Este artículo lo dedicamos al sencillo Red Square, música disco electrónica acreditada a Mama 'O que es en realidad Vangelis.
En 1972 se publica tan solo en Francia el álbum conceptual Fais que ton rêve soit plus long que la nuit bajo el nombre de Vangelis Papathanassiou. A él dedicamos un anterior artículo.
En un anterior artículo comentamos el álbum Entends-tu les chiens aboyer? publicado en 1975 reeditado posteriormente como Ignacio: 1975: Vangelis, ¿No oyes ladrar los perros?
En julio de 1978 tenemos otro lanzamiento oscuro de Vangelis con el sello Logo, el sencillo Red Square / When The Cats Away. Tan solo fue publicado en España (L-37010, CFE – L-37.010) con funda de imagen y Reino Unido (GO-319) con funda neutra. El lanzamiento se hizo coincidir con el lanzamiento del álbum Beaubourg de Vangelis.
En él, Vangelis usó dos seudónimos: Mama 'O para el músico protagonista y Richard Broadbaker como arreglista y productor.
Portada del sencillo Red Square en España
Es en esta época cuando Vangelis lanza varios sencillos bajo seudónimo, quizá probando la reacción del público al sonido que podría adoptar en su carrera como solista, o tal vez usando estas incursiones como una forma de explorar facetas menos conocidas de su creatividad en términos de géneros, sin comprometer su imagen frente a sus seguidores.
El seudónimo "Richard Broadbaker" se ha utilizado en varias ocasiones, Ya lo había usado con los proyectos Humanity y Yumas en 1973 y el proyecto Odyssey en 1974. Más tarde, en 1976, vuelve a aparecer en la canción "Amore", interpretado por el grupo italiano Chrisma.
En una nota de prensa en español se indica (incluida con algunas copias en España): “La biografía de Mama O es muy corta y muy complicada porque el nombre que emplea de Mama O es un seudónimo, otro seudónimo de Vangelis Papathanassiou.
En cuanto a Vangelis, suele ser apodado Papa O (primer seudónimo); aquí jugando un poco con esto, es Mama O (2do seudónimo) la intérprete fantasma de esta grabación.
Vangelis produjo, arregló y grabó "Red Square", pero debido a la situación actual provocada por problemas lucrativos de contratos y otras cosas, el nombre de Vangelis no puede aparecer en la etiqueta del disco, por lo que el nombre de Richard Broadbaker (3er seudónimo ) se puso y quién es el que aparece como productor y arreglista ".
Este lanzamiento tiene un gran sentido del humor. Para empezar, está el seudónimo Mama 'O, en contraste con Vangelis, quien solía ser llamado Papa O. Además, la canción principal se llama Red Square (Cuadrado rojo), y en la portada se ve a una pareja bailando sobre un círculo rojo.
El título del tema "Red Square" es un juego de palabras que puede interpretarse como "Cuadrado Rojo" o "Plaza Roja", haciendo referencia a la Plaza Roja de Moscú. Una pista adicional es el supuesto compositor del tema, Branovitch, cuyo nombre suena ruso. Este juego de palabras también fue empleado por el pintor ucraniano Kazimir Malevich en su obra de 1915, "Realismo pictórico de una campesina en dos dimensiones", conocida como "Plaza Roja", que muestra un cuadrilátero rojo sobre un fondo blanco. Actualmente, esta pintura se encuentra en el Museo Ruso de San Petersburgo.
Cuadro Plaza Roja de Malevich
El tema Red Square está basado en el vals Donauwellen (Olas del Danubio) del compositor rumano Ion Ivanovici.
El tema de la cara B mantiene el tono jocoso y se titula When The Cats Away que es el comienzo de refrán When the cats away, the mice will play (Cuando los gatos no están, los ratones juegan).
