jueves, 29 de abril de 2021

Hasta 1959: La prehistoria de la música electrónica

Contenido de esta entrada:

Denis d'or

El clavecin électrique

El clavecin magnetique

El piano electromecánico

El telégrafo musical

El Telarmonio

El arco cantarín

Sintetizador de sonido Helmholtz

El Coral

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Denis d'or

El Denis d'or (Dionisio dorado) fue al parecer el primer instrumento musical en la historia que involucró electricidad.

El teólogo checo Václav Prokop Diviš, que tenía su parroquia en la ciudad de Moravia Přímětice cerca de Znojmo, estaba interesado tanto en la música como en la electricidad. Estudió el uso de electricidad primero con fines médicos y agrarios, y más tarde para la prevención de tormentas eléctricas. También trató de aplicarlo a la música cuando creó su propio instrumento musical que llamó "Denis d'or", con el francés "Denis" (etimológicamente viene de "Dionisio"), cuya contraparte checa es "Diviš", de ahí el nombre.

Václav Prokop Diviš (1698 – 1765)

La primera mención escrita del Denis d'or data de 1753, pero es probable que ya existiera alrededor de 1748. Algunas fuentes incluso datan de su existencia ya en el año 1730, pero esta afirmación es históricamente insostenible y no está respaldada por ninguna información disponible sobre la biografía y obra de Diviš. Desafortunadamente, después de la muerte de Diviš en 1765, el instrumento único fue vendido y finalmente llevado a Viena, donde desapareció sin dejar rastro.

Las descripciones sobrevivientes de los Denis d'or son cortas y muy pocas, por lo que ni siquiera es posible aclarar si era realmente un electrofono o no. Diviš ha sido llamada la primera persona en fomentar la idea de una conexión estética entre la música y la electricidad. Sin embargo, Jean-Baptiste Thillaie Delaborde construyó el clavecin électrique unos años más tarde, un instrumento mucho mejor documentado.

Relatos describen que el Denis d'or tenía 14 registros y su complejo mecanismo estaba instalado en un armario de madera simétrica equipado con un teclado y un pedal. Medía unos 150 cm (4,9 pies) de largo, 90 cm (3,0 pies) de ancho y 120 cm (3,9 pies) de alto. Básicamente, era un instrumento de cuerda no muy diferente de un clavicordio— en otras palabras, las cuerdas eran percutidas, no rasgadas. La suspensión y la tensación de las supuestamente 790 cuerdas metálicas fueron descritas como más elaboradas que un clavicordio. El mecanismo que había sido elaborado por Diviš era tal que los Denis d'or podían imitar los sonidos de una variedad de otros instrumentos, incluyendo clavecín, arpías, laúdes e instrumentos de viento. Esto se debió principalmente a la capacidad de respuesta y combinabilidad de las paradas, lo que permitió al interprete variar el sonido de múltiples maneras, generando así mucho más de cien voces tonales diferentes en conjunto.

Se discute si los sonidos Denis d'or también fueron producidos por electricidad o si era un instrumento acústico como el clavicordio. Supuestamente, Diviš podría cargar las cuerdas de hierro con electricidad con el fin de mejorar la calidad del sonido. Esta sería una posible explicación para los efectos que la audiencia percibió como de naturaleza eléctrica y podría haberse logrado con frascos de Leyden o equipos similares comúnmente utilizados en la investigación temprana sobre electricidad.

Otros relatos sugieren que el Denis D'Or era una broma elaborada por la que el intérprete podía ser electrocutado a voluntad por el inventor.


El clavecin électrique

El clavecin électrique o clavessin électrique (clavecín eléctrico) fue un instrumento musical inventado en 1759 por Jean-Baptiste Thillaie Delaborde, un sacerdote jesuita francés. Es el primer instrumento musical eléctrico superviviente y solo superado cronológicamente por el Denis d'or, que sólo se conoce a partir de cuentas escritas.

Diagrama del clavecin eléctrique de su publicación

Delaborde describió el instrumento en su publicación de 1761, Le clavessin électrique. El mecanismo se basó en un dispositivo de campana de advertencia, y el instrumento es esencialmente un carillón eléctrico. El mecanismo de campana de advertencia se basó en un método aparentemente anónimo utilizado en los primeros laboratorios eléctricos para advertir audiblemente a un experimentador de la presencia de una carga eléctrica; probablemente fue inventado por Andreas [Andrew] Gordon en Erfurt en 1741 y fue descrito o demostrado a Benjamin Franklin en Boston en 1746. 

Una serie de campanas, dos por cada tono, cuelgan de barras de hierro junto con sus badajos (uno para cada par). Un frasco de Leyden carga al conductor principal y a las barras de hierro. El músico presiona una tecla y una de las campanas de la pareja correspondiente está puesta en tierra, cortada de la fuente de carga. A continuación, el badajo oscila entre las campanas puestas en tierra y las cargadas, produciendo el tono deseado.

La elección un tanto inapropiada del nombre del instrumento fue defendida por Delaborde, quien afirmó que era muy superior a un carillón. También mencionó que durante una actuación en una habitación oscura los "ojos del oyente están agradablemente sorprendidos por las chispas brillantes" que fueron producidas por el instrumento. La prensa y el público admiraban la máquina innovadora, pero no se desarrolló más. El modelo que el propio Delaborde construyó sobrevive y se mantiene en la Bibliothèque nationale de France de París.

 Clavecin de la Bibliothèque nationale de France de París.

El clavecin magnetique

El clavecin magnetique (clavecín magnético en español) es un instrumento similar al anterior tipo carillón con la diferencia que es operado por atracción magnética en vez de electricidad estática. El instrumento fue el resultado de una investigación experimental sobre la naturaleza del magnetismo y la electricidad. Fue diseñado también por un monje jesuita, Bertholon de Saint-Lazare (1741-1800). El invento de Bertholon fue un instrumento simple que produjo sonidos al atraer badajos metálicos para golpear campanas afinadas levantando y bajando imanes operados por un teclado. Bertholon escribió y publicó muchos folletos sobre los fenómenos de la electricidad y el magnetismo y su posible uso médico. En 'Du Clavecin magnétique' (París, 1789) Bertholon hizo referencia y elogió otros dos instrumentos de teclado como influencias en su diseño; el 'Clavecin Électrique' de Jean-Baptiste Delaborde (Francia. 1759) y el 'Clavecin Ocular' o 'Órgano de Color' de Louis Bertrand Castel (París, Francia 1725).

Esquema del clavecin magnetique

El piano electromecánico

Matthias Hipp (25.10.18133.5.1893) conocido como el Edison suizo desarrolló muchos inventos:  Cronoscopios, Cronógrafos, Galvanómetros, equipos de señalización ferroviaria, mecanismos de reloj y reloj, detectores de tiempo telegráficos, télex, relojes electrónicos en red, alarmas contra incendios, micrófonos, sismógrafos, giroscopios electrónicos y posiblemente el primer instrumento musical electrónico "real". En 1867 creó un 'Piano Electromecánico'. No está claro cómo funcionaba este instrumento, no existen registros contemporáneos que describan el instrumento con ningún detalle, pero los textos modernos sugieren que era un instrumento electrónico "verdadero", generando sonidos a través de múltiples dinamos.

