viernes, 29 de diciembre de 2023

1976: Verdades ocultas de las huellas

Contenido de esta entrada:

Introducción

El álbum Verita Nascoste

Portada del álbum Veritá nascoste



Anterior artículo de Le Orme: 1975: Le Orme se va a América

Enlaces interesantes sobre Le Orme:

 




Le Orme ("Las Huellas") es una banda italiana de rock progresivo formada en 1966 en Marghera (Venecia). Todavía siguen en activo.

Le Orme ha ganado dos discos de oro, y un premio de la crítica a su obra grabada. El trabajo más famoso de Le Orme, el álbum conceptual Felona e Sorona, fue publicado en inglés con la colaboración de Peter Hammill, de Van Der Graaf Generator.

Los fundadores de la banda en 1966 eran Aldo Tagliapietra (voz, guitarra), Nino Smeraldi (guitarra), Claudio Galietti (guitarra, bajo) y Marino Rebeschini (batería). Después de su primer sencillo "Fiori e colori" (1967), Rebeschini partió y fue remplazado por Michi dei Rossi.

Portada de su primer sencillo

En 1968 Le Orme publicó un segundo sencillo, "Senti l'estate che torna". Al tiempo que un músico nuevo, Toni Pagliuca, se unió al grupo. 


Portada del segundo sencillo

Esta formación fue la responsable del primer LP, Ad gloriam (1969), un trabajo de rock psicodélico que tuvo poco éxito que fue grabado en la pequeña discográfica CAR Juke Box.


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Al siguiente año, Gallietti también partió, y Le Orme fundó lo que sería considerada su formación clásica, que produjo sus más exitosos LP de rock progresivo de los años 70. Los consideraron los Emerson, Lake & Palmer italianos.

Foto de 1969: Dave Baker, Tony Pagliuca y Aldo Tagliapietra.

En 1970 publican el álbum "L'Aurora" Delle Orme.



En 1971 publican el álbum Collage, un álbum teñido de música clásica.


En 1972 publican "Uomo Di Pezza"  que es uno de los álbumes definitivos de rock progresivo italiano. Aunque definitivamente hay una influencia significativa de ELP  en los rimbombantes interpretaciones al Moog y al Hammond que son contrarrestadas por baladas suaves. 

Portada del álbum Uomo di pezza

Uomo di pezza, una especie de álbum conceptual que será uno de sus mayores éxitos, y su primer disco de oro. Esto es principalmente gracias al sencillo Gioco di bimba, que cuenta en forma de cuento de hadas una delicada y a menudo incomprendida historia de amor entre dos jóvenes amantes. Una novedad que trae este álbum es la portada, para la que por primera vez en Italia se contrata a un pintor, Walter Mac Mazzieri.  La banda realizó una gira por Italia en diciembre de 1972 con Peter Hammill de Van der Graaf Generator (que se habían separado recientemente). 

En 1973, el año dorado del rock progresivo, Le Orme también lanzó su primer álbum conceptual real: Felona and Sorona, un álbum de temática cósmica en dos planetas opuestos y complementarios. Este 33 rpm conquistó rápidamente los primeros lugares en las listas de ventas italianas, ganando Le Orme el segundo disco de oro. Hoy en día es considerado por muchos como la cumbre artística del grupo, aunque en su momento una parte de la crítica musical lo tildó de "ingenuo".

Portada del álbum Felona e Sorona

A ese álbum dedicamos un anterior artículo: 1973: Rock progresivo italiano - Banco Del Mutuo Soccorso y Le Orme

Un anterior artículo lo dedicamos al álbum Contrappunti de Le Orme publicado en 1974. De paso también mencionamos el álbum In concerto, el primero en vivo en la historia del rock progresivo italiano: 1974: Contrapuntos con Le Orme

Portada del álbum Contrappunti

Un anterior artículo lo dedicamos al álbum Smogmagica publicado en 19751975: Le Orme se va a América.

Portada del álbum Smogmagica

Este artículo lo dedicamos al álbum Veritá Nascoste de la banda italiana de rock progresivo Le Orme publicado en 1976.




Cambios en la banda

Tolo Marton. se fue tras la grabación del álbum Smogmagica  y Germano Serafin fue reclutado en su lugar. Esto supuso una retirada parcial de la guitarra eléctrica de los papeles protagonistas para favorecer en cambio una vuelta a una producción más cercana a las tendencias musicales seguidas por el grupo anteriormente.

Tolo Marton

La grabación del álbum Smogmagica en Estados Unidos fue algo a lo que el productor Gian Piero Reverberi no estaba acostumbrado. Esto tuvo como consecuencia, que fuera (con algunas excepciones) la última colaboración entre Reverberi y Le Orme. La banda comenzó a producirse a si misma a partir de entonces.

