Contenido de esta entrada:
Introducción: hechos significativos del 1968
Libros de 1968 que influyeron en la música electrónica
El rock psicodélico en Estados Unidos
Evolución hacia el rock progresivo en Europa
Popularización del sintetizador Moog
Mas allá del Moog
El theremin no tiene tanta suerte
Continúa la música electrónica concreta
Morton Subotnick
Entradas de 1968 más populares visitadas en el blog
Enlace a la entrada anterior: 1967: Resumen del año
Enlace a la entrada siguiente: 1969: Resumen del año
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| Portada del álbum Música Electrónica de 1968 |
Introducción: hechos significativos del 1968
- El 14 de Mayo; The Beatles anuncian la creación del sello discográfico Apple. George Harrison, con la colaboración de Eric Clapton, fue la primera publicación del sello con la banda sonora de la película psicodélica 'Wonderwall', protagonizada por Jane Birkin.
- El 18 de julio: En California, los pioneros en semiconductores Robert Noyce y Gordon Moore fundan "Intel": Integrated Electronics Corporation. Esto dará impulso al desarrollo de instrumentos electrónicos mas manejables.
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| Robert Noyce |
- 11 de noviembre: John Lennon consigue por fin publicar su álbum "Unfinished Music No. 1: Two Virgins" en Estados Unidos.
- 22 de noviembre: en Londres, el grupo de rock The Beatles lanza su Álbum blanco.
- 3 de diciembre: Elvis Presley regresa al panorama musical, con un programa de una hora de duración, desde el canal NBC, titulado Elvis NBC TV Special, alcanzando el mejor dato de audiencia para la cadena en esa temporada. Después de este especial, abandonó su carrera en Hollywood, y volvió a las actuaciones en directo, a partir del año siguiente en Las Vegas.
Libros de 1968 que influyeron en la música electrónica
El rock psicodélico en Estados Unidos
- Lothar and the Hand People: Presenting...Lothar And The Hand People
- The United States of America con su álbum homónimo: The United States of America
- The Dirty Filthy Mud y su sencillo: The Forest of Black
En Nueva York:
- Frank Zappa con The Mothers of Invention: Were Only in It for the Money.
- Silver Apples con su álbum homónimo: Silver Apples
- The Rotary Connection con su álbum homónimo: The Rotary Connection
Evolución hacia el rock progresivo en Europa
- El 12 de abril el sencillo It Would Be So Nice
- El 29 de junio el álbum A Saucerful of Secrets
- El 17 de diciembre el sencillo Point Me at the Sky
- El 16 de febrero el sencillo Sunshine Day
- El 27 de septiembre el sencillo A Song for Jeffrey
- El 4 de octubre el álbum This Was
- El 29 de noviembre el sencillo Love Story
Popularización del sintetizador Moog
La mayoría de los sintetizadores Moog eran propiedad de universidades o sellos discográficos, y se usaban para crear bandas sonoras o jingles; en 1970, solo 28 eran propiedad de músicos. El Moog fue utilizado por primera vez por compositores experimentales como Richard Teitelbaum, Dick Hyman y Wendy Carlos.
En 1968 destaca Wendy Carlos con “Switched-On Bach” (1968), un álbum de música de Johann Sebastian Bach interpretado en un sintetizador Moog, que ayudó a popularizar su uso en la década de los 70 y ganó sus tres premios Grammy.“Switched-On Bach” se convirtió en un éxito comercial y crítico inesperado y ayudó a llamar la atención sobre el sintetizador como un instrumento musical genuino y demostrar que los sintetizadores podrían ser más que "máquinas de ruido al azar". Newsweek dedicó una página completa a Carlos con el título "Conectándose al Steinway del futuro". Alcanzó el puesto número 10 en la lista Billboard 200 de EE. UU. permaneciendo 59 semanas en lista. Y fue el número 1 en la lista de álbumes clásicos desde enero de 1969 hasta enero de 1972. Es el segundo álbum clásico en vender más de un millón de copias y fue certificado Oro en 1969 y Platinum en 1986 por la Recording Industry Association of America. Fue el primer álbum clásico certificado platino.