Matthias Hipp 

El telégrafo musical

Elisha Gray (2 de agosto de 1835 – 21 de enero de 1901) fue un ingeniero eléctrico estadounidense que cofundó la Western Electric Manufacturing Company. Gray es más conocido por su desarrollo de un prototipo telefónico en 1876 en Highland Park, Illinois. Gray también es considerado el padre del sintetizador de música moderna y se le concedieron más de 70 patentes para sus invenciones. 

Elisha Gray

Gray descubrió que podía controlar el sonido de un circuito electromagnético en vibración y al hacerlo inventó un oscilador básico de una sola nota. La intención original era utilizar este principio para desarrollar una versión temprana de la transmisión telegráfica multiplex; enviar múltiples mensajes telegráficos codificados como diferentes tonos simultáneamente sobre la misma línea que podrían decodificarse en el extremo receptor. Usando este principio diseñó un instrumento musical en 1876; El 'Musical Telegraph' o 'Electro-Harmonic Telegraph' (telégrafo musical) inicialmente para demostrar y promover sus ideas.

Patente del telégrafo musical

Altavoz del telégrafo musical.

Gray construyó un simple receptor y un dispositivo de altavoz llamado "Receptor de lavabo", esencialmente un gran altavoz similar a un teléfono construido a partir de un lavabo viejo montado cerca de los postes de un electroimán. Al vibrar el lavabo metálico, el receptor recreó y amplió el sonido del instrumento (que en esta época que no había amplificadores electrónicos era la única manera de hacer audible el instrumento).

Con cada tecla teniendo un 'oscilador' asociado, el Musical Telegraph era verdaderamente polifónico. Para evitar vibraciones simpáticas de teclas no activas Gray utilizó una serie de paradas mecánicas que permiten la producción de un tono individual limpio por tecla.

Elisha Gray dio la primera demostración pública de su invención para transmitir tonos musicales en la Iglesia Presbiteriana de Highland Park, Illinois, el 29 de diciembre de 1874 y transmitió "melodías familiares a través de alambre telegráfico", según un anuncio del periódico, posiblemente usando un piano como amplificador resonante.

El primer "Musical Telegraph" o "Harmonic Telegraph" de Elisha Gray utilizó un diseño de teclado simple de dos 'osciladores', pero versiones posteriores contenían suficientes osciladores para reproducir dos octavas. Gray sugirió que "obviamente el número de teclas puede aumentar" y los modelos posteriores estaban equipados con un simple control de la rueda de tono. Gray llevó el instrumento de gira con él al Reino Unido en 1874 transmitiendo tonos musicales a una distancia de 200 millas o más.

Gray también promovió sus descubrimientos en los EE.UU. El 2 de abril de 1877, Elisha Gray organizó un "concierto telefónico" en Steinway Hall en East 14th Street en Nueva York , a pesar del hecho de que no se utilizó ningún teléfono realmente. Tocando remotamente desde la oficina de Western Union en Filadelfia, el famoso pianista Frederick Boscovitz actuó en la versión de 16 notas del Musical Telegraph ante el público neoyorquino asombrado. El receptor en el Steinway Hall consistía en 16 tubos de madera huecas resonantes, que iban desde seis pulgadas hasta dos pies de longitud, unidos por una barra de madera con un electroimán receptor unido. Todo el receptor fue montado en un piano de cola para resonar aún más y colorear el tono zumbido del instrumento electrónico.


El Telarmonio

El Telarmonio (en inglés, Telharmonium) o Dinamófono (en inglés, Dynamophone) es el primer instrumento enteramente electrónico y polifónico, patentado en 1897 por el inventor estadounidense, Thaddeus Cahill. No obstante, el invento no estaría terminado hasta 1906. Ese año fue presentado en sociedad en Holyoke. La visión de Cahill era crear un "instrumento perfecto" universal; un instrumento que podría producir tonos absolutamente perfectos, controlados mecánicamente con certeza científica. El Telharmonium permitiría al intérprete combinar el sostenimiento de un órgano de tubo con la expresión de un piano, la intensidad musical de un violín con la polifonía de una sección de cuerdas y el timbre y el poder de los instrumentos de viento con la capacidad de acordes de un órgano.

El primer prototipo de telarmonio costó cerca de 200.000 dólares, pesaba aproximadamente 200 toneladas y tenía una longitud de 18 metros de largo.

Telarmonio

El telarmonio usaba una rueda tonal electromagnética para generar sonidos típicos del órgano y piano. El sonido que producía el telarmonio ofrecía hasta 7 octavas, 36 notas por octavas y frecuencias entre los 40 a 4000 Hz.

Rueda tonal
A pesar de las excesivas proporciones del telarmonio, el instrumento fue transportado desde Holyoke a Nueva York. Para ello, fueron necesarios 30 vagones de tren. En Nueva York, ocupó una planta entera del teatro situado en la esquina de calle 39 de Broadway. Allí permaneció durante dos décadas, por ello, el edificio se conocería con el sobrenombre de Telharmonic Hall.

Cahill se asoció con la Nueva Inglaterra Electric Music Company para transmitir el telarmonio a los hoteles, restaurantes, teatros y hogares a través de la línea telefónica, cobrando a los abonados por este peculiar hilo musical. El negocio fue bien y sobrevivió al desplome de Wall Street y a la Primera Guerra Mundial, pero quebró con el "boom" de la radiodifusión.

Para que el telarmonio fuera audible más allá de un receptor telefónico necesitaba una corriente mucho mayor que el teléfono estándar; la potencia de salida de los alternadores del telarmonio era de hasta 15.000 vatios y alrededor de 1 amperios en el receptor, en comparación con un receptor telefónico diseñado para corrientes de hasta seis décimas billones de un amplificador. Esta energía permitió que el telarmonio fuera audible para una audiencia, pero causó interferencias con la red telefónica de Nueva York y necesitó una gran cantidad de electricidad para mantenerlo en funcionamiento.


Tras el primer modelo se construyeron otros dos telarmonios, mayores y más caros. Cahill terminó el tercer y último en marzo de 1911. Este tercer telarmonio funcionó hasta 1916.

Para el segundo telarmonio, Cahill contrató al pianista Edwin Hall Pierce para desarrollar un repertorio para el instrumento, así como crear sonidos a partir de los múltiples armónicos. Pierce, con Cahill, también definió el arreglo de teclado inusualmente complejo.

Ninguno de los tres prototipos del telarmonio existe en la actualidad, ni tampoco se ha encontrado alguna grabación con dicho instrumento, pero se cree que su sonido era similar al del órgano Hammond.


El arco cantarín

William Du Bois Duddell (1 julio 18724 de noviembre de 1917) fue un físico e ingeniero eléctrico inglés.