Gian Piero Reverberi (izquierda) con Fabrizio De André (derecha)


El sencillo Canzone d'amore/È finita una stagione

Tras esos cambios, la primera publicación fue el sencillo Canzone d'amore/È finita una stagione, cuyos temas no fueron incluidos inicialmente en ningún álbum. Serían incluidos posteriormente en recopilatorios tales como Studio Collection.


Lista de temas


Créditos
  • Tony Pagliuca - teclados
  • Aldo Tagliapietra - voz, bajo
  • Michi Dei Rossi - batería
  • Germano Serafin - guitarra
Cara A: Canzone D'Amore - 3.45 (T. Pagliuca - A. Tagliapietra - G. P. Reverberi). Excepcionalmente, el grupo propuso una canción de amor, acompañada de un estribillo instrumental muy pegadizo e intercalada con una sección instrumental repetitiva pero muy acertada.

Canzone d'amore se estrenó en la última noche del Festivalbar 1976. Consiguió llegar a lo más alto del hit parade.





Cara B:  È Finita Una Stagione - 3.05 (T. Pagliuca - A. Tagliapietra - G. P. Reverberi). El texto lamenta el fenómeno que luego se llamó reflujo, que en la segunda mitad de los años setenta llevó a muchos jóvenes a abandonar la vida alternativa y el movimiento de protesta para establecerse y llevar una vida burguesa. En esa época, por ejemplo, el fenómeno de los hippies estaba en declive.

Canzone d'amore fue versionada con bastante éxito por Aeroplanitaliani en 2005.




Grabación

El álbum fue grabado entre el 1 y 31 de octubre de 1976 en los estudios Nemo de Vangelis en Londres. Fue grabado por el ingeniero habitual del estudio, Keith Spencer Allen, asistido por Marlis Duncklau. Fue mezclado por Keith Spencer Allen y Le Orme. Los arreglos y la producción fue de Le Orme.

Keith Spencer Allen

El tema In October está dedicado al tiempo que pasaron en Londres grabando el álbum.

Otro tema, Vedi Amsterdam... habla de la famosa ciudad como centro de perdición y drogas.

Un hecho inusual en este período de la historia de la banda se encuentra en el tema que da título al álbum, Verità Nascoste: se trata de las dos secciones instrumentales interpretadas con la contribución sustancial de un conjunto de música de cámara (cuarteto y flauta).

Se hizo una versión en inglés del álbum que se titularía Secret Truth's pero nunca fue lanzada. La traducción de la letra del italiano al inglés fue de Peter Hammill, fundador de la banda Van Der Graaf Generator. Las canciones se titularon en inglés:  Friend of yesterday, Secret truths, Happyradio and see Amsterdam, Queen to troubadour, The step most narrow in the sky, In october, With to the concert.

Peter Hammill en 2009


Lanzamiento

El álbum fue lanzado a finales de 1976 en Italia con Philips. Finalmente solo se lanzó en Italia. Inicialmente se lanzó con una carpeta desplegable.

Portada y contraportada juntas



Enlace a la lista de reproducción del álbum: le orme - Verità nascoste - Full album 1976 ( il giradischi )


Recepción

El álbum muestra que la banda se encuentra de vuelta a sus mejores momentos musicalmente hablando, pero la caída de la popularidad del rock progresivo hizo desconfiar a la discográfica que no lo publicó internacionalmente y desistió de publicarlo en inglés. Eso hizo que el álbum pasara desapercibido excepto en Italia donde llegó a lo más alto del Hit Parade.

Bradley Torreano comentó en su reseña en AllMusicA menudo olvidado cuando se recuerda el rock progresivo clásico, Le Orme fue uno de los grupos europeos más grandes en hacer este tipo de música. Proveniente de Italia, este cuarteto escribió canciones extendidas que eran más enérgicas y animadas que la mayoría de sus contemporáneos británicos. Temas como "In Ottobre" eran rápidos e interesantes, sobre todo porque nunca parecían dar vueltas innecesariamente....Este álbum representa un punto culminante creativo para la banda, ya que pronto caerían en desgracia cuando comenzaron a quedarse sin ideas y el género fue prácticamente aniquilado por las escenas emergentes de punk, disco y heavy metal. Pero aquí, Le Orme todavía tenía algo de gas, y hacen alarde de su habilidad a lo largo de todo el álbum. 



Lista de temas

Todas las canciones están compuestas por Pagliuca y Tagliapietra

Lado 1

A1 Insieme Al Concerto    6:04

A2 In Ottobre    6:40

A3 Verità Nascoste    3:49

A4 Vedi Amsterdam...    4:54

Lado 2


Créditos
  • Aldo Tagliapietra–voz, bajo
  • Tony Pagliuca–teclados
  • Michi Dei Rossi–batería, percusión
  • Germano Serafin - guitarra
Germano Serafin



Opinión personal

Este álbum es una joya olvidada del rock progresivo. Fue una lástima que no tuviera un lanzamiento internacional y pasara desapercibida. Aún no llegando al nivel de Felona E Sorona es uno de sus mejores álbumes. El álbum comienza con Insieme Al Concerto en el que se nota la guitarra más dura y rockera de la nueva incorporación, Germano Serafin. In Ottobre es un tema animado que recuerda su sonido clásico. Verità nascoste es una bonita balada, mi favorita, con música de cámara que le añade melancolía. Vedi Amsterdam... aporta el tono más duro roquero. La cara B abre con "Regina al Troubadour", un tema muy psicodélico. Radiofelicità es otra bonita balada progresiva que estalla al final. "I Salmoni" es un tema divertido. Y el álbum cierra con la optimista  "Il Gradino Più Stretto "Del Cielo" con un buen solo roquero de guitarra de Serafin.