Paul Beaver como representantes de ventas de Robert Moog en la costa oeste de Estados Unidos, atrajo un cierto interés de la industria hasta el Festival Pop de Monterey en junio de 1967, cuando músicos y representantes de artistas visitaron su puesto y comenzaron a realizar pedidos de Moogs. Durante los dos años siguientes, Beaver jugó un papel clave en la popularización del instrumento en la música rock y en el cine y la televisión. Durante ese tiempo, llevó a cabo un flujo constante de trabajo de sesión para sus clientes de Moog y dirigió talleres a los que asistieron compositores de películas y teclistas de sesión.
Ya comentamos su colaboración en el álbum The Zodiac - Cosmic Sound de 1967. Entre otras de sus muchas apariciones en grabaciones de pop y rock actos, Beaver tocó el Moog en "Star Collector", la última canción del álbum de The Monkees Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd, publicado en noviembre de 1967 y en "Goin 'Back" de The Byrds, de su álbum de 1968 The Notorious Byrd Brothers.
Beaver era un amigo y socio de George Martin, y él ayudó en la producción de "Magical Mystery Tour álbum" de los Beatles, el suministro de la primera generación del órgano Hammond B3, que proporciona el efecto de sonido extraño al final de Azul Jay Way (logrado encendiendo y apagando la 'rueda fónica' motorizada).
De la colaboración con Bernard Krause hemos hablado en la entrada 1968: Ragnarok.
En 1968 colaboró tocando el Moog en el álbum "Spleen" de The Sound Of Feeling, el cual estaba constituido por el músico, arreglista y cantante Gary David y las hermanas gemelas vocalistas Alyce and Rhae Andrece. Enlace al álbum completo: Sound of Feeling - Spleen (1969)
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| The Sound Of Feeling |
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| Portada del álbum "Spleen" |
El desarrollo de Moog fue impulsado por solicitudes y sugerencias de músicos como Richard Teitelbaum , Herb Deutsch, Vladimir Ussachevsky y Wendy Carlos. Por ejemplo, después de que Deutsch sugirió que Moog encontrara una manera de desvanecer las notas, Moog inventó un módulo de envolvente, usando un botón de timbre como prototipo. Por sugerencia del compositor Gustav Ciamaga, Moog desarrolló un módulo de filtro, un medio para eliminar frecuencias de las formas de onda. Su primer diseño de filtro creó un sonido similar a un pedal wah-wah; más tarde desarrolló el filtro distintivo "escalera", que era el único elemento en el diseño del sintetizador que Moog patentó, otorgado el 28 de octubre de 1969. Wendy Carlos sugirió el primer teclado sensible al tacto, control de portamento y banco de filtros, que se convirtieron en características estándar.
La reputación de Andrew Rudin se consolidó en la década de los 60 a través de su asociación con Robert Moog y una serie pionera de composiciones sintetizadas, sobre todo su álbum con el sello Nonesuch, Tragoedia. Enlace al álbum completo: Andrew Rudin - Tragoedia (1968) FULL ALBUM
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| Andrew Rudin |
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| Portada del álbum Tragoedia |
Moog inicialmente evitó la palabra sintetizador, ya que estaba asociada con el sintetizador RCA, y en su lugar describió su invención como un "sistema" de "módulos de música electrónica". El significado clásico de "sintetizar" es ensamblar un conjunto de partes. Después de muchos debates, Moog finalmente le dijo al compositor Reynold Weidenaar: "Es un sintetizador y eso es lo que hace, y vamos a tener que seguirlo". Moog usó la palabra sintetizador impresa por primera vez en 1966. En la década de los 70, "sintetizador" se había convertido en el término estándar para tales instrumentos.
También hubo debate sobre el papel del teclado en los sintetizadores. Algunos, como el compositor Vladimir Ussachevsky y el competidor de Moog, Don Buchla, sintieron que eran restrictivos. Sin embargo, Moog reconoció que la mayoría de los clientes querían teclados y descubrieron que ayudaba a que el instrumento fuera accesible; Al hacer que los usuarios se fotografiaran tocando un teclado, les ayudó a comprender que el sintetizador era para hacer música. Moog también desarrolló controladores alternativos, como el controlador de cinta, que permite a los usuarios controlar el tono de manera similar a mover un dedo a lo largo de una cuerda de violín.