William Du Bois Duddell

Antes de la invención de la bombilla incandescente, se utilizaron lámparas de arco para iluminar las calles. Crearon luz usando un arco eléctrico entre dos electrodos de carbono. Estas lámparas a menudo producían zumbidos audibles, silbidos o incluso sonidos aullantes. En 1899, a Duddell, un estudiante del London Central Technical College se le pidió que investigara este problema. Los sonidos fueron creados por inestabilidades en la corriente causadas por la resistencia negativa del arco. Duddell conectó un circuito sintonizado que consistía en un inductor y condensador a través de un arco. La resistencia negativa del arco excitaba las oscilaciones de frecuencia de audio en el circuito sintonizado a su frecuencia resonante, que se podía escuchar como un tono musical procedente del arco. Duddell utilizó su oscilograma para determinar las condiciones precisas necesarias para producir oscilaciones. Para demostrar su invención ante la London Institution of Electrical Engineers, conectó un teclado para producir diferentes tonos desde el arco, y lo utilizó para tocar una melodía, God Save the Queen convirtiéndolo en uno de los primeros ejemplos de música electrónica. Este dispositivo, que se conoció como "the Singing Arc" (el arco cantarín), fue uno de los primeros osciladores electrónicos.


Sintetizador de sonido Helmholtz

Max Kohl  fundó el 14 de marzo de 1876 una conocida empresa que diseñó y construyó instrumentos mecánicos y eléctricos científicos y se instaló en Andorfer Str, Chemnitz, Alemania. La compañía creó una amplia gama de equipos vendidos en todo el mundo a laboratorios y universidades, incluyendo un instrumento de sonido basado en un diseño del físico y psicólogo alemán Hermann von Helmholtz  (31 de agosto de 1821 - 8 de septiembre de 1894).

Hermann von Helmholtz

En 1863, Helmholtz publicóel libro Sensations of Tone, demostrando una vez más su interés en la física de la percepción. Este libro influyó en los musicólogos en el siglo XX. Helmholtz inventó el resonador del mismo nombre para identificar las diversas frecuencias o tonos de los componentes de onda sinusoidal pura de sonidos complejos que contienen múltiples tonos.

El resonador Helmholtz

El sintetizador de sonido de Max Kohl de 1905 disponía de 10 resonadores Helmholtz sobre una base de caoba y un pequeño teclado de marfil. El sintetizador era capaz de combinar timbres de 10 armónicos para formar múltiples sonidos vocales.


El sintetizador Max Koln

El Coral

El Coral ("Voces celestiales") fue un instrumento híbrido electrónico y electroacústico concebido como un órgano doméstico comercial de alta gama, vendido a propietarios adinerados de grandes casas de campo en los EE.UU. El Coral fue diseñado y desarrollado por Melvin Severy con la ayuda de su cuñado George B. Sinclair y fabricado por la 'Coral Manufacturing Co' en Boston, Massachusetts. Los modelos posteriores fueron ampliamente rediseñados y mejorados por Quincy Sewall Cabot, inventor del 'Tono Sintético'.

Severy fue un inventor versátil, ingeniero músico, compositor y autor. Antes del Coral, las invenciones de Severy ya incluían patentes para imprentas, sistemas de calefacción solar, una cámara, accionamientos de fluidos y muchos otros. El Coral fue desarrollado por Severy desde 1888 hasta 1909. El Coral se presentó por primera vez al público el 27 de abril de 1909 en el Boston Symphony Hall. En su presentación, el Coral estuvo acompañado por una voz soprano y unos cuarenta miembros de la Orquesta Sinfónica de Boston y se dijo que había sido "recibido con entusiasmo" por algunas de las "familias más conocidas de Boston".

Parte visible del Coral

 El Coral fue un contemporáneo directo del Telharmonium, aunque no tan grande, todavía era un instrumento enorme utilizando una generación de sonido de rueda de tono electromagnético similar al Telharmonium utilizado en la sección de 'órgano' del instrumento, así como un conjunto de cuerdas de piano operadas electromagnéticamente.

La parte visible del Coral consistía en dos teclados, el teclado superior (piano) con 64 teclas y el inferior 88 (piano y 'órgano'), controlando la parte invisible del instrumento, generalmente en el sótano de la casa, que consistía en 88 ruedas de tono y un conjunto de cuerdas de piano y campanas que vibraban por electroimanes y un conjunto de martillos. Los teclados también tenían un conjunto de paradas de estilo órgano para controlar el timbre y los fundamentos del tono que luego se podían pasar a través de cartón, madera noble, madera blanda, vidrio, acero o resonadores de resorte "bass-buggy" para dar al sonido un tono particular. El Coral también incorporó un mecanismo de rollo de papel estilo pianola para reproducir música 'pregrabada' y un sistema de pedal de 32 notas. Toda la máquina podría ocupar dos sótanos de una casa, los teclados y los "altavoces" siendo la única parte visible del instrumento.

miércoles, 28 de abril de 2021

Hasta 1959: La Claviolina

Contenido de esta entrada:

La Claviolina - Introducción

Modelos

Utilización de la claviolina

La Claviolina hoy

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Claviolina Selmer modelo Concert

La Claviolina - Introducción

La Claviolina era un instrumento musical electrónico portátil diseñado en 1947 por Constant Martin en Versalles. Fue concebido para ser atornillado bajo el teclado de un piano y utilizado para imitar instrumentos solistas orquestales. Algunas personas se refieren a él como "el clavioline" pero es un error ya que al terminar en "e" en francés es femenino y por tanto su traducción correcta es "la claviolina".

En 1949, Martin Constant diseñó el modelo duophonic que incorporaba un pequeño piano a la claviolina, no obstante, este modelo duophonic nunca se llegó a comercializar.

La Claviolina se dividía en dos partes:

  • la unidad del teclado, el generador de sonido y los controles necesarios.
  • la unidad con el amplificador, la fuente de alimentación y el altavoz, acoplados en una caja.
Una manguera de cables une las dos partes, llevando la alimentación al teclado y el sonido generado al amplificador.

Para los que no quieran montar la claviolina debajo del teclado de un piano, se puede montar sobre un soporte. En la foto se puede ver el que suministraba Selmer que parece endeble. Los había mejores en plan trípode.

Anuncio antiguo de la Claviolina

La unidad del teclado contenía:

  • 1 teclado que generalmente cubría tres octavas con 36 teclas. Utilizaba divisores de tres octavas para derivar todos los tonos de un único generador de tonos de octava superior. Disponía de dos varillas salientes que se podían mover a izquierda a derecha desplazando a una octava superior o una inferior, con lo que se podrían cubrir cinco octavas. El ajuste fino se conseguía mediante pequeños potenciómetros a los lados.
  • 1 control para el volumen total controlado por una palanca a la altura de la rodilla. Cuando está en reposo la palanca está a la izquierda y es necesario que el músico la desplace a la derecha para que el sonido sea audible. Eso era común para los músicos de los años 50. Con él se podían conseguir efectos interesantes como crescendo o staccato.
  • 18 interruptores (22 en la versión de Selmer) denominados paradas en su panel frontal para el timbre que controlaba con filtros del tipo filtro paso alto y un filtro paso bajo. Los 14 modificadores de tono fueron nombrados 1 a 9, más O, A, B, V y P, y estos fueron aumentados por cuatro interruptores de vibrato: I, II, III y Amplitude.