Videos


















Sencillos

Como promoción del álbum se extrajo el sencillo Regina Al Troubadour / Verità Nascoste, publicado en 1976.


Portada del single

El texto de Regina Al Troubadour cuenta la historia de una mujer que, indiferente al interés de un hombre enamorado de ella y sorda a la atención y cuidado de su familia, huye de casa en busca de una vida fácil y llena de placeres, presumiblemente recurriendo a la prostitución. La línea "Regina al troubador, regina delle neve" es una referencia al consumo de drogas,  un tema que también se aborda en otra canción del mismo álbum, "Vedi Amsterdam".

A pesar del formato poco convencional (la canción dura más de seis minutos), el sencillo llega a lo más alto del hit parade.

Pantallazo de la lista de sencillos en Italia


La cara B del single, Verità Nascoste, da título al álbum y está acompañada por un cuarteto de cuerdas y una flauta.

Inusualmente, la portada se logró utilizando principalmente las letras impresas de las dos canciones como elemento gráfico principal.

Contraportada del single



Reediciones

Fue publicado en CD por primera vez en 1994.

En 2017 fue reeditado en edición limitada en vinilo de 175 g. en color turquesa.


En 2021 fue reeditado en edición limitada en vinilo de 180 g. en color amarillo trasparente.

Legado

En 2009, Tagliapietra dejó Le Orme y empezó una carrera en solitario, en la que siguió interpretando las canciones de este álbum.



Letras



Lado uno

Insieme Al Concerto 

Non è una sera tanto strana,
Sentirsi uniti agli altri ancora,
Il cielo passa di mano in mano,
Colorano le nuvole.
Curiosità; arriva il gruppo al buio,
Felicità; s'accendono le luci, e un gran bagliore,
Ti fa socchiudere gli occhi,
Ti porta via un momento dalla realtà.
L'insegna del locale è spenta
La gente se n'è andata già.
Hai visto? E' finita in fretta,
Ho tanta voglia di parlare.
Che sera di luna piena
Non aspettiamo l'autobus,
Torniamo a casa così
Arriveremo prima noi;
Senti le sveglie suonare
Sono le cinque o giù di lì,
è molto bello restare,
Ma è giusto terminare qui.
Cammino verso il sole,
Conserverò la notte così dolce fino a domani,
Dovrò socchiuder gli occhi
E farmi trascinare nella realtà.


In ottobre

Ora il mondo gira in fretta
Non capisco più
Forse sono già doppiato
Non credi?

Hanno chiuso la bottega
Non credo al fallimento;
Chi ha portato via con sé
La gente da Carnaby Street, da King's Road, da Hyde Park, da Piccadilly Circus?

Musica dove sei?
Ti ho cercato un tempo;
Musica dove sei?
Eri tu la mia compagnia…tu dove sei?

Più il mio sguardo cerca intorno
Più mi trovo solo
Vorrei sentirmi dire ancora:
"continua!"

La notte arriva troppo presto
E non mi parla più
Che cosa vuol nascondermi
La gente di Carnaby Street, di King's Road, di Hyde Park, di Piccadilly Circus?

Musica dove sei?


Verità nascoste

Vorrei raccoglire il tuo mondo
E liberare i grandi sogni
E colorare i tuoi disegni
Di disperate notti bianche
E ridere come chi vince
La sua vita in un gioco perdente
Vorrei riprendere il viaggio
Che ho già percorso al tuo fianco
Per diventare il tuo cavallo
E trasportare dolcemente
Il peso del tuo amore
Cancellando ogni dubbio in te
Vorrei tornar nei nostri luoghi
Per risentire le parole
Che sussurravi a un sordo
Ma ecco il tempo che non tace;
Vorrei, vorrei far vivere
Questa nuova ed immensa verità


Vedi Amsterdam

Le madri non sanno
Le madri non sanno
Perché i loro figli vanno

Ritornano ad Amsterdam
Ritornano ad Amsterdam
Ancora un viaggio ancora

Vorrei, vorrei poter bruciare il mio biglietto
Ma lo spettacolo si replica
È triste il punto dove muore il vento;
Le pale formano le grandi croci

E il vento ritorna
E il vento ritorna
Gira la ruota gira

Vacanza obbligata
Vacanza obbligata
Fermate qualcuno in tempo

Vorrei, vorrei poter bruciare il mio biglietto
Venezia che non piangi mai
I tulipani accendono i colori
E tutti corrono a rivedere te