La mayoría de los módulos de Moog se finalizaron a fines de la década de los 60, y se mantuvieron sin cambios hasta que Moog Music dejó de cotizarse en la década de 1980. Moog había seguido el desarrollo de su sintetizador como un hobby; Recalcó que no era un hombre de negocios y que no sabía qué era un balance. Comparó la experiencia con las atracciones del parque temático: "Sabes que no te lastimarás demasiado porque nadie te dejaría hacer eso, pero no tienes el control".
Entre los interpretes que han usado el sintetizador Moog este año 1968 con mayor o menor acierto y las entradas correspondientes:
Jean-Jacques Perrey: 1968: El asombroso nuevo sonido pop electrónico
Mort Garson: 1968: El Mogo De Iz
Lothar and the Hand People: 1968: Presentando a Lothar y compañía
Wendy Carlos: 1968: Conectados a Bach
Beaver & Krause: 1968: Ragnarok
The Hellers (con el propio Robert Moog sl teclado): 1968: Los psicodélicos Hellers
The Love Machine: 1968: Música electrónica que te estallará la cabeza
Andrew Rudin: Tragoedia (en este apartado)
The Sound Of Feeling: Spleen (en este apartado)
Lo que observamos es que todos son de Estados Unidos, es decir la distribución del Moog no llega más allá por ahora. En el siguiente apartado veremos como se apañan en otros sitios.
Mas allá del Moog
Hemos visto que comienza la popularización del sintetizador Moog en 1968, pero por ahora limitado a Norteamérica. Este año hemos visto que en otros sitios comienzan a desarrollarse sintetizadores y otros equipos electrónicos. El Moog y otros sintetizadores existentes son equipos caros y voluminosos. Los músicos y los ingenieros empiezan a desarrollar equipos que sean más manejables y asequibles.
En Estados Unidos:
Inspirado por las ideas de Harald Bode propuestas en el JAES Journal de 1961, Paul Ketoff diseñó un nuevo sintetizador basado en un transistor controlado por voltaje, mucho más pequeño, para reemplazar al Fonosynth (y nuevamente, financiado indirectamente por Colombia Princeton). Ketoff presentó su nuevo instrumento bautizado como 'Syn – Ket' (Sintetizador-Ketoff) al compositor estadounidense John Eaton en la Academia Americana, quien rápidamente reconoció las posibilidades de usar el sintetizador para presentaciones en vivo.
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| "Syn-Ket" de Paul Ketoff |
Silver Apples utilizaba una batería de nueve osciladores montados uno encima de otro, además de 86 controles manuales para controlar los sonidos solistas, del ritmo y del bajo con las manos, los pies y los codos. Simeon diseñó un sistema de teclas telegráficas y pedales para controlar la tonalidad y los cambios de acordes y, según él, nunca ha aprendido a tocar los teclados y sintetizadores tradicionales.
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| Simeon con sus cacharros. |
En Japón:
En Reino Unido:
The Stylophone por Brian Jarvis. El Stylophone fue un pequeño instrumento electrónico novedoso creado en el Reino Unido por la Compañía Dübreq de Brian Jarvis (originalmente un estudio de producción y grabación de películas especializado en doblaje y grabación con sede en Leeds - el umlaut fue añadido para dar la impresión de la calidad germánica) entre 1967 y 1975. El estilófono fue diseñado para ser lo más barato posible para producir y fabricar basado en un diseño con un solo oscilador controlado por un teclado de placa de metal de 20 notas impreso directamente en la placa PCB reproducida por un lápiz óptico portátil. El instrumento tenía un sonido "único"; una simple onda cuadrada zumbido sin control de envolvente que podría ser modulado con vibrato a través de onda sinusoidal LFO. A pesar de su simplicidad, y debido a una campaña de marketing con Rolf Harris apoyando con entusiasmo el dispositivo, el Stylophone se enganchó; durante los seis años de su fabricación, se vendieron más de tres millones de estilófonos (El estilofón original se vendió por correo por £ 8 18"6d cada uno, el equivalente a alrededor de £ 95.00 en el dinero de hoy). Aunque estaba destinado como un juguete, el Stylophone fue recogido por varios músicos de la época - más famoso David Bowie en 'Space Oddity' (que aparentemente odiaba el instrumento, prestado a él por Mark Bolan) y Kraftwerk. El instrumento ha adquirido más recientemente un valor kitsch retro-nostlágico y es utilizado por grupos como Pulp, Manic Street Preachers, Belle and Sebastian, Orbital, Hexstatic y muchos otros.
