's Over" tiene una "sensación clásica" como resultado de los estados de ánimo cambiantes generados por la canción. Cash Box dijo que comienza "con acordes simples que se abren a un ritmo de rasgueo" y que las "cuerdas agregan panorama" y que "las voces son característicamente cristalinas y elevadas". Record World lo llamó "un sencillo clásico de ELO con la voz y las técnicas de producción únicas de Jeff Lynne".

Recopilatorios

It's Over y The Whale fue remasterizados y reeditados en la caja recopilatoria Flashback publicada en 2000.

It's Over

The Whale

Legado

En 2007, el artista y productor de hip hop will.i.am sampleó partes de la canción, y formó la columna vertebral de su canción de apertura "Over" del álbum Songs About Girls.

Over

En la década de 1980 y principios de la de 1990, una parte del tema The Whale se usó durante la despedida nocturna en la estación de televisión CFTO-TV de Toronto.

ELO - The Whale - CFTO Toronto 9 sign off 1986 - YouTube

Letras

"It's Over"

It's over, it's over, it's over

Summer came and passed away

Hardly seemed to last a day

But it's over, and what can I do?

Music playing in the air

Silence on a darkened stair

'Cause it's over, and what can I do?

It's over, it's over, all over, it's all over now

And the way you looked

Don't even mean I'm down (It's over)

When you kick out the sea

And the sun says goodbye

There is nothing much to speak of

Feeling down, down (It's all over)

Feeling down, down, down

Baby, baby

It's all gone

Rolled out to sea

Looking over sunny days (Searching, searching)

Searching for the righteous wave

'Cause it's over (All gone, what can I do?)

Looking from this distant shore (Distant shore)

You ain't sailing by no more

'Cause it's over (It is over)

And what can I do?

It's over, it's over, all over, it's all over now

And the way you looked

Don't even mean I'm down

It's over, over (It's over)

When you kick out the sea

And the sun says goodbye

There is nothing much to speak of

Feeling down, down (It's over)

Feeling down, down, down

Ah, it's over, it's over, it's over

It's all over, and what can I do?

Ah, it's over, it's over

It's all over

Oh, it's over, it's over

Don't shed a tear for me, it's over

Don't shed a tear

Although it's over

VOLVER ARRIBA

1976: La grabación del álbum Station to Station de Bowie

 Contenido de esta entrada:

Introducción

Producción

Estilo musical

Portada del álbum Station to Station

Enlaces interesantes sobre Bowie:

Introducción

En este artículo continuamos con el álbum Station to Station de David Bowie publicado en 1976 con la grabación.

Anteriores artículos

En un anterior artículo comentamos la película británica de ciencia ficción, The Man Who Fell to Earth (conocida como El hombre que vino de las estrellas en España y El hombre que cayó a la Tierra en Hispanoamérica) del año 1976 que protagonizó David Bowie: 1976: David Bowie es el hombre que cayó a la tierra

Portada de la banda sonora

En un anterior artículo comenzamos una serie dedicada al álbum de David Bowie, Station to Station publicado en 1976. Una primera parte lo dedicamos al nuevo personaje que desarrolló para el álbum, The Thin White Duke (el delgado duque blanco): 1976: Bowie y el Delgado Duque Blanco.

Bowie caracterizado como el personaje The Thin White Duke (El Delgado Duque Blanco)

Producción

Antecedentes

El sencillo "Fame" de Bowie, lanzado en 1975 y fruto de su colaboración con John Lennon, se convirtió en un enorme éxito comercial, liderando las listas de popularidad en Estados Unidos. La discográfica de Bowie, RCA Records, estaba impaciente por fraguar un nuevo éxito.

Portada del sencillo Fame en Alemania

Después de completar su trabajo en la película The Man Who Fell to Earth en septiembre de 1975, Bowie regresó a Los Ángeles; su asistente Coco Schwab le había comprado recientemente una casa. En parte debido a su adicción a las drogas, su matrimonio con su esposa, Angie, comenzó a desmoronarse. Después de grabar coros para el tema «Real Emotion» de Keith Moon, estaba listo para grabar su próximo álbum.