Grabación
No se cita en la funda el lugar de grabación, pero casi con toda seguridad, se tuvo que hacer en los estudios Nemo de Vangelis en Londres, en 1978, con Keith Spencer-Allen como ingeniero. Los estudios Nemo fueron su base creativa hasta finales de los 80.
Instrumentos
No se indica en la funda, pero por aquella época su sintetizador preferido era el Yamaha CS-80.
Contenido
Vangelis sigue experimentando y quizás inspirado por Giorgio Moroder lanza un tema funky disco en un momento de transición entre RCA y Polydor. El tema I Feel Love de Donna Summer con Moroder usando solo sintetizadores hacía poco que había triunfado. Como ya hemos comentado ya había hechos otros experimentos tales como el último de Odyssey. También “Beaubourg”, su último álbum se puede considerar un experimento.
No se conocen reediciones oficiales del sencillo. Tampoco los temas han aparecido en recopilatorios oficiales. Si ha aparecido en recopilatorios no oficiales tales como MP3 Collection: Part Three.
Opinión personal
En 1978, Vangelis enfrentaba un dilema. Por un lado, estaba cansado de la discográfica RCA, que no valoraba ni sus discos ni su labor artística. Su sueño era que su música fuera considerada "culta" y firmar con un sello como Deutsche Grammophon, algo que lograría años después. Mientras tanto, firmó con Polydor, un sello familiar para él, ya que su hermano Nico Papathanassiou trabajaba allí. Ese año, Vangelis sorprendió con un álbum experimental y complejo: Beaubourg, una obra más alineada con sus aspiraciones. En contraste, lanzó el sencillo Red Square, donde trató de emular los éxitos de la música disco electrónica de la época, como los de Giorgio Moroder, Cerrone o Space. El tono humorístico del sencillo refleja que disfrutó haciéndolo, aunque sin tomárselo demasiado en serio, quedando solo como una anécdota.
Durante un período, el nombre Moog se asoció tanto con la música electrónica como un término genérico para cualquier sintetizador. Se grabaron numerosos álbumes novedosos con títulos como “Moog España”, “Moog Power”...
Robert Moog dijo en 1969: "Me gusta la idea de que mi nombre se convierta en un término genérico para el sintetizador, pero no me gusta el hecho de que se publiquen malos discos con mi nombre adjunto". Sintió que había "tal vez 25 personas en el mundo que tienen la competencia necesaria tanto en física como en música" para tocar bien el Moog.
Con este artículo, iniciamos una serie en los que vamos a hablar tanto de algunos de los virtuosos del Moog, como de los álbumes publicados en 1969 que hayan utilizado el Moog.
Keith Emerson se convirtió en uno de los virtuosos del Moog. Escuchó por primera vez uno de ellos cuando el dueño de una tienda de discos le puso “Switched-On Bach” (1968) de Wendy Carlos, el cual se convirtió en el álbum clásico más vendido de todos los tiempos, y el primero en alcanzar el disco de platino. Emerson dijo: "Dios mío, eso es increíble, ¿Qué es lo que toca?" El dueño le mostró entonces la portada del álbum. "Así que dije: '¿Qué es eso?' Y él dijo: 'Ese es el sintetizador Moog'. Mi primera impresión fue que se parecía un poco a un cacharro casero electrónico".
Portada del álbum Switched-On Bach 2000
Sin uno propio, Emerson tomó prestado un moog de Mike Vickers para un próximo concierto de The Nice en el Royal Festival Hallde Londres, con la Royal Philharmonic Orchestra. Por aquella época, el moog estaba comenzando a llegar a Europa. Vickers ayudó a preparar el Moog, y el concierto fue un éxito. La interpretación de Emerson de "Also sprach Zarathustra" (una composición más famosa por su uso en la película de 19682001: A Space Odyssey) fue aclamada. Emerson más tarde explicó: "Pensé que fue genial. Tengo que tener uno de estos".