Lado 2

Regina al Troubadour

Regina al Troubadour
Regina della neve
Son tutti attorno a te
Perché non sai dir "no"
Distribuisci a ognuno il bene più vicino
Facile, facile

Tu devi darmi la mia realtà
Io ho bisogno di un posto mio

Non puoi guarire i mali di ogni uomo con la tua medicina
Non ti sei accorta che un giorno sono entrato per portarti un regalo

Tu non hai visto
Il nuovo giorno negli occhi miei

Non hai capito, nessuna cosa più poteva farmi felice
Io l'ho rubato
Nel regno più prezioso che mai proverai, se resterai

I buchi nei blue-jeans
Anelli e perle al naso
Hai preso tutto in fretta
Lasciando la famiglia
Che ti voleva ricca ed ora sei regina
Facile, facile
Se sei fuggita
Per quel che hai:
I miei ossequi!


Radiofelicità

Non preoccuparti se sono così
Nulla può cambiarmi, io mi conosco bene
Io non corro con te disperato
Dietro le occasioni che sai trovare tu

Non devi sforzarti a cercar di capire
Se passo i miei giorni ad ascoltare il mondo

E non guardarmi con aria stupita
Tu non puoi entrare tra le mie cose belle
Io ho un amico rinchiuso qui dentro
E quando sono triste mi da felicità

Non devi sforzarti a cercar di capire
Se passo i miei giorni ad ascoltare il mondo


I Salmoni

Lo sai sì, dobbiamo far così
Andare sempre in su, controcorrente,
Risalire il fiume, raggiungere la fonte.
Dobbiamo far così,
è un vecchio desiderio che ci spinge
E niente può cambiar la nostra folle idea.
Si può saltare e cadere sulla riva,
Si può picchiare la testa sulle rocce,
Si può restare arpionati sulla schiena,
Ma noi dobbiamo andare avanti
E arrivare dove il cielo è più vicino,
Perché è lì, che nasceranno i nostri figli.


Il Gradino Più Stretto Del Cielo

Oggi ho rischiato un po' di morire
Ero troppo felice davvero
Non sapevo chi mai ringraziare
Gente, forse ora ho qualcosa da dire
Ascoltate, vi prego, è importante
È un discorso che vale per tutti:
Ho visto entrare una donna
Con gli occhi bendati
E nelle mani teneva
Tutti i miei desideri
"Prendi", lei mi ha detto con un dolce sorriso
"Tutto ciò che mi hai cercato sta qui
Tu sei l'uomo più grande del mondo"
Pazzi! Non credete alla felicità
Lei mi porta lontano la mente
Nel gradino più stretto del cielo
Ho visto entrare una donna
Con gli occhi bendati
E nelle mani teneva
Tutti i miei desideri


miércoles, 27 de diciembre de 2023

1976: Tomita y el pájaro de fuego

Contenido de esta entrada:

Introducción

Historia

Lista de canciones


Portada de la edición del álbum Firebird en Estados Unidos


Anterior artículo de Tomita: 1975: Tomita y cuadros en una exposición


Enlaces interesantes sobre Tomita:



Isao Tomita (en japonés: 冨田 勲, Tomita Isao), (Tokio, 22 de abril de 1932-Ibídem, 5 de mayo de 2016), también conocido como Tomita, fue un renombrado músico y compositor japonés que se caracterizaba por fusionar piezas de música clásica con sintetizadores y otros instrumentos electrónicos como los secuenciadores analógicos y el Melotrón. Es también considerado uno de los pioneros de la música electrónica y sentó las bases para la música synth-pop.

A finales de los 1960s, volvió su atención hacia la música electrónica tras escuchar álbumes de Wendy Carlos en los que Wendy interpretaba música clásica con un sintetizador MoogIsao compró un sintetizador Moog III y comenzó a montar su estudio doméstico.

Eventualmente se dio cuenta de que los sintetizadores podían usarse para crear sonidos completamente nuevos además de imitar otros instrumentos. 

Tomita


Un anterior artículo lo dedicamos a sus comienzos hasta la publicación de su primer álbum “Electric Samurai: Switched on Rock” con el sintetizador moog1972: Comienzos y primer álbum de Tomita

Portada del álbum Electric Samurai: Switched on Rock


Un anterior artículo lo dedicamos a su álbum publicado en 1974 basado en música de Claude DebussySnowflakes Are Dancing, por el que recibió cuatro premios Grammy1974: Los copos de nieve están danzando con Tomita.


Un anterior artículo lo dedicamos al álbum Pictures At An Exhibition publicado en 19751975: Tomita y cuadros en una exposición.

Portada del álbum Pictures at an Exhibition

 
Este artículo lo dedicamos al álbum Firebird publicado en 1976.