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| Publicidad del Stylophone |
En Francia:
El 'Sintetizador de Coupigny' François Coupigny. A finales de la década de 1960 se desarrolló una intensa animosidad intelectual entre los estudios GRM y WDR; El GRM francés, dirigido por Pierre Schaeffer, defendió un enfoque libre galo de 'Musique Concrete' basado en grabaciones manipuladas de sonidos cotidianos que contrastan con el enfoque 'Electronische Musik' del Teutonic German WDR de estricto formalismo matemático y tonalidad (probablemente un análisis simplista; lee el ensayo mucho perspicaz de Howard Slater sobre el cisma). Esta divergencia en teoría significó que los estudios se desarrollaron de maneras divergentes; el GRM parisino basado en la manipulación de la grabación de cintas y el "sonido real" y el estudio WDR en sonido puramente sintetizado electrónicamente. Después de que esta rivalidad había disminuido, el Groupe de Recherches decidió finalmente integrar la síntesis electrónica en el equipo de estudio. El resultado de esto fue el 'Sintetizador Coupigny' diseñado y construido por el ingeniero François Coupigny alrededor de 1966 y se integró en la consola de mezcla de 24 pistas de Studio 54 en el GRM. A pesar de esto, el sintetizador fue diseñado con los principios de 'Musique Concrete' en mente. El Sintetizador Coupigny era un sistema modular que permitía parchear sus cinco osciladores utilizando un sistema de matriz de pasadores (probablemente el primer instrumento en utilizar esta técnica de parcheo, visto más adelante en los diseños de EMS) a varios filtros, LFOs (tres de ellos) y un modulador de anillo. Las versiones posteriores se expandieron utilizando una colección de osciladores Moog controlados por VCA y módulos de filtro. El instrumento se integró completamente en el sistema de estudio, lo que le permitió controlar las grabadoras remotas y la interfaz con equipos externos. A diferencia de muchos otros instrumentos electrónicos y tal vez debido a las preocupaciones de Schaeffer sobre el "control paramétrico", el Sintetizador coupigny no tenía teclado - en cambio fue controlado por un complejo generador de sobres para modular el sonido. Esto hizo que el sintetizador fuera menos eficaz en la creación de notas y secuencias definidas con precisión, pero más adecuado para generar tonos continuos para ser editados posteriormente manualmente en cinta. El Sintetizador coupigny continúa siendo utilizado en el estudio GRM hasta el día de hoy.
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| Parte del sintetizador Coupigny |
En 1968 los músicos suecos Ralph Lundsten y Leo Nilsson tenían un sintetizador polifónico con secuenciador llamado Andromatic construido para su Andromeda Studio por Erkki Kurenniemi.
Andromatic era un sintetizador polifónico de 10 voces con secuenciador digital incorporado, ¡en 1968! La enorme unidad montada en rack presentaba 10 generadores de tonos (analógicos), conectados con filtros y opciones de modulación. Sin embargo, la característica principal fue el secuenciador digital incorporado. A través de una variedad de opciones de configuración bastante curiosas, el Andromatic podría producir una secuencia de tonos con una duración de 10 (trabajando en modo polifónico con un generador por paso) a 1024 pasos (en modo monofónico).