Vista lateral del instrumento en los que se observan los interruptores y la palanca

  • La Claviolina utilizó un oscilador de tubo de vacío para producir una forma de onda bulliciosa, casi una onda cuadrada, que luego podría ser alterada usando filtrado de paso alto y paso bajo, así como el vibrato.
Esquema eléctrico del oscilador y su conexión al teclado.

  • Otros sonidos se derivaron del timbre básico mediante la aplicación de filtrado de paso alto y paso bajo. 

Esquema eléctrico de la etapa de filtrado

  • Aunque el filtrado fue notable por su época, fue el vibrato el que se convertiría en el factor definitorio en el sonido claviolina. Esto era verdadero vibrato: en otras palabras, la modulación de la frecuencia, en lugar de la modulación de trémolo o amplitud que a veces, e inexactamente, se llamaba vibrato en otros lugares. Se seleccionaron tres velocidades utilizando los interruptores I, II y III, y había dos profundidades disponibles, determinadas por si el interruptor amplitud estaba encendido o apagado. Esto significa que había seis configuraciones de vibrato disponibles, pero fue la más rápida y profunda de ellas la que se convirtió en la marca registrada del instrumento.

Esquema eléctrico del control de vibrato

La claviolina fue extensamente utilizado en los años 50 y en los años 60, pasando a comercializarse y no quedándose en un mero prototipo, como les sucedió a sus antecesores. Se usó tanto a nivel profesional como particular y los distintos fabricantes de instrumentos produjeron su propio modelo de claviolina. El éxito de la claviolina fue porque tenía un carácter reconocible que ha resultado muy difícil de imitar, incluso con los sintetizadores sofisticados de hoy en día. El secreto de esto estaba en su amplificador. Para citar el manual de servicio de Selmer:

El amplificador es un tipo inusual en la medida en que se obtiene deliberadamente una gran cantidad de distorsión. Esta distorsión se utiliza para modificar aún más la señal y contribuye en gran medida a la construcción del tono auténtico. El amplificador es, por lo tanto, una parte integral del instrumento...
Manual de Selmer

Modelos

Hubo numerosas variaciones de la claviolina. En los días previos a la producción en masa de teclados electrónicos y servicios de envío baratos en todo el mundo, no era inusual que las patentes estuvieran autorizadas a empresas de diferentes países e instrumentos que se fabricaran localmente. Como resultado, hubo variaciones de la claviolina fabricada en el Reino Unido, los Estados Unidos, Alemania, Italia y posiblemente en otros lugares. Entre los más importantes estaban los modelos Standard, Reverb y Concert de Selmer en Francia y Gibson en los Estados Unidos en la década de 1950.

La claviolina Selmer Standard, también conocido como el Modelo Auditorio, fue el instrumento básico, un modelo de cinco octavas que presentaba las 18 paradas descritas anteriormente. 

Una modificación del modelo estándar fue desarrollada por Harald Bode, el inventor del Bode Pitch-Shifter. Esto tenía una posición adicional en el selector de octava que permitía a los músicos bajar una octava más para el trabajo de bajo. Como resultado, este modelo se conoció como la claviolina Bode 'six-octave', el nombre por el que todavía se conoce hoy en día.

El siguiente modelo fue la claviolina Selmer Concert, que ofreció cuatro paradas más que el modelo estándar. Alojado en un carcasa similar al modelo Auditorium pero se pueden reconocer en todas las versiones por sus teclas negras de madera (a diferencia del marfil).  En lugar de agregar más variaciones en el filtrado, Selmer los utilizó para controlar divisores de octava adicionales que emiten un tono de una octava (Sub I) y dos octavas (Sub II) por debajo de la voz parcheada. Estos podrían combinarse entre sí y con cualquier otro entorno, haciendo que el modelo concertado sea mucho más flexible que la claviolina básica.

En los Estados Unidos, el modelo Gibson Standard era similar al Selmer Auditorium, teniendo el mismo ajuste de ±1 octava, 18 paradas y seis opciones de vibrato que su contraparte británica. Sin embargo, algunas mejoras de fabricación significaron que las unidades de teclado y altavoz encajaban mejor, y también funcionaban algo más frías que la Selmer. Por el contrario, la claviolina Gibson Concert fue inmediatamente reconocible porque era más compacta, y por lo tanto más portátil, que la equivalente Selmer. Sin embargo, la reducción del tamaño tuvo un costo: la electrónica era menos accesible, las reparaciones se volvieron más problemáticas y el mantenimiento simple, como la limpieza del interruptor y los contactos de las teclas, era menos sencillo.

A finales de 1962, o tal vez a principios de 1963, Selmer actualizó la Claviolina aún más añadiendo una reverberación, para crear el modelo Concert Reverb. Pero a pesar de los evidentes beneficios de añadir reverberación al sonido, este modelo fue efímero y es uno de los más raros de todos las claviolinas sobrevivientes.

Manual del modelo Reverb

En 1965, un poco después de que el interés por el instrumento había alcanzado su punto máximo, apareció un modelo alemán. La claviolina Jorgensen estaba alojado en una maleta más moderna pero, con el complemento estándar de 18 interruptores, era claramente un derivado de la Selmer Auditorium. Sin embargo, incluyó el selector bode de seis octavas, por lo que es (para algunos coleccionistas) más deseable que la Selmer

Claviolina Jorgensen

La Bode Tuttivox se trataba de una claviolina polifónica con 12 generadores de paso individuales divididos en las tres octavas habituales ('F' a 'E') utilizando 12 juegos de divisores de octava basados en válvulas. Claro, su sonido fue más limitado que la de una claviolina monofónica pero, como precursor de los sintetizadores polifónicos actuales, su valor histórico es enorme. La mayoría de los Tuttivox fueron construidos por Jorgensen en Alemania, pero parece que también había versiones francesas y británicas.

Tuttivox

En Inglaterra, el primer producto exitoso de la Jennings Organ Company fue el Univox, un teclado electrónico autoalimentado inspirado en la Claviolina Selmer. En Japón, el primer prototipo de Ace Tone, el Canary S-2 (1962), se basó en la Claviolina.

En Italia Farfisa también fabricó la Claviolina.

En los Estados Unidos, la Claviolina llegó a la fama en 1961 a través de la música de Del Shannon, y en particular por su canción número uno 'Runaway'. Pero hoy en día se pone en duda que el instrumento utilizado para crear el solo instrumental del tema - posiblemente el primer 'solo de sintetizador' jamás lanzado en un disco - no era una Claviolina, sino un instrumento personalizado llamado Musitron, que fue montado por el tecladista y coguionista de Del Shannon, Max Crook.