Portada del tercer álbum de The Nice en Estados Unidos
Video en el que Keith Emerson hace una demostración del Moog:
Wendy Carlos otro virtuoso del moog publicó en 1969 el álbum The Well Tempered Synthesizer como continuación del ya citado “Switched-On Bach”. Estos primeros álbumes fueron una fuente de inspiración crucial para el compositor japonés Isao Tomita, quien más tarde grabaría sus propias interpretaciones de numerosos trabajos de compositores como Claude Debussy, Modest Músorgski, Ígor Stravinski, Gustav Holst, Maurice Ravel, Ferde Grofé y otros, interpretados con sintetizadores.
George Harrison adquirió un sintetizador Moog III durante su visita a Estados Unidos en 1968. Con él lanzó en 1969 el álbum experimental Electronic Sound.
Portada del álbum Electronic Sound
George Harrison tras el lanzamiento de su álbum trasladó el Moog a los estudios EMI de Londres donde sería usado para la grabación del último álbum de los Beatles que se grabaría allí: Abbey Road.” Fue utilizado en temas como " Since ", " Here Comes the Sun " y " Maxwell's Silver Hammer ". De esta manera el disco de los Beatles se convertiría en el primer álbum de una banda de rock de Europa que usó el sintetizador Moog.
Beaver & Krause fueron un dúo musical estadounidense formado por Paul Beaver y Bernie Krause. La pareja eran representantes de ventas de Robert Moog en la costa oeste de Estados Unidos y fueron fundamentales en la popularización del sintetizador Moog a fines de la década de 1960.
La segunda cara de este disco consistía en un tratamiento editado de la demostración inicial de Moog de Krause, que, según Krause, Harrison había grabado sin su consentimiento. En su libro sobre la historia y el legado del sintetizador Moog, Trevor Pinch y Frank Trocco citan el uso de Harrison de la demostración en el estudio de Krause como un ejemplo de las dificultades a las que se enfrentan los "Moogists" como Beaver y Krause para ganar aceptación por sus esfuerzos (ver su ultimo artículo 1968: Ragnarok). En principio no se consideraba al Moog como un instrumento musical y la música electrónica no se consideraba "música". Los autores escriben que la percepción en la industria discográfica durante la década de 1960 era típicamente que, debido al aspecto altamente técnico del sistema modular Moog, estos pioneros eran simplemente ingenieros en lugar de artistas o músicos.
El dúo Perrey y Kingsley tras el lanzamiento del álbum “Kaleidoscopic Vibrations: Electronic Pop Music de Way Out” se separaron. Kingsley, otro virtuoso del moog siguió la carrera en solitario grabando el álbum “Music to Moog By” que fue escrito, grabado y lanzado en abril 1969 con Audio Fidelity (AFSD 6226). Este es uno de los casos, en los que se utiliza la palabra moog o en el título del álbum o en el nombre del grupo. El álbum contenía el famoso tema Popcorn.
En 1970 formó la banda llamada First Moog Quartet (esta vez utiliza la palabra moog en el nombre de la banda) como resultado de una solicitud del famoso empresario Sol Hurok al escuchar en directo una demostración de las capacidades del sintetizador Moog. Otros miembros del grupo, incluyeron a Howard Salat, Stan Free, Eric W. Knight y Ken Bichel. El 30 de enero de 1970, el grupo se convirtió en el primero en tocar música electrónica en el Carnegie Hall. Con Robert Moog presente, estuvieron acompañados por varios otros músicos y cuatro cantantes. Si bien las reacciones fueron mixtas,los resultados inmediatos incluyeron una gira universitaria y algunos trabajos de colaboración interesantes con la Boston Pops Orchestra.
Más tarde, Stan Free hizo una versión del tema Popcorn para el grupo, también estadounidense, Hot Butter, en 1972, convirtiéndose en un gran éxito y siendo la primera canción hecha con un sintetizador en llegar a los primeros lugares de popularidad.