Historia

Tras el éxito conseguido con el álbum “Snowflakes Are Dancing” en 1974, Isao Tomita, se dedicó a lanzar una serie de álbumes de temática clásica. Se centró en esta tarea dejando atrás la composición de bandas sonoras para la televisión y películas japonesas. Aprovechando su posible utilización para el teatro decidió adaptar el ballet de Firebird (el pájaro de fuego) del compositor de origen ruso Igor Stravinsky. Después de las dos obras anteriores basadas en la música para piano, esta es la primera obra que convertiría una pieza para orquesta en música de sintetizador. En efecto en 1976 se utilizaría para dos espectáculos de ballet:
  • Ballet "Firebird" / Yoko Morishita (1976, Shibuya Public Hall) Sonido de 4 canales
  • Ballet creativo de Maki Asami, Ballet "Firebird" (Música: Isao Tomita, Libreto: Akira Obata, Dirección: Asami Maki) (julio de 1976, Postal Savings Hall) Sonido de 7 canales
El álbum se completa con dos piezas Prelude To The Afternoon Of A Faun  (La siesta de un fauno) de Debussy y A Night On Bare Mountain (Una noche en el Monte Pelado) de Moussorgsky. Ambas piezas tienen adaptaciones para ballet, siendo este el nexo de unión para todos los cortes del álbum y eso es lo que tendría en mente Tomita para su producción.


Generalidades sobre la obra de Stravinsky

El ballet “El pájaro de fuego” (francés: L'Oiseau de feu; ruso: Жар-птица , romanizado:  Zhar-ptitsa) del compositor de origen ruso Igor Stravinsky fue escrito para la temporada de 1910 de la compañía de Ballets Russes de Sergei Diaghilev de París. La coreografía original fue de Michel Fokine, quien colaboró con Alexandre Benois en un escenario basado en los cuentos de hadas rusos del pájaro de fuego y la bendición y maldición que posee para su dueño. Su estreno en la Ópera de París el 25 de junio de 1910 fue un éxito inmediato, catapultando a Stravinsky a la fama internacional.

Diseño de vestido para el estreno de 1910. Figurín para Karsávina como Pájaro de fuego de Léon Bakst.


Igor Stravinsky era el hijo de Fiódor Stravinski, cantante de ópera (bajo), y Anna (de soltera Kholodovskaya), cantante y pianista de una antigua familia rusa establecida. La asociación de Fyodor con muchas de las principales figuras de la música rusa, incluidos Rimsky-Korsakov, Borodin y Mussorgsky, significó que Igor creció en un hogar intensamente musical. En 1901, Stravinsky comenzó a estudiar derecho en la Universidad Imperial de San Petersburgo, mientras toma lecciones privadas en armonía y contrapunto. Sintiendo el talento en los primeros esfuerzos del joven compositor, Rimsky-Korsakov tomó a Stravinsky bajo su tutela privada. En el momento de la muerte de su mentor en 1908, Stravinsky había producido varias obras, entre ellas una Sonata para piano en fa sostenido menor , una sinfonía en mi bemol y una pieza orquestal corta titulada Feu d'artifice ("Fuegos artificiales").

Ígor Stravinski


En 1909, Scherzo fantastique y Feu d'artifice de Stravinsky se estrenaron en San Petersburgo. Entre los asistentes estaba el empresario Sergei Diaghilev, que estaba a punto de estrenar sus Ballets Rusos en París. La intención de Diaghilev era presentar nuevas obras en un estilo distintivo del siglo XX, y buscaba nuevos talentos compositivos. Impresionado por Stravinsky, le encargó orquestaciones de la música de Chopin para el ballet Les Sylphides.

Serguéi Diáguilev

Alexandre Benois recordó que en 1908 sugirió a Diaghilev la producción de un ballet nacionalista ruso, una idea tanto más atractiva dada la recién despertada pasión francesa por la danza rusa como los costos elevados de la puesta en escena de la ópera. La inspiración de mezclar el mítico pájaro de fuego con el cuento ruso no relacionado de Koschei el Inmortal posiblemente vino de un popular verso infantil de Yakov Polonsky, "Un viaje de invierno" (1844).

Alexandre Benois fue un crítico de arte, pintor, libretista y escenógrafo ruso.

Benois colaboró con el coreógrafo Michel Fokine, basándose en varios libros de cuentos de hadas rusos, incluida la colección de Alexander Afanasyev, para inventar una historia sobre el pájaro de fuego y el mago malvado Koschei. La escenografía fue diseñada por Aleksandr Golovin y el vestuario por Léon Bakst.

Ilustración de Ivan Bilibin de un cuento de hadas ruso sobre el Pájaro de Fuego, 1899.


Diaghilev se acercó por primera vez al compositor ruso Anatoly Lyadov en septiembre de 1909 para escribir la música. No hay evidencia de que alguna vez aceptó el encargo, a pesar de la historia anecdótica de que tardó en comenzar a componer la obra. Nikolai Tcherepnin compuso algo de música para el ballet (que luego usó en su The Enchanted Kingdom), pero se retiró del proyecto sin explicación después de completar una sola escena. Después de decidir no usar a Alexander Glazunov y Nikolay Sokolov, Diaghilev finalmente eligió a Stravinsky, de 28 años, quien ya había comenzado a esbozar la música en anticipación al encargo.

