Contenido de esta entrada:
Sitio oficial de Moog: Moog Music
Facebook de Moog: Moog Music Inc. | Facebook
Instagram de Moog: Moog Music (@moogsynthesizers) • Fotos y videos de Instagram
Twitter de Moog: Moog Synthesizers (@moogmusicinc) / Twitter
Canal de YouTube de Moog: Moog Music Inc - YouTube
 |
| Portada del álbum Zero Time |
Introducción
Tonto's Expanding Head Band fue un dúo de música electrónica británico-estadounidense formado por Malcolm Cecil y Robert Margouleff. A pesar de lanzar solo dos álbumes a principios de la década de 1970, el dúo fue (y sigue siendo) influyente debido a su trabajo de sesión y producción para otros músicos (especialmente Stevie Wonder) y un extenso trabajo de publicidad comercial.
En este artículo nos ocupamos de su primer álbum titulado Zero Time que se publicaría en 1971. El álbum es un escaparate para TONTO (The Original New Timbral Orchestra), un sintetizador polifónico multitímbrico construido por los dos miembros de la banda, Malcolm Cecil y Robert Margouleff, como una versión desarrollada del sintetizador Moog III en 1969. El dúo comenzó a producir su propia música juntos en el sintetizador con la intención de llevar las habilidades de la máquina, y sus propias habilidades como músicos, al límite. Grabando sus composiciones en Nueva York, se acercaron a TONTO sin nociones preconcebidas y con la intención de hacer que la música fuera intrínseca al sintetizador.
 |
| Tonto's Expanding Head Band |
Grabación
En 1969, los ingenieros Robert Margouleff y Malcolm Cecil, cumpliendo los deseos del pionero del sintetizador Robert Moog, desarrollaron módulos adicionales para la unidad central del teclado Moog III. La creación fue nombrada The Original New Timbral Orchestra o TONTO. Más tarde se agregó un segundo Moog III, luego cuatro OBERheim SEM, dos ARP 2600, EMS, Roland, Yamaha, etc. además de varios módulos personalizados diseñados por Serge Tcherepnin y el propio Cecil, que tenía experiencia en ingeniería eléctrica. Más tarde, se agregaron circuitos de generación de sonido digital y una colección de secuenciadores, junto con el control MIDI. Entre los primeros sintetizadores en crear sonido polifónico, TONTO era un instrumento del tamaño de una habitación que, según un crítico, se parecía a la cabina de un cohete de película de ciencia ficción y sigue siendo el sintetizador Moog más grande que existe, construido en cajas de madera ligeramente curvadas ensambladas una al lado y encima de la otra. Cecil explicó que, con TONTO, quería crear el primer sintetizador polifónico multitímbrico del mundo, mostrando un tipo de polifonía diferente a lo que ha llegado a definir los sintetizadores modernos. Dijo que, para él, "multitimbral" significaba que cada nota tiene su propia calidad de tono como si las notas "vinieran de instrumentos separados".
 |
| Sintetizador TONTO |
TONTO apareció (como la "sala electrónica") en la película de Brian de Palma de 1974 Phantom of the Paradise.
También fue utilizado en el álbum 1980 de Gil Scott-Heron & Brian Jackson y fue fotografiado en la portada y contraportada de este álbum.
 |
| Malcolm Cecil en 2015. |
Después de la creación de TONTO, Robert Moog comenzó a desarrollar el Minimoog, dejando que Cecil y Margouleff llevaran TONTO al estudio para comenzar a usarlo en su propia música. En 1971, se propusieron crear música que mostrara la versatilidad del sintetizador, sin intención de obtener ganancias financieras del material, sino simplemente obtener paisajes sonoros inimitables. La música en Zero Time se originó cuando el dúo gradualmente comenzó a crear composiciones juntos y "una cosa llevó a la otra". La música del álbum fue grabada en Mediasound Studios en la ciudad de Nueva York. Trabajando en equipo, cada uno se turnaba en TONTO mientras el otro ayudaba. Los esfuerzos de uno harían un sonido mientras que el otro lo capturaría en cinta. A veces, el dúo tocaba simultáneamente, agregando armonías, melodías y pistas de bajo y sonidos de ingeniería juntos. Margouleff dijo:
La temporalidad de la misma, la calidad caótica de la misma, la capacidad de crear estos sonidos más maravillosos que están ahí por un segundo y luego desaparecen, luego actúas sobre la cosa de una manera muy impulsiva, al igual que un músico de jazz actúa impulsivamente en su instrumento. Pero la creación del sonido en sí, la invención del instrumento en sí viene muy brevemente para apagar el caos, y luego se ha ido de nuevo.Robert Margouleff
En su libro Analog Days, Trevor Pinch y Frank Trocco dijeron que los sonidos que Cecil y Margouleff producían no eran "ni kitsch, divertidos ni imitativos", y en su lugar llevaron la máquina a sus límites. Cecil reflexionó que, en lugar de acercarse a TONTO con nociones preconcebidas, intentaron hacer música "intrínseca al instrumento", con el sintetizador dictando cómo progresaba el dúo. Aunque se sintieron tentados de agregar otros sonidos a su música, finalmente siguieron siendo puristas y se opusieron a la idea. Cuando Cecil tocó dos de las canciones completas, "Cybernaut" y "Aurora", para su amigo Herbie Mann, este último les ofreció un contrato discográfico con su sello Embryo Records. Titulando el álbum Zero Time, adoptaron el nombre de la banda Tonto's Expanding Head Band, un reflejo de la cultura psicodélica de la que Cecil y Margouleff se sentían parte. Como Cecil explicó más tarde, parte de la idea para lanzar la Expanding Head Band era que el dúo iba a comenzar a crear una pista que luego sería agregada a otras de otros sintetizadores, pero este plan fracasó ya que la cinta nunca salió del estudio del dúo.