CSIRAC (Commonwealth Scientific y Industrial Research Automatic Computer), originalmente conocido como CSIR Mk 1, fue el primer ordenador digital de Australia y el quinto ordenador con programa almacenado en el mundo. Es la computadora electrónica de primera generación más antigua que sobrevive(el Zuse Z4 en el Deutsches Museum es más antiguo, pero era electromecánico, no electrónico),y fue el primero en el mundo en reproducir música digital.
Trevor Pearcey con el CSIRAC
Después de ser exhibido en el Museo de Melbourne durante muchos años, fue reubicado en Scienceworks (Museo de ciencias de Melbourne) en 2018 y ahora está en exhibición permanente en la galería Think Ahead.
El CSIRAC fue construido por un equipo del CSIRO (Organización de Investigación Científica e Industrial de la Commonwealth) dirigido por Trevor Pearcey y Maston Beard, trabajando en gran parte independientemente de esfuerzos similares en Europa y los Estados Unidos, y llevó a cabo su primer programa de pruebas (multiplicación de números) en algún momento de noviembre de 1949. A finales de 1950, se mostró públicamente y entró en funcionamiento en 1951.
La máquina era bastante representativa de los diseños de computadoras de primera generación que funcionaban con válvulas de vacío. Utilizó memoria de retardo de mercurio como su almacenamiento de datos primario, con una capacidad típica de 768 palabras de 20 bits (más tarde doblado), complementado por un dispositivo paralelo tipo disco con una capacidad total de 1024 palabras y un tiempo de acceso de 10 milisegundos. Su reloj de memoria corría a 1000 Hz, y la unidad de control, sincronizada con el reloj, tardó dos ciclos en ejecutar una instrucción (más tarde la velocidad se duplicó a un ciclo por instrucción). El bus paralelo (denominado el"tronco de dígitos" ) es inusual en comparación con la mayoría de los ordenadores de su generación que era serie— transfería un bit cada vez.
La mayoría de las aproximadamente 2000 válvulas de CSIRAC eran de los tipos 6SN7, 6V6, diodos EA50 y KT66. George Semkiw más tarde rediseñó la electrónica de lectura de tambor para usar transistores de germanio.
La entrada a la máquina se realizó en forma de cinta de papel perforada, después de que los experimentos con tarjetas de perforación resultaron insatisfactorios. La máquina se controlaba a través de una consola que permitía que los programas pasaran por una instrucción a la vez, y presentaba pantallas CRT que mostraban el contenido de los registros. La salida era a través de un impresora estándar o perforadora de cinta.
La máquina, como todas las máquinas de la época, no tenía sistema operativo. Un lenguaje de programación interpretado de alto nivel llamado INTERPROGRAM fue desarrollado en 1960 por el matemático Geoff Hill. Fue similar a las primeras formas de BASIC.
Además de varias pantallas ópticas, tenía un altavoz Rola 5C incorporado montado en el marco de la consola. El altavoz era un dispositivo de salida utilizado para alertar al programador de que se había llegado a un evento en particular en el programa; comúnmente utilizado para advertencias, a menudo para significar el final del programa y a veces como una ayuda de depuración. La salida al altavoz eran datos sin procesar básicos del bus del ordenador y consistían en un clic audible. Para crear un tono más musical, se combinaron varios clics utilizando un breve bucle de instrucciones; el tiempo del bucle dando un cambio en la frecuencia y por lo tanto un cambio audible en el tono.
En 1951CSIRAC se utilizó para reproducir música, el primer uso conocido de un ordenador digital para el propósito. La primera pieza de música digital por computadora fue creada por Geoff Hill y Trevor Pearcey como una forma de probar la máquina en lugar de un ejercicio musical. La música consistía en extractos de canciones populares de aquella época; 'Coronel Bogey', 'Bonnie Banks', 'Chica con pelo de lino' etc. La música nunca fue grabada, pero ha sido reconstruida con precisión.