Figurín para Michel Fokine como Príncipe Iván de Léon Bakst, 1910

Stravinsky comentaría más tarde sobre trabajar con Fokine que significaba "nada más que decir que estudiamos el libreto juntos, episodio por episodio, hasta que supe las medidas exactas requeridas de la música". En El pájaro de fuego se utilizaron varias ideas de obras de Rimsky-Korsakov. Danza infernal de todos los súbditos de Kaschéi  toma prestada la escala altamente cromática que Rimsky-Korsakov creó para el personaje de Chernobog en su ópera Mlada, mientras que Khorovod usa la misma melodía popular en su Sinfonietta , Op. 31. La partitura de piano se completó el 21 de marzo 1910 y fue totalmente orquestada por mayo, aunque no antes de que el trabajo fue interrumpido brevemente por otra obra de Diaghilev: una orquestación de Grieg, Kobold, op. 71, no. 3 para un baile de caridad con Vasily Nijinsky.

Escenario de Aleksandr Golovín para El pájaro de fuego, 1910

Poco después, Diaghilev comenzó a organizar avances privados del Pájaro de Fuego para la prensa. El crítico francés Robert Brussel, que asistió a uno de estos eventos, escribió en 1930: El compositor, joven, delgado y poco comunicativo, con vagos ojos meditativos y labios firmes en un rostro de aspecto enérgico, estaba al piano. Pero en el momento en que comenzó a tocar, la modesta y tenue vivienda resplandeció con un resplandor deslumbrante. Al final de la primera escena, estaba conquistado: por la última, estaba perdido en la admiración. El manuscrito del atril, tachado con finos trazos a lápiz, reveló una obra maestra.

Figurín para la Zarevna de Léon Bakst, 1913.


El pájaro de fuego fue estrenado por los Ballets Russes en el Palais Garnier de París el 25 de junio de 1910, dirigido por Gabriel Pierné. Incluso antes de la primera actuación, la empresa percibió un gran éxito y cada actuación del ballet en esa primera producción, como recordaba Tamara Karsavina, alcanzó un "crescendo" de éxito. "Anótenlo bien", dijo Diaghilev sobre Stravinsky, "es un hombre en vísperas de la celebridad".

Tamara Karsávina como Pájaro de fuego y Michel Fokine como Príncipe Iván en la producción de los Ballets Rusos de 1910.

Los críticos elogiaron el ballet por su integración de decoración, coreografía y música. "La vermiculación de oro viejo del fantástico telón de fondo parece haber sido inventada con una fórmula idéntica a la de la reluciente red de la orquesta", escribió Henri Ghéon en Nouvelle revue française, quien llamó al ballet "la más exquisita maravilla de equilibrio" y añadió que Stravinsky era un "músico delicioso". Michel-Dimitri Calvocoressi aclamó al joven compositor como el heredero legítimo de Los Cinco (círculo de compositores que se reunieron en San Petersburgo, en los años 1856-1870: Mili Balákirev (el líder), César Cui, Modest Músorgski, Nikolái Rimski-Kórsakov y Aleksandr Borodín). El éxito del ballet también aseguró la posición de Stravinsky como el compositor estrella de Diaghilev, y hubo conversaciones inmediatas sobre una secuela, que lleva a la composición de Petrushka y La consagración de la primavera. En Rusia, sin embargo, la reacción fue mixta. Mientras que el amigo de Stravinsky, Andrey Rimsky-Korsakov, habló con aprobación de ella, la prensa en su mayoría tuvo una visión sombría de la música, y un crítico denunció lo que él consideraba su "horrible pobreza de invención melódica". Un compañero alumno de Rimsky-Korsakov, Jāzeps Vītols, escribió que "Stravinsky, al parecer, ha olvidado el concepto de placer en el sonido ... [Sus] disonancias desafortunadamente rápidamente se vuelven fatigosas, porque no hay ideas escondidas detrás de ellas."

Jāzeps Vītols


Sergei Bertensson recordó a Sergei Rachmaninoff diciendo de la música: "¡Gran Dios! ¡Qué obra de genio es esta! ¡Esta es la verdadera Rusia!" Otro colega, Claude Debussy, que más tarde se convirtió en un admirador, adoptó una visión más sobria de la partitura: "¿Qué esperas? Hay que empezar por algún lado". Richard Strauss le dijo al compositor en una conversación privada que había cometido un "error" al comenzar la pieza pianissimo en lugar de asombrar al público con un "choque repentino". Poco después, resumió a la prensa su experiencia de escuchar El pájaro de fuego por primera vez diciendo: "Siempre es interesante escuchar a los imitadores".