Composición
Zero Time muestra una amplia sensación del rango y los timbres del Moog y enfatiza el "sonido pesado" creado por el filtro de paso bajo del rango de graves del instrumento. Las ondas de sintetizador en el álbum son limpias y nítidas, curando un "nuevo sonido que se siente digital" según Jim Brenholts de AllMusic. Como TONTO es el único instrumento en Zero Time, el álbum es completamente electrónico. Musicalmente, el álbum es considerado por los escritores como experimental, psicodélico, progresivo y música espacial en estilo, con el escritor Jim DeRogatis también refiriéndose al estilo del álbum como "Trippy instrumental Muzak". Aunque el álbum es casi completamente instrumental, "Riversong" presenta voces acreditadas a TONTO que fueron procesadas a través de la máquina hasta que se asemejan a "señales profundamente sintetizadas" más que voces. La influencia de la ciencia ficción también está presente en el álbum, como lo demuestran los títulos de "Cybernaut", "Jetsex" y "Aurora".
La campana del Gran Campanario de Lavra fue simulada en el álbum utilizando un análisis de Hermann von Helmholtz.
El lado uno de Zero Time está subtitulado "Outside" y contiene material más corto y rítmico que el segundo lado; Cecil, que es bajista, sintió que el énfasis rítmico se debía a que los ritmos son "parte de mis acciones en el comercio". Los cálidos sonidos de "pesado bajo" del álbum se ejemplifican fácilmente en la canción de apertura "Cybernaut". El lado dos del álbum, subtitulado "Inside", contiene las pistas más largas y complejas y fue descrito por Keyboard como estilísticamente diferente a otra música de la época.
Lanzamiento y recepción
Zero Time fue lanzado el 15 de junio de 1971 por Embryo Records en Estados Unidos. También fue publicado en 1971 en Reino Unido y Canadá. Atlantic Records reeditó el álbum en 1975 bajo el nuevo nombre Tonto's Expanding Head Band y portada diferente con una ilustración de Jeffrey Schier. Esta portada se conoce como la de "ranas y manos".
 |
| Portada de la reedición de 1975 |
Zero Time ha sido remasterizado y reeditado varias veces. La música de Zero Time y su segundo álbum It's About Time fueron remasterizadas y lanzadas juntas en CD en 1996 por Viceroy Vintage como Tonto Rides Again. Rhino Records lanzó un CD remasterizado de Zero Time en Europa el 28 de julio de 2008 como parte de su "Classic Album Series", mientras que Prog Temple publicó más versiones en CD en Europa en 2012 y en los Estados Unidos en 2013. Real Gone Music lanzó otra versión en CD remasterizada del álbum en 2013.
Haig Adishian fue acreditado por el diseño de la portada del álbum. La portada original del álbum es una pintura psicodélica de Carol Hertzer titulada Apolo en Marte que representa estrellas, planetas y nebulosas arremolinadas. El interior de la carpeta también contiene una pintura de Issac Abrams titulada Seed Dream,
 |
| Pintura del interior de la carpeta. |
Mientras que la contraportada presenta una fotografía de lente de ojo de pez tomada por Joel Brodsky que representa al dúo sonriendo junto a TONTO y "sobre el bosque de cables y perillas".
 |
| Contraportada del álbum |
El álbum no fue un éxito comercial, a pesar de que Mike Reed del sello matriz Warner Bros. Records, dio un "fuerte impulso" hacia la promoción y distribución del álbum en Toronto.mRecibió una atención positiva de los críticos de música, que elogiaron el uso del álbum de los "límites exteriores" del Moog. El álbum se considera hoy en día un álbum innovador e innovador que amplió los límites del sintetizador. También ha demostrado ser influyente, particularmente en Stevie Wonder, quien contrató al dúo para trabajar en cuatro de sus álbumes más populares.