No obstante, este computador reproducía un repertorio estándar y no pudo utilizarse para ampliar el pensamiento musical o para tocar composiciones más elaboradas.
Computadora CSIRAC
En 1955, con la decisión del CSIRO de que la investigación informática estaba fuera de su ámbito, la máquina fue transferida desde el Laboratorio de Radio física del CSIRO en Sídney, a la Universidad de Melbourne, donde constituyó la única instalación de computación académica de Australia hasta finales de 1956. Muchos pioneros del uso de computadoras en Australia tuvieron su primera experiencia a la computación allí.
La música por ordenador es la aplicación de la tecnología informática en la composición musical, para ayudar a los compositores humanos a crear nueva música o para que las computadoras creen música de forma independiente, como con programas de composición algorítmica.
Gran parte del trabajo sobre música por ordenador se ha basado en la relación entre la música y las matemáticas, una relación que se ha observado desde que los antiguos griegos describieron la "armonía de las esferas".
En el apartado anterior hemos hablado de la primera melodía generada por ordenador con el CSIRAC.
Ferranti Mark 1
La primera música que se interpretó en Inglaterra fue una interpretación del Himno Nacional Británico que fue programada por Christopher Strachey en el Ferranti Mark 1, a finales de 1951. Más tarde ese año, extractos cortos de tres piezas fueron grabados allí por una unidad de radiodifusión móvil de la BBC: el Himno Nacional," Ba, Ba Black Sheep, y "In the Mood" y esto es reconocido como la primera grabación de una computadora para reproducir música ya que la música CSIRAC nunca fue grabada. Esta grabación se puede escuchar en la Universidad de Manchester. Investigadores de la Universidad de Canterbury, limpiaron y restauraron esta grabación en 2016 y los resultados se pueden escuchar en SoundCloud.
El impacto de los computadores continuó durante 1956. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson compusieron "Iliac Suite" para un cuarteto de cuerda, siendo la primera obra completa en ser compuesta con la asistencia de un computador utilizando un algoritmo en la composición. Posteriores desarrollos incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories, quien desarrolló el influyente programa “MUSIC I”.
La cinta magnética es un medio para la grabación magnética, hecho de un revestimiento delgado y magnetizable en una larga y estrecha banda de película plástica. Fue desarrollado en Alemania en 1928, basado en la grabación de cables magnéticos.
AEG desarrolla el primer magnetófono de cinta práctico, el "Magnetophon K-1", presentado en el Berlin Radio Show en agosto de 1935. Durante la Segunda Guerra Mundial, Walter Weber redescubrió y aplicó la técnica AC Bias, que incrementó drásticamente la fidelidad de las grabaciones magnéticas al añadir una alta frecuencia inaudible. Extendió en 1941 la curva de frecuencia del "Magnetophon K4" hasta 10 kHz y mejoró la relación señal/ruido hasta 60 dB, sobrepasando cualquier sistema de grabación conocido en aquel tiempo.
Primeras grabadoras de sonido, K-4 en el centro
En 1942, AEG ya estaba realizando pruebas de grabación en estéreo. No obstante, estos dispositivos y técnicas fueron un secreto fuera de Alemania hasta el final de la guerra, cuando varios de estos aparatos fueron requisados y llevados a Estados Unidos por Jack Mullin.
El desarrollo de grabadoras magnéticas a finales de la década de 1940 y principios de la década de 1950 está asociado con la Brush Development Company y su licenciatario, Ampex. El desarrollo igualmente importante de los medios de cinta magnética en sí fue dirigido por la corporación Minnesota Mining and Manufacturing (3M).