Libreto

El ballet se centra en el viaje de su héroe, el príncipe Iván. Mientras caza en el bosque, se pierde en el reino mágico del malvado Koschei el Inmortal, cuya inmortalidad se conserva al mantener su alma en un huevo mágico escondido en un ataúd. Iván persigue y captura al pájaro de fuego y está a punto de matarla; ella ruega por su vida y él la perdona. Como muestra de agradecimiento, ella le ofrece una pluma encantada que puede usar para convocarla en caso de que la necesite.

Dibujo de Léon Bakst del zar Iván capturando el Pájaro de Fuego

El príncipe Iván luego conoce a trece princesas que están bajo el hechizo de Koschei y se enamora de una de ellas. Al día siguiente, Iván se enfrenta al mago y, finalmente, comienzan a pelear. Cuando Koschei envía a sus secuaces tras Iván, invoca al pájaro de fuego. Ella interviene, hechizando a los monstruos y haciéndoles bailar una danza elaborada y enérgica (la "Danza Infernal").


Exhaustos, las criaturas y Koschei caen en un sueño profundo. Mientras duermen, el pájaro de fuego dirige a Iván a un tocón de árbol donde se esconde el ataúd con el huevo que contiene el alma de Koschei. Iván destruye el huevo, y con el hechizo roto y Koschei muerto, las criaturas mágicas que Koschei mantuvo cautivas son liberadas y el palacio desaparece. Todos los seres "reales", incluidas las princesas, se despiertan y con un toque final de la música del pájaro de fuego (aunque en la coreografía de Fokine no aparece en esa escena final en el escenario), celebran su victoria.

Tamara Karsavina como el Pájaro de Fuego y Michel Fokine como el Príncipe Iván en la producción de los Ballets Rusos de 1910

Las tres suites

Además de la partitura de ballet completa de 50 minutos de 1909–10, Stravinsky arregló tres suites para presentaciones de conciertos que datan de 1911, 1919 y 1945. Tomita toma la suite de 1919 para su arreglo para sintetizadores. Esta suite fue creada en Suiza para el director Ernest Ansermet. Cuando se publicó originalmente, la partitura contenía muchos errores, que solo se corrigieron en 1985.

Lanzamiento del álbum Firebird

Tomita grabó el álbum Firebird en 1975 en su estudio casero ocupándose no solo de tocar los instrumentos sino de grabar y mezclar el álbum. En el momento de la producción, además del Moog III que había utilizado hasta entonces, introdujo el Moog 55, que era el último modelo en ese momento.

Moog system 55 producido entre 1973 y 1981

El álbum fue lanzado en Japón el 3 de septiembre de 1975. Se publicó con una carpeta distinta que el lanzamiento internacional que no utiliza el logo habitual de Tomita. El diseño fue de Osamu Nagakawa con ilustración de Osamu Tezuka. En Japón se publicó en cuadrafónico.
 
Portada de la edición japonesa

La funda del vinilo incluye información, en su mayoría en japonés, sobre los sintetizadores utilizados.

Contraportada del disco

En Estados Unidos fue publicado en enero de 1976 tanto en estéreo como en cuadrafónico. Si mostró el logo de Tomita.

Contraportada de la edición estadounidense

Detalle de la lista de equipos utilizados en el álbum, según libreto de la edición en CD de 1984:


Alcanzó el puesto 71 en el Billboard 200. y el puesto 4 en el Billboard Classical Chart el 3 de marzo de 1976 


También fue publicado en el Reino Unido, Alemania, Canadá, Francia, España, Italia, Nueva Zelanda y Australia.

En Estados Unidos se publicó en mayo de 1976 un sencillo promocional con versiones editadas de los temas Firebird Suite: Finale y Firebird Suite: Infernal Dance Of King Kastchei 

Etiqueta del sencillo promocional en Estados Unidos

En España también se publicó un sencillo con los temas Suite "El Pájaro De Fuego" (Danza Infernal Del Rey Kastchel) y Preludio De La Siesta De Un Fauno con RCA Victor ‎(ESP-557).


Recepción

Richard S. Ginell en su reseña para Allmusic comentó: El ya familiar tratamiento de Tomita a la deriva, espacioso y fascífero funciona mejor en los números más lentos de la suite, como "The Round of the Princesses", "Berceuse" y la majestuosidad incorpórea de la apertura del "Finale". Pero la "Danza del pájaro de fuego" y la "Danza infernal" no son tan dinámicas o coloridas como cualquiera de las versiones orquestales de Stravinsky. Para las piezas complementarias, Tomita regresó a los compositores que lo trajeron aquí, una magnífica versión de "Preludio a la tarde de un fauno" de Debussy y una versión pesada y cargada de coro electrónico de "Noche en la montaña calva" de Mussorgsky. 