Basado en una claviolina, el Musitron incorporó muchos otros circuitos electrónicos no especificados y componentes que hicieron posible que Crook creara una gama más amplia de tonos y efectos especiales. Más adelante, iba a construir otro híbrido, que llamó el Sonocon. Este tenía un pitch-bend (curva de tono) y también era capaz de generar sonidos de percusión que la Claviolina no podía.


Utilización de la claviolina

La  Claviolina se ha utilizado en una serie de grabaciones en música popular, así como en el cine. Junto con el Mellotron, fue uno de los instrumentos de teclado favorecidos por músicos de rock y pop durante la década de 1960 antes de la llegada del sintetizador Moog.

"Little Red Monkey" (1953) de Frank Chacksfield's Tunesmiths cuenta con Jack Jordan en la claviolina. Una grabación anterior de la melodía del propio Jack Jordan fue publicada en el sello HMV.


En 1953-54, Van Phillips compuso música para la claviolina para la trilogía de radio de ciencia ficción Journey into Space. 

En la película hindi de Bollywood Nagin (1954), Kalyanji Virji Shah toca la melodía de serpiente-charmer "Man dole mera, tan dole mere" en la claviolina, bajo la dirección musical de Hemant Kumar.

El productor inglés Joe Meek comenzó a grabar con una claviolina en 1960. A finales de 1962, 'Telstar' de The Tornados, un tema instrumental llamado así por uno de los primeros satélites de telecomunicaciones  que llevaba la primera transmisión de televisión en vivo transatlántica, fue nada menos que una revolución de audio. En una era de gran osadía tecnológica (tanto en la música como en el vuelo espacial) hacer de la claviolina el instrumento principal seguía siendo un movimiento audaz, y ayudó a impulsar a Joe Meek. Posteriormente se produjo la duda si se usó una claviolina o tal vez un Univox. El autor Mark Brend afirma que, si bien el instrumento exacto utilizado ha estado abierto durante mucho tiempo al debate, "sigue existiendo una posibilidad muy débil de que Meek usara un Univox en 'Telstar', mezclado con una claviolina".  La Claviolina se convirtió entonces en el sonido característico de The Tornados, apareciendo en temas menos conocidos pero innovadores como 'The Breeze And I' así como el lado B del sencillo Telstar, "Jungle Fever".


Los álbumes de jazz The Magic City (1966), The Heliocentric Worlds of Sun Ra, Volume Two (1966) y Atlantis (1967) de Sun Ra incluyen claviolina.



THE HELIOCENTRIC WORLDS OF SUN RA, VOLS. 1-3


Los Beatles usaron una claviolina en "Baby, You're a Rich Man", que fue publicado en julio de 1967 como el lado B de su sencillo "All You Need Is Love". John Lennon tocó el instrumento en su entorno oboe, creando un sonido exótico que sugiere un shehnai indio. Una historia apócrifa  sugiere que creó su memorable lamento ¡rodando un naranja arriba y abajo del teclado! En su artículo sobre la claviolina, en la revista Sound on Sound, Gordon Reid empareja "Baby, You're a Rich Man" con "Telstar" como las dos grabaciones pop de referencia hechas con el instrumento. La Claviolina que usaron los Beatles era propiedad de EMI Studios en Abbey Road en Londres.


El álbum de Strawbs de 1972 Grave New World incluye algo de claviolina interpretada por su teclista Blue Weaver, en la canción The Flower And The Young Man.


El álbum de Amon Düül II Wolf City (1972). 


Darren Allison toca la claviolina en "Eternity"  de Daisy Bell, de su álbum London (2015).


John Barry de the John Barry Seven hizo una grabación llamada Starfire  que contó con el instrumento, y fue la versión del tema del sencillo 45 elegido para la serie de televisión Fireball XL5. La claviolina también se utilizó ampliamente en su LP STRINGBEAT  y en otras grabaciones suyas de la época.



Una claviolina aparece en el álbum de Mike Oldfield de 2017 Return to Ommadawn.



La Claviolina hoy

Las claviolinas y sus derivados se vendieron hasta la segunda mitad de los años 60, lo que significa que los más jóvenes de ellos están entrando en sus 60. Sin embargo, encontrar uno no es difícil: aparecen con bastante regularidad en eBay y en los anuncios de foros musicales. Pero comprar uno que está en buenas condiciones y todavía funciona perfectamente es mucho menos sencillo, porque la mayoría están plagados de problemas.

Por otro lado, el mantenimiento de rutina no es oneroso, y es mucho más simple reconocer resistencias quemadas o condensadores hinchados que detectar un chip de montaje superficial desaparecido en un sintetizador moderno. Afortunadamente, la mayoría de las claviolinas recibieron un manual de servicio y un diagrama de cableado. Desafortunadamente, la mayoría de ellos han desaparecido en los últimos años. 

Las Claviolinas Selmer fueron construidos con altos estándares. Las válvulas fueron probadas en remojo antes de su uso, y muchos componentes y conjuntos estaban sumergidos en agua para probar su aislamiento y resistencia a la alta humedad. No debería sorprender, por lo tanto, que tantos hayan sobrevivido hasta la actualidad, a pesar de que el abuso y el abandono han asegurado que la mayoría están en condiciones menos que ideales.

lunes, 26 de abril de 2021

Hasta 1959: El Theremin

Contenido de esta entrada:

El Theremín - Introducción

Historia

Principio de funcionamiento

Utilización en bandas sonoras de cine y televisión

Utilización en la música popular

Utilización en conciertos

Léon Theremin haciendo una demostración de su instrumento

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El Theremín - Introducción

El theremín, originalmente conocido como eterófono, thereminófono, termenvox o thereminvox, es uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos que se controla sin necesidad de contacto físico del intérprete o thereminista con el instrumento. Su nombre deriva de la versión occidentalizada del nombre de su inventor ruso Léon Theremin (Термен), que lo desarrolló en 1920 y lo patentó en 1928.

El instrumento está formado por dos antenas metálicas que detectan la posición relativa de las manos del thereminista y los osciladores para controlar la frecuencia con una mano y la amplitud (volumen) con la otra. Las señales eléctricas del theremin se amplifican y se envían a un altavoz.

El theremín se ha utilizado en banda sonoras para programas de televisión como la serie de ITV Los asesinatos de Midsomer. Esto ha llevado a su asociación con situaciones inquietantes. Asimismo, este instrumento se emplea en música clásica, especialmente en música experimental y en música clásica contemporánea de los siglos XX y XXI; así como en géneros de música popular como el rock.

Historia

Léon Theremin era un músico chelista aficionado de San Petersburgo. En 1918, tras la Revolución estaba desarrollando un aparato electrónico destinado a medir la densidad de los gases, cuando se percató que el sonido que producía variaba según la posición de su mano.