El baterista Keith Moon

Keith Moon: real emotion

Ese mismo año, Bowie despidió a Defries como su mánager. En la culminación de la disputa legal que duró meses, observó, como lo describió Sandford, "la entrega de millones de dólares de sus ganancias futuras" en lo que fueron "términos excepcionalmente generosos para Defries", luego "se encerró en West 20th Street, donde durante una semana se pudieron escuchar sus aullidos a través de la puerta cerrada del ático". Michael Lippman, abogado de Bowie durante las negociaciones, se convirtió en su nuevo mánager; Lippman, a su vez, recibió una compensación sustancial cuando fue despedido al año siguiente.

Tony Defries

Los estudios Cherokee

"Station to Station" se grabó principalmente en los Cherokee Studios de Los Ángeles. Este estudio se inauguró en enero de 1975 y se convirtió rápidamente en uno de los más populares de la ciudad, atrayendo a artistas de la talla de Rod Stewart y Frank Sinatra. Cherokee Studios estaba más avanzado que los Sigma Sound Studios de Filadelfia, donde Bowie había grabado su anterior álbum Young Americans. Disponía de cinco salas de estudio, mesas de mezclas de veinticuatro pistas, sesiones ininterrumpidas de veinticuatro horas, amplias instalaciones y un salón bar. Al llegar a Cherokee, Bowie cantó algunas notas en el estudio uno, tocó un acorde de piano y dijo: "Esto funcionará bien".  El productor Harry Maslin dijo que el estudio fue elegido porque era nuevo y silencioso, con menos paparazzi y atención de los medios. Con un estudio más avanzado y sin limitaciones de tiempo, el espíritu de las sesiones se convirtió en experimentación.

Logo de los estudios

Personal

Maslin, quien coprodujo "Fame" y "Across the Universe" en el álbum "Young Americans", fue reclutado nuevamente por Bowie para la producción. Tony Visconti, que había regresado al equipo de Bowie después de tres años, trabajando en la mezcla de "Diamond Dogs" y coproduciendo "David Live" y "Young Americans", no participó debido a conflictos de agenda.  

David Bowie y Harry Maslin. Foto de Geoff MacCormack

Creo que está mucho más avanzado que el productor promedio. Sabe mucho de cosas técnicas. No lo sabe todo, no es ingeniero, pero sabe más de arreglar una canción, sabe más de cómo relacionarse con la gente y sacar lo que quiere de ellos... Si escuchas los ritmos específicamente en este álbum, hay cosas muy extrañas que suceden rítmicamente entre todos los instrumentos... Por lo menos, David es un genio cuando se trata de trabajar las sensaciones rítmicas. Él era el pilar detrás de todo."

Harry Maslin sobre el papel de Bowie como productor, 1976

También regresaron de las sesiones de Young Americans los guitarristas Carlos Alomar y Earl Slick, el baterista Dennis Davis y el viejo amigo de Bowie, Geoff MacCormack (ahora conocido como Warren Peace). 

Earl Slick en 2011

El bajista George Murray, un músico del grupo de Weldon Irvine, fue reclutado para tocar el bajo. Esta incorporación consolidó la banda que acompañaría a Bowie durante el resto de la década, compuesta por Alomar, Murray y Davis. 

George Murray

Tras la marcha del pianista Mike Garson, Bowie necesitaba un sustituto. A mediados de octubre, Roy Bittan, miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen, se unió al conjunto por sugerencia de Slick. Bittan comentó más adelante: "David sabía que íbamos a venir a la ciudad y quería un tecladista. Deben haber sido solo unos tres días. Es uno de mis proyectos favoritos en los que he trabajado". Bowie elogió las contribuciones de Bittan. 

Roy Bittan

Calendario de la grabación

Aunque los editores de la revista NME, Roy Carr y Charles Shaar Murray, conjeturaron que fue grabado "en 10 días de actividad febril", estudios más recientes sostienen que las actividades de grabación y mezcla transcurrieron durante un par de meses, con las sesiones comenzando a finales de septiembre de 1975 o principios de octubre y terminando a finales de noviembre. 

Los primeros temas grabados para el álbum incluían The Return of the Thin White Duke y Golden Years. Según O'Leary, «Golden Years», que Bowie comenzó a escribir antes de comenzar a filmar The Man Who Fell to Earth, se completó en diez días y se publicó como sencillo mientras el álbum aún se estaba terminando. La grabación del tema "TVC 15" comenzó poco después de la finalización de "Golden Years".