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| Sintetizador de Erkki Kurenniemi |
Los órganos electrónicos Schober
Schober fue una marca de órganos electrónicos que se preocupó por lanzar productos baratos al mercado. Se fundó en 1954 y desapareció a mediados de los 70. Desarrollo la idea de vender órganos electrónicos en kit (de igual manera que Moog vendía el Theremin). Los Schobers fueron diseñados y construidos por Richard Dorf, brillante ingeniero y un autor-editor de libros técnicos prolífico. El modelo superior "Recital" se vendía por 1500 dólares. Supuestamente eran "fáciles de montar" pero en realidad no lo eran tanto y por lo menos si laborioso. Otras marcas de organos imitaron el sistema de venta en kit. La campaña de ventas iba acompañada de discos de demostración que se vendieron a lo largo de la vida de la empresa. Como ejemplo el sencillo de 1968 "The Schober Dynabeat"
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| El sencillo de 1968 "The Schober Dynabeat" |
Schober Dynabeat Part 1. Demonstration Record 1968
Schober Dynabeat Part 2. Demonstration Record 1968
El motivo de hacer esta reseña es más por estos discos demostrativos que por los órganos en si, ya que además de explicaciones los discos portaban pequeñas interpretaciones al órgano convirtiéndose en pequeñas joyas de la música electrónica. El órgano "Recital" era un instrumento con todas las funciones con una consola completa de dos teclados y una pedalera que cumplía con las especificaciones de la AGO (American Guild of Organists). El sonido fue sorprendentemente bueno. Los órganos de Schober se basaron en utilizar lo que el inventor, Richard Dorf, llamó el método "Formant". Del órgano "Warbo Formant" ya hemos hablado en la entrada Hasta 1959: Los primeros pasos de la música electrónica popular. Los primeros instrumentos tenían 12 generadores de tono separados, uno para cada nombre de tecla, y usaban divisores de octava para producir los 85 tonos (para los modelos Recital y Theatre). Esto lo hacía inapropiado para la práctica profesional pero muy válido para su uso casero.
Algunas de las innovaciones parecen ridículas ahora, pero fueron ingeniosas en la década de 1960, como el sistema "reverb-a-tape" que era esencialmente una grabadora incorporada que grababa cada nota a medida que se tocaba y luego la reproducía instantáneamente a través del amplificadores una fracción de segundo después. El retardo se podía ajustar con una perilla para simular la acústica de un espacio pequeño o grande, y esta forma primitiva de "reverberación" no electrónica realmente funcionó muy bien.
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| Organo Recital |
El theremin no tiene tanta suerte
El theremin no tiene tanta suerte en popularizarse. Aunque Moog lo vende en kit a precio asequible, no es fácil de tocar y solo unos cuantos virtuosos se animan a tocarlo. Entre los interpretes que han usado el theremin este año 1968:
Lothar and the Hand People: 1968: Presentando a Lothar y compañía
Rotary Connection: 1968: Conexión giratoria
Continúa la música electrónica concreta
1968 es el año de Morton Subotnick, del que ya habíamos hablado en la entrada 1961-62: El latido del tiempo, Para el dedicamos un apartado específico a continuación.
John Lennon lanza junto con Yoko Ono el álbum "Unfinished Music No. 1: Two Virgins" de música concreta.
Frank Zappa lanza el álbum Lumpy Gravy reestructurado como dos piezas de música concreta.
Pierre Henry aún resonando el éxito de Les Yper-Sound vuelve a los suyo, la música concreta publicando en 1968 los álbumes con Philips "La Noire À Soixante / Granulométrie", nº de catálogo 836.892 DSY y siguiendo su serie religiosa "Apocalypse De Jean", nº de catálogo 837.923/25 LY.
En 1968 John Eaton lanzó un curioso sencillo titulado "Blues Machine" acreditado a "John Eaton & His Syn Ket". Este sencillo es el culpable de que tenga una entrada específica en mi blog, ya que es un intento de hacer música popular con su sintetizador.