En marzo de 1922, después de obtener varias críticas positivas en algunas conferencias de electrónica de Moscú, Léon Theremin presentó su instrumento a Lenin, presidente de la naciente Unión Soviética. Lenin quedó impresionado por el instrumento musical e incluso se inició en su aprendizaje. Se inició la fabricación de 600 instrumentos para su distribución en toda la Unión Soviética, y envió al propio Léon Theremin a un viaje alrededor del mundo para demostrar la última tecnología soviética y la invención de la música electrónica. Después de una larga gira por Europa, Theremin llegó a los EE. UU., donde patentó su invención en 1928.

Cartel anunciando un concierto de Léon Theremin

Esta primera versión del theremín estaba constituido por un oscilador basado en un tubo electrónico y dos antenas, todo ello dentro de una caja de madera. Una de las antenas salía del costado y la otro por la parte superior. La del costado, posicionada de forma horizontal, controlaba la amplitud (volumen) de la onda generada, mientras que la que salía de la parte superior y estaba en vertical, controlaba la frecuencia (tono).

Alexandra Stepanoff tocando el theremin en la NBC Radio, 1930

En EE. UU. se le recibió como un gran científico y se equiparó la invención de theremin con la de la radio. Atrajo la atención de la Corporación de Radio de América (RCA) quien le propuso la compra de sus derechos por la cifra de 100 000 dólares estadounidenses con el propósito de fabricarlo. Léon Theremin aceptó la oferta el 12 de marzo de 1929 y la RCA se convirtió en el primer productor masivo de un instrumento electrónico. La RCA creía que el instrumento remplazaría al piano de media cola y popularizaría la afición a la música ya que pensaba que

Cualquiera que pudiera mover sus manos en el aire o silbar una melodía podría hacer música con él en su casa.
RCA

En septiembre salieron a la venta las primeras unidades a un precio de $220. La crisis de octubre de 1929 forzó el cese de la producción. Aunque el Thereminvox RCA no fue un éxito comercial, fascinó al público en Estados Unidos y en el extranjero.

León Theremin mantenía una relación privilegiada con el personal técnico de firmas como RCA, GE, Westinghouse, compañías aéreas y más, con los que compartía sus últimos descubrimientos y avances. Fundó y dirigió sus propias compañías manteniendo una relación directa con Amtorg, la corporación comercial soviética en Estados Unidos. Todo ello fue calificado de espionaje por parte de algunos responsables estadounidenses.

Leon mostrando el interior del Theremin

Montó en Nueva York un estudio en el que atendía a clientes de la alta sociedad de los que conseguiría financiación para continuar sus experimentos. Su estudio de Nueva York aparentemente fue equipado con una variedad de dispositivos, que a finales de los años veinte deben haber parecido ciencia ficción pura: una variedad de dispositivos de audio electrónicos; espectáculos de iluminación electrónica; una plataforma de baile electrónico; incluso un prototipo de sistema de televisión en color.

Contrajo matrimonio con la bailarina Iavana Williams.

La bailarina de ballet Iavana Williams con la que se casó

Clara Rockmore, una conocida thereminista, realizó una amplia gira, interpretando un repertorio clásico en salas de conciertos alrededor de los Estados Unidos, a menudo compartiendo escenario con Paul Robeson.

Clara Rockmore junto con Léon Theremin

Durante la década de 1930, Lucie Bigelow Rosen también fue fascinada por el theremin y junto con su esposo Walter Bigelow Rosen proporcionaron apoyo financiero y artístico al desarrollo y la popularización del instrumento.


Otra figura representativa de aquella época tocando el theremin fue Samuel Hoffman.


En 1938, Theremin dejó los Estados Unidos, aunque las circunstancias relacionadas con su partida están en disputa. Muchos relatos afirman que fue sacado de su apartamento de Nueva York por agentes de la NKVD (antes de la KGB) y llevado de vuelta a la Unión Soviética. Reapareció 30 años después. En su biografía del año 2000, Theremin: Ether Music and Espionage, Albert Glinsky sugirió que había huido para escapar de las deudas personales aplastantes, y luego se vio envuelto en las purgas políticas de Stalin y fue mandado a trabajar en un campo de prisioneros en Magadan, Siberia. En cualquier caso, Theremin no regresó a los Estados Unidos hasta 1991. Cuando regresó volvió a dar conferencias y hacer demostraciones del theremin. Murió en 1993.

Me arrestaron y me tomaron prisionero. Me pusieron en un laboratorio especial en el Ministerio del Interior. Allí trabajé en este laboratorio con otros como [ el Diseñador de aviones] Andrei Tupolev que también fue encarcelado de esa manera, ya sabes. Se le consideraba un prisionero, y yo también era considerado prisionero... En un momento, de camino al laboratorio, me enviaron a un campamento, donde hacían la construcción de carreteras. Me asignaron para ser supervisor de los prisioneros. A partir de ahí, después de ocho meses en construcción de carreteras, me enviaron con Tupolev al Instituto de Aviación. Mucha gente importante trabajó allí: [el diseñador de misiles] Sergei Korolyov trabajó allí para mí". 
Leon Theremin entrevistado por Olivia Mattis y Robert Moog en 1992

Theremin fue puesto a trabajar en proyectos secretos por las autoridades soviéticas (junto con Andrei Tupolev, Sergei Korolev, y otros científicos e ingenieros conocidos) que culminó con su invención del primer "bug", un sofisticado dispositivo de espionaje electrónico. Theremin supervisó el espionaje de la embajada estadounidense, (y tal vez, el apartamento privado de Stalin). Por esta innovadora obra fue galardonado con el Premio Stalin (de primera clase), el mayor honor en aquel entonces.

Después de su rehabilitación Theremin tomó un puesto de enseñanza en el Conservatorio de Música de Moscú. Sin embargo, fue expulsado por continuar sus investigaciones en el campo de la música electrónica. La ideología soviética de la posguerra decretó que la música moderna era perniciosa.  Después de este episodio Theremin tomó una posición técnica, y trabajó en electrónica no relacionada con la música. Irónicamente su invento el Thereminvox, se estaba volviendo muy influyente en Estados Unidos, un desarrollo del que no era completamente consciente. 

Thereimin en sus últimos años

Después del final de la Segunda Guerra Mundial, el theremin pronto cayó en desuso de los músicos serios, principalmente porque se introdujeron instrumentos electrónicos más nuevos que eran más fáciles de tocar. Sin embargo, quedó un nicho de interés en el  que el theremin persistió, sobre todo entre los entusiastas de la electrónica y aficionados a la construcción de kit. Uno de estos entusiastas de la electrónica, Robert Moog, comenzó a construir theremins en la década de 1950, mientras era un estudiante de secundaria. Moog posteriormente publicó una serie de artículos sobre la construcción de theremins, y vendió theremin en kits que estaban destinados a ser ensamblados por el cliente. Lo que aprendió de esta experiencia lo iba a conducir directamente al desarrollo del innovador sintetizador Moog. (Alrededor de 1955, un colega de Moog, el pionero de la música electrónica Raymond Scott, compró uno de los theremin en kit de Moog para incorporarlo a un nuevo invento, el Clavivox, que estaba destinado a ser un teclado mas fácil de usar que el theremin.