Antigua sede de Ampex en Broadway en Redwood City, California
En 1938, el ingeniero e inventor S.J. Begun dejó Alemania y se unió a la Brush Development Company en los Estados Unidos, donde continuó el trabajo de investigación pero atrajo poca atención hasta finales de la década de 1940, cuando la compañía lanzó la primera grabadora de cintas de consumo en 1946: la Soundmirror BK 401. Varios otros modelos fueron lanzados rápidamente en los años siguientes. Las cintas fueron hechas inicialmente de papel recubierto con polvo de magnetita. En 1947/48 Minnesota Mining & Manufacturing Company (3M) reemplazó el respaldo de papel por acetato de celulosa o poliéster, y lo recubrió primero con óxido negro, y más tarde, para mejorar la relación señal-ruido y mejorar la calidad superior general, con óxido rojo (óxido férrico gamma).
El ingeniero de audio estadounidense John T. Mullin y el animador Bing Crosby fueron actores clave en el desarrollo comercial de la cinta magnética. Mullin sirvió en el Cuerpo de Señales del Ejército de los Estados Unidos y fue enviado a París en los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial. Su unidad fue asignada para averiguar todo lo que pudieron sobre la radio y la electrónica alemanas, incluyendo la investigación de las afirmaciones de que los alemanes habían estado experimentando con haces de radio dirigidos de alta energía como un medio para desactivar los sistemas eléctricos de los aviones. La unidad de Mullin pronto acumuló una colección de cientos de máquinas de dictado magnético de baja calidad, pero fue una visita casual a un estudio en Bad Nauheim cerca de Frankfurt mientras investigaba rumores de rayos de radio, que dieron el verdadero premio.
Magnetophon de una estación de radio alemana en la Segunda Guerra Mundial
Mullin recibió dos grabadoras de alta fidelidad AEG'Magnetophon' del tamaño de una maleta y cincuenta carretes de cinta adhesiva. Los hizo enviar a casa y durante los siguientes dos años trabajó en las máquinas constantemente, modificándolas y mejorando su rendimiento. Su principal objetivo era interesar a los estudios de Hollywood en el uso de cinta magnética para la grabación de bandas sonoras de películas.
Mullin dio dos demostraciones públicas de sus máquinas, y causaron sensación entre los profesionales de audio estadounidenses; muchos oyentes literalmente no podían creer que lo que escucharon no era una actuación en vivo. Por suerte, la segunda demostración de Mullin se llevó a cabo en los estudios MGM en Hollywood y en la audiencia ese día fue el director técnico de Bing Crosby, Murdo Mackenzie. Arregló para que Mullin se encontrara con Crosby y en junio de 1947 le dio a Crosby una demostración privada de sus grabadoras magnéticas.
Bing Crosby, una estrella de cine y canto, quedó atónita por la increíble calidad de sonido y al instante vio el enorme potencial comercial de las nuevas máquinas. La música en vivo era el estándar para la radio estadounidense en ese momento y las principales cadenas de radio no permitían el uso de la grabación de discos en muchos programas debido a su calidad de sonido comparativamente pobre. A Crosby estaba cansado de transmisiones en vivo 39 semanas al año, prefiriendo el ambiente relajado del estudio de grabación y la capacidad de retener las mejores partes de una actuación. Le pidió a nbc que le dejara pre-grabar su serie de 1944-45 en discos, pero la cadena se negó, por lo que Crosby se retiró de la radio en vivo durante un año. ABC accedió a permitirle usar discos para la temporada 1946-47, pero los oyentes se quejaron de la calidad del sonido.
Crosby se dio cuenta de que la tecnología de grabadora de Mullin le permitiría pre-grabar su programa de radio con alta calidad de sonido y que estas cintas podrían ser reproducidas muchas veces sin una pérdida apreciable de calidad. A Mullin se le pidió que grabara un programa como prueba y posteriormente fue contratado como ingeniero jefe de Crosby para pre-grabar el resto de la serie.