Cabe citar que en Sudamérica también se hacía música electrónica concreta, como es el caso del álbum "Música electrónica" de Juan Amenábar / José Asuar publicado en 1968 en Chile con el sello Astral nº catálogo VBP-239. Enlace al álbum: Juan Amenabar & José Vicente Asuar: Música Electrónica (1968)
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| Portada del álbum |
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| Contraportada del álbum |
Morton Subotnick
Morton Subotnick (Los Ángeles, California, 14 de abril de 1933) es un compositor estadounidense de música electrónica, conocido por su obra Silver Apples of the Moon, el primer trabajo electrónico encargado por una compañía discográfica, Nonesuch. Fue uno de los miembros fundadores del Instituto de Artes de California, donde enseñó durante muchos años.
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| Morton Subotnick |
Subotnick ha trabajado extensamente con electrónica interactiva y multimedia, co-fundando el San Francisco Tape Music Center con Pauline Oliveros y Ramon Sender, a menudo colaborando con su esposa, la cantante Joan La Barbara. Morton Subotnick es uno de los pioneros en el desarrollo de la música electrónica y la interpretación multimedia, y es un innovador en obras que incluyen instrumentos y otros medios, así como los sistemas interactivos de música por computadora. La mayor parte de su música requiere una parte de computadora, o procesamiento electrónico en vivo. Su obra utiliza muchos de los avances tecnológicos importantes en la historia del género.
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| Joan La Barbara |
Subotnick se graduó en la Universidad de Denver. A principios de la década de 1960, Subotnick enseñó en Mills College y con Ramon Sender, cofundó el San Francisco Tape Music Center. Durante este periodo también colaboró con Anna Halprin en dos obras (the 3 legged stool y Parades and Changes) y fue director musical de The Actors Workshop.
En 1966, Subotnick fue fundamental para obtener la subvención Rockefeller que hizo que se uniera el Tape Center con Mills Chamber Players (un grupo de cámara en el Mills College con Nate Rubin al violín; Bonnie Hampton, al violonchelo; Naomi Sparrow al piano y Subotnick al clarinete). La subvención requería que el Tape Center se mudara a una institución anfitriona, que fue el Mills College. Subotnick, sin embargo, no se estableció, y se mudó a Nueva York con el Taller de actores para convertirse en el primer director musical de la Lincoln Center Rep Company en el Teatro Vivian Beaumont en el Lincoln Center. Junto con Len Lye, se convirtió en un artista residente en la recién creada Tisch School of the Arts en la Universidad de Nueva York. La Escuela de las Artes le proporcionó un estudio y un sintetizador Buchla (ahora en la Biblioteca del Congreso). Luego ayudó a desarrollar el Electric Circus and the Electric Ear, y se convirtió en su director artístico. Al mismo tiempo, creó las piezas Silver Apples of the Moon, The Wild Bull y Touch.
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| Portada del álbum Silver Apples of the Moon de 1967 |
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| Parte trasera del álbum en la se cuenta la historia de Morton y de la composición del álbum |
La música electrónica temprana se hizo usando generadores de ondas y sonidos manipulados en cinta. Subotnick fue uno de los primeros compositores en trabajar con el diseñador de instrumentos electrónicos Don Buchla. El sintetizador modular de voltaje controlado de Buchla, al que llamó Electric Music Box y que fue construido, en parte, basándose en las sugerencias de Subotnick y Sender, era más flexible y fácil de usar, y su capacidad de secuenciación era parte integral de la música de Subotnick.
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| Portada del álbum The Wild Bull de 1968 |
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| Parte trasera del álbum The Wild Bull de 1968. Morton explica que se inspiró en el poema del mismo título. |
A fines de la década de 1960, una gran parte de la música electrónica académica de vanguardia de los Estados Unidos era altamente abstracta (en gran parte relacionada con el tono y el timbre, donde el ritmo (métrica) podría ser una ocurrencia tardía o sin consecuencias, y estructuras con patrones simples se evitaron en gran medida), Subotnick rompió con esta dirección al incluir secciones con ritmos métricos, los cuales se basaban en pulsos y latidos. Tanto Silver Apples of the Moon lanzado en 1967 por Nonesuch como The Wild Bull de 1968, otro trabajo para cinta encargado por Nonesuch; (ambos se han combinado en un CD de Wergo) han sido coreografiados por compañías de danza de todo el mundo.
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