A pesar de su falta de éxito comercial, Zero Time fue aclamado por la crítica. Timothy Crouse de Rolling Stone fue muy favorable, a pesar de encontrar las posibilidades de usar un Moog emocionantes y algo inquietantes: "Después de todo, un Moog teóricamente puede producir cualquier sonido y producirlo instantáneamente, de modo que un clarinete pueda escalar tres notas ascendentes suaves y luego en la cuarta nota tocar el sonido del mar renunciando a su final". Cecil y Margouleff solo se dieron cuenta de las buenas críticas del álbum cuando, en sus palabras, "alguien nos trae The Rolling Stone y, he aquí, hay un artículo de página completa sobre lo maravillosos que somos". En su reseña, Billboard escribió que el dúo "efectivamente viaja a los límites exteriores del Moog, incluyendo una 'voz' hecha por la máquina", y concluyó que el álbum atraería a "los undergrounders progresivos".
En Gran Bretaña, Dick Meadows de Sounds sintió que a primera vista, Zero Time "pondría miedo en los corazones de hombres más fuertes que yo. Después de todo, dos lados enteros de la música Moog es una montaña bastante grande para escalar según cualquier estándar. Esperaba ser certificado como loco al final del día". Sin embargo, descubrió que escuchar el álbum hacía que sus prejuicios parecieran tontos, y aclamó el álbum como "un trabajo de considerable magnitud, forjando una fuerte cuña en las incógnitas de la música electrónica que muchos buenos músicos jurarán que es una de las principales direcciones hacia las que nos dirigimos". Su revisión concluyó que "las comparaciones con cosas tangibles parecen ser la mejor manera de explicar lo que todavía es en gran medida una nueva fuerza musical desconocida".
 |
| Funda del disco |
En una revisión retrospectiva, Jim Brenholts de AllMusic llamó al disco "uno de los primeros, y quizás el mejor de, todos los álbumes electrónicos". Escribió que: "Para fines históricos, este álbum raro y coleccionable es esencial. Para la integridad musical, todavía resiste la prueba del tiempo y es esencial. Es un clásico sin pares reales, pero atraerá a los fans de Mother Mallard's Portable Masterpiece Company, Jean Michel Jarre, Tangerine Dream, Wendy Carlos y Fripp & Eno en términos de su singularidad y legado". El músico Julian Cope, también musicólogo, escribió que Zero Time poseía algunos de los "sonidos más cálidos y dulcemente relajantes que surgieron de los operadores de sintetizadores estadounidenses en los primeros meses de los años setenta". Sintió que el álbum utilizaba elementos de los sonidos que definieron los experimentos con el Moog de Paul Beaver, y los de las bandas sonoras de The Trip (1967) y Performance (1970), mientras que era más ligero y más "estratosférico". También sintió que era indiscutible que Zero Time contaba con "los tonos de bajo sintetizador Moog más ricos de la historia".
 |
| Julian Cope |
"Aunque fue desairado por el público, Zero Time influiría en gran medida en las fascinaciones electrónicas de los artistas de la nueva década. Su impacto duradero se infunde casi silenciosamente en el tejido cultural, ya que el álbum sigue siendo, en general, una oscuridad coleccionable".Zeith Lundy
Legado
Aunque Zero Time se desvaneció rápidamente en la oscuridad, fue adoptado por los audiófilos tras su lanzamiento debido al sonido prístino que destaca la fuerza de sus sistemas de altavoces. El álbum pronto se convirtió en un "clásico underground", y desde entonces ha pasado a ser considerado por escritores y periodistas como un lanzamiento innovador y pionero. Steven McDonald de AllMusic llamó al álbum "una pieza revolucionaria de trabajo que se propuso explorar las capacidades del sintetizador sin tener en cuenta las concepciones del éxito pop", y escribió que "todavía se considera un punto de inflexión en el uso de sintetizadores en la música moderna". A pesar de encontrar Zero Time más notable por su lugar en la historia de la música electrónica que por su contenido, Austin Trunick de Under the Radar dijo que estaba "adelantado a su tiempo" y similar a otros álbumes lanzados mucho más tarde que 1971. Zero Time también se cuenta entre los "registros psicodélicos clásicos de Moog de la época" en el libro Moments of Valuation: Exploring Sites of Dissonance, mientras que el escritor James McCarraher lo describió como una "obra maestra del sintetizador".