Una versión de "Wild Is the Wind", escrita por Dimitri Tiomkin y Ned Washington e interpretada por primera vez por Johnny Mathis en la película de 1957 del mismo nombre, fue grabada durante las sesiones.

Johnny Mathis - Wild Is The Wind - YouTube

Bowie se inspiró para grabarla después de conocer a la cantante Nina Simone, quien había grabado su propia versión en 1966. Recordó en 1993: "Su interpretación de "Wild Is the Wind" realmente me afectó. Pensé que era tremendo, así que lo grabé como un homenaje a Nina". Bowie y Nina Simone se conocieron en 1974 en el club Hippopotamus y desde entonces habían forjado una gran amistad.

Nina Simone

Nina Simone - Wild Is The Wind (Original)

Un invitado durante las sesiones fue Frank Sinatra, quien elogió la grabación de Bowie de «Wild Is the Wind». Sus comentarios llevaron a Bowie a incluirla como la canción de cierre del álbum.

Frank Sinatra y La Princesa Farah de Persia , Irán, 1975

Si bien había comenzado a escribir el tema «Word on a Wing» durante el rodaje de la película, tanto «Stay» como la canción principal fueron escritas y grabadas íntegramente en el estudio. Los tres temas se compusieron a lo largo de octubre y noviembre, en lugar de hacerlo de una sola vez. Slick declaró: «Tenía una o dos canciones escritas, pero se cambiaron tan drásticamente que de todos modos no sabrías cómo estaban al principio, así que básicamente escribió todo en el estudio»

Proceso de grabación

Para álbumes anteriores, Bowie había mantenido un proceso de grabación relativamente sencillo. Llegó al estudio con temas completamente escritos y ensayados, grabados a un ritmo rápido y las sesiones concluyeron rápidamente. Con el masivo éxito comercial de "Young Americans" y la reedición de "Space Oddity" alcanzando el número uno en el Reino Unido, Bowie no se vio en la necesidad de apresurar el proceso de grabación en Los Ángeles. Llegó al Cherokee con fragmentos de canciones en lugar de composiciones terminadas, cambiándolas a medida que avanzaba la grabación. Luego le dio las ideas a Alomar, quien trabajó en los arreglos con Murray y Davis. Después de las pistas de acompañamiento vinieron las sobregrabaciones de saxofón, teclado y guitarra principal, seguidas de pistas vocales, terminando con efectos de producción. 

Dennis Davis

Este proceso de grabación estableció un patrón en los siguientes álbumes de Bowie, incluyendo a Scary Monsters (and Super Creeps) en 1980: las pistas musicales eran hechas por Murray, Davis y Alomar; saxofón, teclados, y guitarras superpuestas (hechas por Bowie, Roy Bittan y Earl Slick, respectivamente); voces, y finalmente varios trucos de producción para completar las canciones.

Alomar recordó: "Fue uno de los álbumes más gloriosos que he hecho... Experimentamos mucho en él". Maslin agregó: «Me encantaron esas sesiones porque éramos totalmente abiertos y experimentales en nuestro enfoque». Slick contribuyó con numerosos efectos de guitarra a lo largo de las sesiones. Según Bowie, "Conseguí algunas cosas extraordinarias de Slick. Creo que eso capturó su imaginación para hacer ruidos en la guitarra y texturas, en lugar de tocar las notas correctas". Tanto Slick como Maslin elogiaron el «enfoque sobre el terreno» de Bowie. Slick no encontró ningún ensayo ventajoso, lo que resultó en una actuación más limpia.

Carlos Alomar

Debido a su intensa adicción a la cocaína, Bowie mencionó que solo tenía "destellos" de recuerdo sobre la producción del álbum, hasta el punto de olvidar el estudio donde se grabó, reconociendo posteriormente: "Sé que fue en Los Ángeles porque lo he leído". Buckley dice que el único recuerdo de Bowie de las sesiones fue «estar con Earl Slick en el estudio y pedirle que tocara un riff de Chuck Berry en la misma tonalidad durante la apertura de 'Station to Station'». 