Theremin Moog en kit

Casi olvidado durante décadas, en la década de 1990 tuvo un resurgimiento gracias, entre otros factores, a la producción del documental "Theremin, an Electronic Oddysey" (1995) y a la producción a mediana escala de theremines de gama media Etherwave Standard, diseñados en la fábrica de Robert Moog (por entonces la empresa se llamaba Big Briar, luego nuevamente Moog).

Enlace al documental en YouTube:"Theremin, an Electronic Oddysey". La película en sí ha recibido críticas positivas.

En consecuencia se ha vuelto más ampliamente utilizado por los músicos contemporáneos. A pesar de que muchos sonidos del theremin  se pueden aproximar en muchos sintetizadores modernos, algunos músicos siguen apreciando la expresividad, novedad, y la singularidad de utilizar una theremin real. 

El modelo Moog aunque tiene pequeños fallos de diseño y es bastante básico, se sigue fabricando en la actualidad. Debido a su alto precio, han aparecido multitud de imitaciones en todo el mundo, por lo que se puede considerar que ese modelo viene a ser al theremín lo que el modelo Stratocaster de Fender supone para las guitarras eléctricas: Un emblema y el diseño de un theremín más popular.

Theremin de Moog que se vende en kit montable

El Open Theremin es un proyecto de hardware abierto y software abierto que fue desarrollado por el microingeniero suizo Urz Gaudenz, utilizando la arquitectura original del oscilador heterodino para una experiencia de interpretación auténtica, combinada con un microprocesador Arduino. Utilizando algunos componentes adicionales se puede añadir una interfaz MIDI al Open Theremin, lo que permite utilizar su Theremin para controlar diferentes sonidos de instrumentos.

Algunos theremins de bajo coste sólo pueden tener un control de tono y pueden ser más difíciles de tocar con precisión debido a una relación relativamente no lineal entre la distancia de la mano y el tono resultante, así como un lapso relativamente corto de distancia de mano a antena para producir el rango de tono disponible.

Principio de funcionamiento

El theremin se distingue entre los instrumentos musicales en que se toca sin contacto físico. El diseño clásico consiste en una caja con dos antenas.  Se ejecuta acercando y alejando la mano de cada una de las antenas correspondientes, sin llegar a tocarlas. La derecha suele ser recta y vertical. Sirve para controlar el tono o frecuencia: cuanto más cerca de ella esté la mano derecha, más agudo será el sonido producido. La antena izquierda es horizontal y con forma de bucle. Sirve para controlar el nivel de volumen, que será más bajo cuanto más cerca esté de la mano izquierda.

Lydia Kavina | THEREMIN Lesson | With Subtitles - YouTube

Originalmente, su versión más primitiva fue llamada ætherophone (que se podría traducir como ‘eterófono’), y solo estaba provista de la antena de tono. Pronto este diseño fue mejorado por el inventor, que añadió posteriormente la antena para control de volumen. Actualmente, algunos de los modelos caseros y comercializados del theremín utilizan un control de volumen convencional y disponen tan solo de la antena que controla el tono, lo cual siendo rigurosos les convierte en realidad en un eterófono, y con frecuencia es un aparato que se usa para efectos especiales más que como instrumento musical, al no poderse acentuar ni separar las notas interpretadas.

También se han llegado a producir theremines de manera más o menos artesanal con modos de interactuar muy distintos, como por ejemplo, theremines ópticos que miden la cantidad de luz que llega a un sensor. También la empresa Roland comercializa en algunos de sus módulos un sensor de infrarrojos llamado D-Beam, con el que se puede controlar, no solo el tono, sino alternativamente el parámetro que se elija.

Robot tocando un theremin,

Originalmente, el timbre de los theremines se asemejaba a algo entre un violonchelo y una voz humana. Su inventor, además de físico, era violonchelista. Actualmente existen incluso modelos que participan de la tecnología MIDI, lo cual posibilita que tengan, virtualmente, cualquier timbre que se desee utilizando un sampler, pero dicho efecto rara vez produce sonidos audibles, al no estar pensado el diseño original en ese sentido.

Los theremines originales estaban fabricados con las entonces novedosas válvulas de vacío, que presentaban problemas de mantenimiento y estabilidad térmica, además de necesitar altos voltajes para su funcionamiento y que, aunque no son un peligro para el ejecutante, sí lo son para un intento de mantenimiento por inexpertos.

Portada  de la revista Popular Electronics de abril 1955

Actualmente existen multitud de firmas que comercializan versiones transistorizadas de theremines, los cuales son más robustos y adecuados para el transporte, de mucho menor consumo eléctrico y mucho más estables.

El funcionamiento del control de tono está basado en los mismos principios utilizados en la radio (principio heterodino). La frecuencia del generador (media frecuencia) está controlada por la capacitancia existente entre la antena y el cuerpo del intérprete, dependiendo de la distancia entre ambos. Seguidamente esta señal es demodulada para obtener sonidos en un campo de frecuencias de audio (20 Hz-20 kHz). En la práctica, este instrumento presenta el inconveniente de ver fuertemente limitada la cadencia en la ejecución de sus notas, lo que solo permite interpretar melodías armoniosas pero muy lentas, como sucede igualmente con la sierra musical.

Diagrama de bloques de un theremin.
Control de volumen en azul, control de tono en amarillo y salida de audio en rojo.

El volumen se controla de forma parecida, pero convirtiendo la frecuencia obtenida en una tensión estable mediante un amplificador controlado por tensión (VCA).

Utilización en bandas sonoras de cine y televisión

El theremín fue muy utilizado en películas de serie B de Hollywood de las décadas de 1940 y 1950, para ambientar películas de ciencia ficción y terror a base de un uso efectista en la era anterior al sintetizador.  Su uso original era bien distinto: la violinista y thereminista Clara Rockmore (1911-1998) lo utilizó en un repertorio romántico clásico, dándole credibilidad como instrumento solista en un entorno orquestal.

En 1931 aparece en la película Odna con música del compositor ruso Dmitri Shostakovich, que fue uno de los primeros en incluir partes para theremín en piezas orquestales y música de cine.

Uso del Theremin por Shostakovich en sus bandas sonoras


En 1945 aparece en la película Recuerda (Spellbound) de Alfred Hitchcock. El compositor Miklós Rózsa hizo uso frecuente de este primitivo sintetizador para expresar la inestabilidad emocional de sus protagonistas en filmes de cine negro en la década de 1940. Así en Recuerda el sonido del theremín aparece cuando los pensamientos obsesivos se adueñaban de la voluntad de John Ballantine (Gregory Peck).



En 1945 aparece en la película "Días sin huella" (The Lost Weekend) de Billy Wilder que cuenta también con música de Miklós Rózsa. Los momentos de embriaguez del alcohólico Don Birnam (Ray Milland) se subrayan por este instrumento, que adquiere toda su potencialidad sonora y dramática en la escena del delírium trémens.