Lista de canciones 

Enlace a la lista de reproducción del álbum completo: Isao Tomita - Firebird (4.1 Surround Sound)

Imagen del libreto de una edición japonesa de 2004





Contenido del álbum


En la cara uno se incluye la suite Firebird de 1919. Cada uno de los cortes se corresponde con uno de los movimientos de la suite, con la excepción del cuarto y último que se corresponde con los movimientos cuarto y quinto, Berceuse y Finale respectivamente.


La cara B del álbum está constituida por dos cortes. El primer corte de la cara B es “Prelude To The Afternoon Of A Faun”. Un estracto del tema aparece también como cara B del sencillo promocional “Firebird”. Prélude à l'après-midi d'un faune, conocido comúnmente bajo su título en español Preludio a la siesta de un fauno, es un poema sinfónico para orquesta compuesto por Claude Debussy, de aproximadamente 10 minutos de duración. Su estreno tuvo lugar en París el 22 de diciembre de 1894, con dirección de Gustave Doret.

Claude Debussy

La composición fue inspirada por el poema L'après-midi d'un faune de Stéphane Mallarmé. Posteriormente Vaslav Nijinsky creó para los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev un ballet titulado La siesta de un fauno basado en esta famosa pieza de Debussy considerada un hito en la música moderna. Según Pierre Boulez, marca el inicio de la música moderna. La melodía cromática en el solo de flauta de la obertura es uno de los pasajes más célebres compuestos para música orquestal.

Vestuario de Nijinsky para el ballet "Tarde de fauno"

No pudiendo asignar a la obra una forma tradicional, salvo por alguna analogía arbitraria, es posible al menos definir las líneas esenciales de su estructura: se divide en seis partes de longitud desigual. En la primera parte, el célebre tema es expuesto cuatro veces por la flauta, primero sin acompañamiento, luego con una armonización provisional, una armonización de espera. Hasta la tercera exposición no conquista su armonía verdadera, implícita, ideal. La cuarta modifica ligeramente el ritmo. La segunda parte, aunque recoge el tema inicial también presenta un segundo motivo, expresado por el oboe. La tercera parte se funde sobre un elemento melódico nuevo, de un prodigioso pero misterioso lirismo. La cuarta parte vuelve al primer tema, variando la figuración rítmica, por lo que no reaparecerá en su aspecto primitivo hasta la quinta parte, que podríamos calificar «reexposición». La coda constituye la sexta y última parte, concluyendo la obra sobre una suerte de sintetización del tema principal, es decir, de reducción de éste a sus notas tonalmente esenciales, como si no fuese más que la sombra de sí mismo, ilustrando así el verso que cierra el poema de Mallarmé.




El segundo y último corte de la cara B es “A Night On Bare Mountain”. Una noche en el Monte Pelado (en ruso Ivánova noch na Lýsoi goré, «La noche de San Juan en el Monte Pelado») es un poema sinfónico del compositor ruso Modest Músorgski. La pieza fue originalmente inspirada por un cuento de Nikolái Gógol, en la cual un campesino presencia un aquelarre en el Monte Pelado, cerca de Kiev en la Noche de San Juan (equivalente a la Noche de Walpurgis). Con mucho de original, el trabajo tiene una historia composicional tortuosa y es conocido en muchas versiones distintas.

Músorgski encabezó la partitura con unas frases de su puño y letra, que desde un principio ayudaron a comprender mejor la atmósfera fantástica de la obra:
  • Rumores subterráneos de voces sobrenaturales;
  • Aparición de los espíritus de las tinieblas y de Chernabog (Satanás);
  • Glorificación de Chernabog y misa negra;
  • Aquelarre de brujas;
  • Es un aquelarre de brujas y las ve un campesino, dispersando a los espíritus de las tinieblas;
  • Amanecer.
Después de la muerte de Músorgski, su amigo y compañero Nikolái Rimski-Kórsakov orquestó y arregló esta extraordinaria obra, tan llena de intenso colorido y fuerza que la han hecho muy popular en los conciertos.

El poema sinfónico fue utilizado en la película Fantasía (1940) de Walt Disney como representación del mal.



Una versión disco de David Shire fue utilizada en la banda sonora de la película Saturday Night Fever.


Night On Disco Mountain


El bailarín y coreógrafo ruso Ígor Moiséyev creó también una pieza a partir de variaciones del mismo tema.






Reediciones

Fue publicado por primera vez en CD en 1984

Contraportada de la edición de 1984


En 2019 se publicó remasterizado en formato SACD y cuadrafónico.




Mi opinión sobre el álbum:

Tomita se encuentra en lo más alto de su carrera. Gracias a la electrónica, escenifica la música, materializando físicamente lo que el autor quería transmitir y que era más difícil de imaginar utilizando solamente los instrumentos clásicos. En este caso, la empresa es más difícil porque tiene que suplir a toda una orquesta. En este álbum, se muestra más moderado manteniéndose fiel al original, quizás pensando en su utilización posterior para un ballet. Los temas que más me gustan son los dos últimos de la suite Firebird, “Infernal Dance Of King Kastchei” y “Berceuse And Finale”.



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