En el libro de 2013 Adventure Rocketship, el álbum aparece en la lista "Possible Futures: 20 Mind-Expanding Ways to Start Your SF Album Collection", una lista de discos con temas de ciencia ficción y "devociones para visiones del futuro". El álbum fue recomendado para su inclusión en la lista por el productor y músico, Youth. En 2015, Rolling Stone incluyó el álbum en su lista de "10 álbumes extraños que Rolling Stone amó en la década de 1970 que nunca has escuchado", con el texto adjunto que decía: "En los albores de la era de los sintetizadores, el instrumento era tan novedoso que la gente grababa LP enteros solo para mostrar sus capacidades. Si bien muchos de ellos no tenían encanto, este álbum era hermoso y contemplativo. [...] Pensamos que incluso si poseías otros registros electrónicos, podrías encontrar que este registro divide tu colección en dos partes: Zero Time y todo lo demás". Cope escribió que a pesar de ser menos estridente que el krautrock puramente electrónico, algunos de los pasajes de Zero Time anticipaban los "ritmos más silenciosos" en el lado dos de la Autobahn de Kraftwerk (1974).
 |
| Stevie Wonder |
Llegó un álbum por casualidad a las manos de Stevie Wonder y se convirtió en un gran fan del álbum, dirigiéndolo en una nueva dirección cuando comenzó a usar sintetizadores en su música. Estaba tan impresionado con Zero Time que, llevándose una copia del álbum con él, se reunió con Tonto's Expanding Head Band y dijo: "No creo que todo esto se haya hecho en un solo instrumento. Muéstrame". A pesar de la ceguera de Wonder, le enseñaron cómo operar un Moog y obtener los mejores resultados del instrumento. Este fue el comienzo de una colaboración duradera entre Wonder y Tonto's Expanding Head Band, que aparecen junto al sintetizador TONTO en una serie de álbumes aclamados por la crítica de Stevie Wonder que vieron su crecimiento artístico: Music of My Mind (1972), Talking Book (1972), Innervisions (1973) y Fulfillingness' First Finale (1974). La colaboración fue descrita por John Dilberto de Keyboard como "[cambiando] las perspectivas de la música pop negra tanto como Sgt. Pepper de los Beatles alteró el concepto de rock blanco". En los álbumes, Cecil y Margouleff son acreditados por tocar el instrumento, así como por la programación, producción, producción asociada e ingeniería, y estas colaboraciones de Wonder ayudaron al dúo a lograr un estatus mucho más autoritario que sus propios proyectos, incluido Zero Time, jamás tenido. Según el escritor Ron Boy, "el enorme impacto de Wonder en esta era aseguró su parte de gloria reflexiva". Reflexionando sobre el Zero Time, Stevie Wonder dijo:
Qué bueno es en un momento en que la tecnología y la ciencia de la música están en su punto más alto de evolución, que la reintroducción de dos de los antepasados más prominentes en esta música se escuche nuevamente. Se puede decir de este trabajo que es paralelo con el buen vino. A medida que envejece, solo mejora con el tiempo. Un brindis por la grandeza... un brindis por el Tiempo Cero... para siempre.Stevie Wonder
La revista Keyboard acredita el álbum, a través de su influencia en los álbumes de Wonder, como "influyendo silenciosamente en la forma del funk progresivo y el R&B". El guitarrista Steve Hillage también contrató a Malcolm Cecil para coproducir y tocar el TONTO en Motivation Radio (1977), el álbum que movió a Hillage a la música dance. El álbum también influyó en Devo, y Mark Mothersbaugh de la banda dijo que, en el "páramo cultural del Medio Oeste", el relanzamiento de Zero Time en 1975 fue "un indicador inspirador para los Spudboys hambrientos que se habían cansado de la sopa de jour. Era oficial: el ruido ahora era Muzak, y Muzak ahora era ruido". La influencia de Zero Time fue el tema de un ensayo de Richie Unterberger incluido en las notas de la reedición de Real Gone Music de 2013 del álbum.
CARA 1
Los cálidos sonidos de "bajo pesado" del álbum se ejemplifican fácilmente en la canción de apertura "Cybernaut".
Enlaces al tema del álbum:
Mi opinión sobre la canción: Es la canción que me gusta del álbum. Me recuerda al rock espacial o ambiental como el de Tangerine Dream.