El estreno de la temporada de Crosby el 1 de octubre de 1947 fue la primera cinta magnética emitida en Estados Unidos. Se convirtió en la primera gran estrella de la música estadounidense en usar cinta para pre-grabar transmisiones de radio, y la primera en dominar grabaciones comerciales en cinta. Los programas de radio grabados de Crosby fueron cuidadosamente editados a través de empalmes de cinta para darles un ritmo y flujo que no tenía precedentes en la radio. Pronto otros artistas de radio estaban exigiendo la capacidad de pregrabar sus emisiones con la alta calidad de la cinta, y la prohibición de grabación fue levantada.
Bing Crosby
Crosby invirtió $50,000 de su propio dinero en la compañía de electrónica californiana Ampex, y el empuje de seis hombres (encabezado por Alexander M. Poniatoff, cuyas iniciales se convirtieron en parte del nombre de la compañía) pronto se convirtió en el líder mundial en el desarrollo de la grabación de cintas, entre ellos el "Model 200", lanzada en 1948 y desarrollada a partir de magnetofones modificados de Mullin.
Grabadora Ampex Model 300
La BBC adquirió algunas máquinas Magnetophon en 1946 de forma experimental, y estas fueron utilizadas en las primeras etapas del nuevo Tercer Programa para grabar y reproducir representaciones de óperas de Alemania.
En 1948 un nuevo modelo británico estuvo disponible en EMI: el BTR1. Aunque en muchos sentidos torpe, su calidad era buena, y como no era posible obtener más magnetofones era una opción obvia.
A principios de la década de 1950 el EMI BTR 2 estuvo disponible; una máquina muy mejorada y generalmente le gustó. Las máquinas eran sensibles, podían correr a toda velocidad muy rápidamente, tenían botones de funcionamiento ligeros, cabezas orientadas hacia adelante (los BTR 1 tenían cabezas traseras que dificultaban la edición) y eran rápidas y fáciles de hacer la mejor edición. Se convirtió en el estándar en salas de grabación durante muchos años y estuvo en uso hasta finales de la década de 1960.
Máquinas EMI BTR2 en una sala de grabación de la BBC, el 12 de noviembre de 1961
La cinta de audio magnética abrió un gran campo de posibilidades sonoras para músicos, compositores, productores e ingenieros. Esta era relativamente barata y su fidelidad en la reproducción era mejor que cualquier otro medio de audio conocido hasta la fecha. Cabe señalar que, a diferencia de los discos, ofrecía la misma plasticidad que la película: puede ser ralentizada, acelerada o incluso reproducirse al revés. Puede editarse también físicamente e incluso pueden unirse diferentes trozos de cinta en loops infinitos, que reproducen continuamente determinados patrones de material pregrabado. La amplificación de audio y el equipo de mezcla expandieron aún más allá las posibilidades de la cinta como medio de producción, permitiendo que múltiples grabaciones fueran grabadas a la vez en otra cinta diferente. Otra posibilidad de la cinta era su capacidad de ser modificada fácilmente para convertirse en máquinas de eco, produciendo así de modo complejo, controlable y con gran calidad, efectos de eco y reverberación, lo que es prácticamente imposible de conseguir por medios mecánicos.
En la década de 1950RCA fue uno de los mayores conglomerados de entretenimiento en los Estados Unidos; los intereses comerciales incluían la fabricación de reproductores de discos, equipos de radio y electrónicos (militares y nacionales , incluida la versión estadounidense de theremin),así como la grabación de música y registros de fabricación. A principios de los años 50RCA inició un inusual proyecto de investigación cuyo objetivo era generar automáticamente "éxitos" pop mediante el análisis de miles de grabaciones musicales; el plan es que si pudieran averiguar qué hizo lo un éxito, podrían reutilizar la fórmula y generar su propia música pop de éxito. El beneficio paralelo del proyecto también exploró la posibilidad de reducir los costos de las sesiones de grabación mediante la automatización de arreglos y el uso de sonidos generados electrónicamente en lugar de orquestas costosas (y sindicalizadas); básicamente, la creación de música directamente de la partitura al disco sin errores o re-tomas.