  


En 1951 fue utilizado en la película Ultimátum a la tierra (The Day the Earth Stood Still) de Robert Wise. El compositor de la banda sonora, Bernard Herrmann, incluyó dos theremines en la orquesta para crear un ambiente futurista y para enfatizar la amenaza procedente del espacio exterior, que se manifestaba en su más amplia resonancia en el hierático personaje del gigantesco robot Gort. Probablemente se trate del uso más conocido del theremín en una película clásica.

Este instrumento se oye también, especialmente al final, en la película "One Flew Over the Cuckoo's Nest" (Alguien voló sobre el nido del cuco) producida en 1975, que ganó numerosos premios internacionales y fue la segunda película en obtener los cinco principales premios Óscar: Película, director, actor (Nicholson), actriz (Fletcher) y guion adaptado.


En 1997 como ya se ha comentado se utilizó en la banda sonora de la serie de ITV Los asesinatos de Midsomer. 


En 2004 aparece en la película "El maquinista", donde es interpretado por Lydia Kavina, virtuosa del instrumento y sobrina nieta del propio Léon Theremin, y que le enseñó su uso cuando era niña.


En 2011 aparece en la serie de televisión The Big Bang Theory, en el capítulo titulado "La utilización de los pantalones de autobús". Sheldon Cooper (Jim Parsons) toca un theremin para molestar a sus amigos e interrumpir su trabajo en una aplicación de teléfono. Más tarde lo usa para consolarse a sí mismo cuando lo echan fuera de su apartamento.

En 2014 aparece en la película Frank de Lenny Abrahamson. Clara (Maggie Gyllenhaal) toca el theremín en una banda llamada Soronprfbs.

En 2014 aparece en la serie de televisión American Horror Story, en el episodio titulado "Proteger el aquelarre". El personaje Myrtle Snow (Frances Conroy) toca el theremín por sus efectos calmantes.


En 2014 aparece en la película animada My Little Pony: Equestria Girls - Rainbow Rocks de Hasbro. Cuando deciden que Twilight Sparkle se una a la banda, Pinkie Pie le pregunta ¿qué instrumento tocará? dándole varias opciones, la última es un theremín, expresando que su sonido es tan mágico.


Utilización en la música popular

Lothar and the Hand People fue una banda de rock psicodélico de finales de la década de 1960 conocida por su música espacial y el uso pionero del theremin y el sintetizador modular Moog. La denominación inusual de la banda se refiere a un theremin apodado "Lothar", siendo "Hand People" los músicos de la banda.


Lothar and the Hand People
Portada del álbum Presenting...

El grupo británico de rock Led Zeppelin hizo uso del theremin en la canción Whole Lotta Love cuando se presentó en el Madison Square Garden en 1973. Jimmy Page, fundador de la banda Led Zeppelin es una de las principales figuras más importantes del rock, que utilizó el theremin en la década de los 70


Brian Jones de los Rolling Stones también utilizó el instrumento en los álbumes de 1967 del grupo Between the Buttons y Their Satanic Majesties Request.

El guitarrista de Tesla Frank Hannon utilizó un theremin en la canción de la banda "Edison's Medicine" del álbum de 1991 Psychotic Supper. Hannon también es visto usando el instrumento en el video musical de la canción en la marca de las 2:40.


The Lothars es una banda del área de Boston formada a principios de 1997 cuyos CDs han presentado hasta cuatro theremins tocados a la vez , el primero para la música pop.


Grupos avant-garde como los holandeses The Gathering, utilizan el theremín combinando su sonido con guitarras eléctricas, para conseguir un sonido distorsionado muy característico.


DJ Kilmore usó este instrumento durante un concierto en Francia en el año 2006 en la canción "Sick Sad Little World" de Incubus.



El tecladista de Dragon Force Vadim Pruzhanov lo utilizó en la canción "Reasons to Live".


Mike Shinoda lo uso en actuaciones en vivo del tema "When They Come for Me"



También lo utiliza el músico y compositor Richie Kotzen en su tema "Walk with me".



Utilización en conciertos

Los compositores de conciertos que han escrito para theremin incluyen Bohuslav Martinů, Percy Grainger, Christian Wolff, Joseph Schillinger, Moritz Eggert, Iraida Yusupova, Jorge Antunes, Vladimir Komarov, Anis Fuleihan y Fazıl Say

En 1929, Joseph Schillinger compuso su Primera Suite Aerofónica para Theremin y Orquesta, interpretada por primera vez por la Orquesta de Cleveland y Leon Theremin como solista.



Un concierto a gran escala de theremin es el Concierto para Theremin de Kalevi Aho y la Orquesta de Cámara "Eight Seasons" (2011), escrito para Carolina Eyck.

Edgard Varèse completó la composición ''Ecuatorial'' para dos Theremin, celos y percusión en 1934. Su trabajo fue una influencia declarada a lo largo de la carrera de Frank Zappa, quien posteriormente compuso música de estilo clásico para orquesta electrónica en su carrera post-rock.

El compositor de Maverick Percy Grainger eligió utilizar conjuntos de cuatro o seis theremins (en preferencia a un cuarteto de cuerdas) para sus dos primeras composiciones experimentales de Música Libre (1935-37) debido a la completa libertad de tono "de deslizamiento" del instrumento.

Percy Grainger - Free Music No. 1 (For Four Theremins) [1936]


El músico Jean-Michel Jarre utilizó el instrumento en sus conciertos Oxygen In Moscow y Space of Freedom en Gdańsk, proporcionando también una breve historia de la vida de Léon Theremin.


La Orquesta Spaghetti Western de cinco piezas utiliza un Theremin como reemplazo de la voz de Edda Dell'Orso en su interpretación de "Once Upon a Time in the West" de Ennio Morricone.


El músico clásico holandés Thorwald Jørgensen ha sido descrito como "uno de los exponentes más importantes de la música clásica en el theremin"

Actualmente, un gran número de thereministas buscan seguir el legado de los grandes virtuosos del instrumento, algunos de ellos son Peter Theremin, Natasha Theremin, Jean Michel Jarre, Lydia Kavina, Barbara Buchholz, Carolina Eyck, Katica Illényi, Ernesto Mendoza, Peter Pringle, Robby Virus, Xabier San Martín (miembro de la banda española La Oreja de Van Gogh) y Pamelia Kurstin.

Carolina Eyck en un concierto



En la actualidad también tenemos a Javier Díez-Ena (Zaragoza, 1974) el cual es músico (contrabajista, thereminista, bajista, músico electrónico…) y periodista.


  



En 2019 un grupo de 289 músicos de theremin (conjunto Matryomin) (incluyendo hija, nieta y bisnieto Lev Theremin - Natasha Theremin, Masha Theremin y Peter Theremin) en Kobu, Japón, logró un récord mundial Guinness como el conjunto theremin más grande. El nombre Matryomin es un acrónimo de las palabras matryoshka y theremin.


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