2. "Jetsex" – 4:14
Enlaces al tema del álbum:
Tonto's Expanding Head Band - Jetsex ( Atlantic ).
Tonto’s Expanding Head Band – Jetsex - Electronic Prog Classic
Mi opinión sobre la canción: Muchos efectos electrónicos y un ritmo que recuerda a un latido.
3. "Timewhys" – 4:57
Mi opinión sobre la canción: Un tema de pop electrónico.
CARA 2
1. "Aurora" – 6:48
"Aurora" surgió de los experimentos del dúo tocando en estilos monofónicos, superponiendo diferentes elementos y experimentando con el espacio y originalmente se ejecutó durante 27 minutos antes de que se completara y editara. La pista contiene música ambiental y presenta tres tonos deslizantes que suben una octava; esto se debe a que, al discutir los intervalos durante la producción, el dúo cuestionó por qué solo debería haber doce tonos en la escala. Cecil explicó: "Con el sintetizador no estamos limitados a doce tonos. Podemos cambiar la afinación y poner 17, 19, 25, ¡elige un número! Nos preguntamos cuántos intervalos había en una octava y decidimos comprobarlo con estos tonos deslizantes. Están repartidos durante mucho tiempo porque estábamos tratando de elegir notas individuales". Cuando el dúo se encontraba con un intervalo intrigante, miraban a otro y comentaban: "¡Oye, escucha ese!"
Enlaces al tema del álbum:
Mi opinión sobre la canción:mUn tema de rock cósmico, ambiental que me recuerda a Vangelis
2. "Riversong" (lyrics by Tama Starr) – 8:00
"Riversong" presenta voces sintetizadas y un sonido distintivo que se asemeja a un gong o campana. Debido al rechazo del dúo a la "síntesis imitativa", era raro que usaran un sonido en TONTO que se pareciera a un instrumento convencional, ya que querían capturar los sonidos propios y distintivos del instrumento. Sin embargo, querían conseguir el sonido de la campana, pero, siendo puristas del sintetizador, no querían usar ninguna instrumentación convencional en el álbum de sintetizadores, y trataron de recrear el sonido en TONTO. Aunque el dúo había descubierto qué envoltura usar en la producción, ningún sonido inicialmente se parecía a una campana. Cecil luego se inspiró en la obra de Hermann von Helmholtz Sensations of Tone, en la que Helmholtz analizó la campana del Gran Campanario de Lavra, Kiev, y sus armonías. Cecil y Margouleff marcaron las armonías de la campana de Kiev de la misma manera que Helmholtz las había descrito, las introdujeron en el mezclador de TONTO, las filtraron y aplicaron la envoltura, creando así el sonido de la campana. Cecil recordó: "¡Fue increíble! Nos estábamos abrazando, bailando alrededor del estudio. '¡Lo hicimos, lo hicimos!'".
Enlaces al tema del álbum:
Letras:
The only way out of a circle is throught the center
Leap into stillness, grasp with empty hand
Heaven lies close upon earth
Wher an endless stream flows forth
Embracing the space between world and beyond
Is like space between soul and another
Nothing and everything
As a blink shut nor open sees between
As the breath rise and falling forms valleys between
The river runs down from sky to the ground without making a sound
I am the river and rise into form to speak, fly, suffer, why?
I am the river
I am the river but I am not the current
I am stuff what life is made of
I am color but not canvas
I carry life with me wherever I go
And there's no end or beginning
Though I am not a circle
Mi opinión sobre la canción: Es un tema con aires orientales y psicodélicos.
3. "Tama" – 5:23
Enlaces al tema del álbum:
Mi opinión sobre la canción: Otro tema ambiental con aires clásicos. Me recuerda a Tomita.
Mi opinión personal sobre el álbum:
Este álbum representa un hito. No solo por haber sido realizado por el sintetizador moog más grande de la historia, sino también por ser el primer álbum de rock progresivo totalmente electrónico. Se nota que están en transición desde el rock psicodélico. Y están más cerca del krautrock o rock cósmico diendo precursores dek género que desarrollarán por ejemplo Tangerine Dream.
Créditos
Haig Adishian – diseño del álbum
Herbie Mann – productor ejecutivo
Sol Kessler – consultor de masterización
Carol Herzer – pintura de portada ("Through the Wave, 1969")
Isaac Abrams – pintura interior ("Seed Dream")
Joel Brodsky – fotografía
Malcolm Cecil – escritura, programación, interpretación, ingeniería, producción
Robert Margouleff – escritura, programación, interpretación, ingeniería, producción
No hay comentarios:
Publicar un comentario
Aparte de poder hacer cualquier comentario puedes valorar una canción o el álbum completo.