El cantante no era el único que abusaba de la cocaína durante las sesiones, Carlos Alomar comentó, «Si había una raya de coca que te mantuviera despierto hasta las 8 de la mañana, entonces podías hacer tu parte en la guitarra, y seguías con la raya [...] el uso de coca es impulsado por la inspiración». Al igual que Bowie, Earl Slick  solo tenía vagos recuerdos de la grabación: «El álbum es un poco borroso—¡por razones obvias! Estábamos en el estudio y fue genial— pasábamos ahí un montón de horas, un montón de noches».

Un día, se tuvo que cambiar la sesión de grabación a los cercanos estudios Record Plant debido a que Cherokee estaba ya reservado y Bowie deseaba mantener el ritmo de trabajo. Maslin recordó: "[Bowie] le gustaba trabajar cuatro días más o menos, horas muy extenuantes, y luego tomarse unos días libres para descansar y recargarse para otro sprint". El copropietario de Cherokee, Bruce Robb, le dijo a Spitz: "Llegué al día siguiente y todos seguían trabajando desde la noche anterior. Yo me iba y seguían trabajando".

Bruce Robb

Mezclas 

Al mezclar el álbum, Maslin encontró que usar las mesas de mezclas de 24 pistas era un desafío, pero permitían flexibilidad. Richard Cromelin de Circus escribió que tener un gran número de pistas le permitió a Maslin "desperdiciar" un canal en un efecto de sonido que luego podría ser "manipulado", dejando otras pistas para su uso por instrumentos y voces de doble pista. Bowie admitió haberle dado al disco un toque comercial: "Me comprometí en la mezcla. Quería hacer una mezcla plana... De principio a fin, sin reverberación ... Me rendí y le agregué ese toque comercial extra. Ojalá no lo hubiera hecho". En declaraciones a la revista Creem en 1977, Bowie proclamó que el álbum estaba "desprovisto de espíritu... Incluso las canciones de amor son distantes, pero creo que es fascinante".

Cherokee Studios

Estilo musical

Station to Station es a menudo citado como un álbum de transición en la carrera de Bowie. Nicholas Pegg, autor de The Complete David Bowie, lo calificó como un «punto medio exacto en el viaje de Young Americans a Low», mientras que para Roy Carr y Charles Shaar Murray, «efectivamente divide los años 70 para David Bowie, vinculando la época de Ziggy Stardust con el plastic soul, y presentando los primeros tintes de la nueva música que iba a seguir en Low».

Desarrollando el sonido funk, disco y soul de Young Americans, el álbum también refleja las influencias de la electrónica y el género musical alemán krautrock, particularmente de bandas como Neu! y Kraftwerk. 

Kraftwerk

Bowie había exhibido elementos vanguardistas en las canciones de 1973 "Aladdin Sane (1913-1938-197?)" y "Time". Según Robert Christgau, la experimentación de Bowie con estilos musicales afroamericanos había madurado en el momento en que grabó Station to Station, ya que el disco se apropiaba de ellos «en un contexto decididamente espaciado y abrasivo»; dijo que añadía alma a la «elegancia mecánica, fragmentada, más bien de segunda mano» explorada en Aladdin Sane (1973). Las críticas iniciales de Station to Station lo consideraron un álbum "bailable". 

En general, los críticos han clasificado la música de Station to Station como "funk-rock glacial y sintetizado", "art-rock de vanguardia", rock espacial, "un híbrido de R&B electrónico", "avant-pop espeluznante", "art-funk", y "ice-funk". Stephen Thomas Erlewine, de AllMusic, escribe que incluye «de todo, desde baladas épicas y disco hasta avant pop sintetizado», al tiempo que extiende «el alma plástica desapegada de los jóvenes estadounidenses a un extremo elegante y robótico». Chris Randle de The Village Voice etiquetó el álbum como «R&B robótico». Maslin le dijo a la revista Circus: "No había un sonido específico en mente. No creo que [Bowie] tuviera una dirección específica en cuanto a si debía ser R&B, o más inglés, o más comercial o menos comercial. Creo que esta vez salió más para hacer un disco que para preocuparse por lo que iba a resultar". Bowie comentó en 1999 que la música del álbum tiene una «cierta cualidad carismática... Eso te carcome mucho".