Los ingenieros eléctricos de RCAHarry Olson y Hebart Belar fueron designados para desarrollar un instrumento capaz de entregar esta compleja tarea, y al hacerlo inadvertidamente (como es tan a menudo el caso en la historia de la música electrónica) crearon uno de los primeros sintetizadores programables
La máquina RCA Mark I resultante fue una monstruosa colección de componentes modulares que tomaron una habitación entera en el Centro de Música Informática de la Universidad de Columbia (entonces conocido como el Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton). El "instrumento" era básicamente una computadora analógica; la única entrada a la máquina fue un teclado estilo máquina de escribir donde el músico escribió una partitura en un tipo de código binario.
Belar y Olsen con el RCA MK I
El teclado perforaba agujeros en un papel de tipo pianola para determinar el tono, el timbre, el volumen y el sobre, para cada nota. A pesar de la aparente crudeza de este dispositivo de entrada, la técnica de rollo de papel permitió composiciones complejas. El papel tenía cuatro columnas de agujeros para cada parámetro, lo que proporcionaba un rango de parámetros de dieciséis para cada aspecto del sonido. El rollo de papel se movió a 10 cm/seg – haciendo un máximo de 240 bpm. Las notas más largas estaban compuestas de agujeros individuales, pero con un mecanismo que hacía que la nota se mantuviera hasta el último agujero. Los tiempos de ataque fueron variables de 1 ms a 2 s, y los tiempos de decaimiento de 4 ms a 19 seg. En el Mark II, se añadió filtrado de paso alto y bajo, junto con ruido, glissando, vibrato y resonancia, dando un total acumulado de millones de ajustes posibles.
El sonido en sí fue generado por una serie de osciladores de tubo de vacío (12 en el MkI y 24 en el MkII) dando polifonía de cuatro voces que podrían dividirse en diferentes octavas e incorporaba el primer secuenciador. El sonido se encaminó manualmente a los distintos componentes, una técnica que se adoptó en los sintetizadores modulares de los años 60 y 70. La salida final de la máquina fue monitoreada en altavoces y grabada en un disco lacado, donde, mediante la reutilización y el rebote de las grabaciones de disco, se pudieron obtener un total de 216 pistas de sonido. En 1959 se sustituyó por una grabadora más práctica.
Parece que para cuando se construyó el Sintetizador MkIIRCA había renunciado a su proyecto de análisis inicial. En cambio habían desarrollado el primer "sintetizador de sonidos programable". Los músicos convencionales se habían burlado de la interfaz poco musical y la complejidad de la máquina que era difícil de usar, pues requería una extensa programación y no podía tocarse en tiempo real; pero estas mismas cualidades que apelaban a la nueva raza de compositores serialistas que llevaron el Sintetizador RCA a su corazón.
RCA Mark II
Compositores prominentes incluyendo a Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt, Halim El-Dabh, Bülent Arel, Charles Wuorinen y Mario Davidovsky usaron el sintetizador de RCA en varias de sus composiciones. Charles Wuorinen compuso el premio Pulitzer"Time's Encomium" en él en 1968.
El pionero sintetizador RCA quedó obsoleto y cayó en uso a principios de la década de 1960 con la llegada de tecnología transistor de estado sólido más barata y confiable y las interfaces de programación menos complejas de instrumentos como la gama de sintetizadores Buchla y Moog. Ninguna de las dos máquinas sobrevive en condiciones de trabajo hoy en día. El MkI fue desmantelado durante la década de 1960 (piezas de ella canibalizadas para reparar el MkII). El MkII todavía está en el Centro de Música Informática de la Universidad de Columbia, pero no se ha mantenido y al parecer está en malas condiciones, fue vandalizado en algún momento a principios de la década de 1970 y poco utilizado después de eso.
