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| Portada de la edición del álbum Firebird en Estados Unidos |
Anterior artículo de Tomita: 1975: Tomita y cuadros en una exposición
Enlaces interesantes sobre Tomita:
Isao Tomita (en japonés: 冨田 勲, Tomita Isao), (Tokio, 22 de abril de 1932-Ibídem, 5 de mayo de 2016), también conocido como Tomita, fue un renombrado músico y compositor japonés que se caracterizaba por fusionar piezas de música clásica con sintetizadores y otros instrumentos electrónicos como los secuenciadores analógicos y el Melotrón. Es también considerado uno de los pioneros de la música electrónica y sentó las bases para la música synth-pop.
A finales de los 1960s, volvió su atención hacia la música electrónica tras escuchar álbumes de Wendy Carlos en los que Wendy interpretaba música clásica con un sintetizador Moog. Isao compró un sintetizador Moog III y comenzó a montar su estudio doméstico.
Eventualmente se dio cuenta de que los sintetizadores podían usarse para crear sonidos completamente nuevos además de imitar otros instrumentos.
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| Tomita |
Un anterior artículo lo dedicamos a sus comienzos hasta la publicación de su primer álbum “Electric Samurai: Switched on Rock” con el sintetizador moog: 1972: Comienzos y primer álbum de Tomita
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| Portada del álbum Electric Samurai: Switched on Rock |
Un anterior artículo lo dedicamos a su álbum publicado en 1974 basado en música de Claude Debussy, Snowflakes Are Dancing, por el que recibió cuatro premios Grammy: 1974: Los copos de nieve están danzando con Tomita.
Un anterior artículo lo dedicamos al álbum Pictures At An Exhibition publicado en 1975: 1975: Tomita y cuadros en una exposición.
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| Portada del álbum Pictures at an Exhibition |
Este artículo lo dedicamos al álbum Firebird publicado en 1976.
Historia
Tras el éxito conseguido con el álbum “Snowflakes Are Dancing” en 1974, Isao Tomita, se dedicó a lanzar una serie de álbumes de temática clásica. Se centró en esta tarea dejando atrás la composición de bandas sonoras para la televisión y películas japonesas. Aprovechando su posible utilización para el teatro decidió adaptar el ballet de Firebird (el pájaro de fuego) del compositor de origen ruso Igor Stravinsky. Después de las dos obras anteriores basadas en la música para piano, esta es la primera obra que convertiría una pieza para orquesta en música de sintetizador. En efecto en 1976 se utilizaría para dos espectáculos de ballet:
- Ballet "Firebird" / Yoko Morishita (1976, Shibuya Public Hall) Sonido de 4 canales
- Ballet creativo de Maki Asami, Ballet "Firebird" (Música: Isao Tomita, Libreto: Akira Obata, Dirección: Asami Maki) (julio de 1976, Postal Savings Hall) Sonido de 7 canales
El álbum se completa con dos piezas Prelude To The Afternoon Of A Faun (La siesta de un fauno) de Debussy y A Night On Bare Mountain (Una noche en el Monte Pelado) de Moussorgsky. Ambas piezas tienen adaptaciones para ballet, siendo este el nexo de unión para todos los cortes del álbum y eso es lo que tendría en mente Tomita para su producción.
Generalidades sobre la obra de Stravinsky
El ballet “El pájaro de fuego” (francés: L'Oiseau de feu; ruso: Жар-птица , romanizado: Zhar-ptitsa) del compositor de origen ruso Igor Stravinsky fue escrito para la temporada de 1910 de la compañía de Ballets Russes de Sergei Diaghilev de París. La coreografía original fue de Michel Fokine, quien colaboró con Alexandre Benois en un escenario basado en los cuentos de hadas rusos del pájaro de fuego y la bendición y maldición que posee para su dueño. Su estreno en la Ópera de París el 25 de junio de 1910 fue un éxito inmediato, catapultando a Stravinsky a la fama internacional.
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| Diseño de vestido para el estreno de 1910. Figurín para Karsávina como Pájaro de fuego de Léon Bakst. |
Igor Stravinsky era el hijo de Fiódor Stravinski, cantante de ópera (bajo), y Anna (de soltera Kholodovskaya), cantante y pianista de una antigua familia rusa establecida. La asociación de Fyodor con muchas de las principales figuras de la música rusa, incluidos Rimsky-Korsakov, Borodin y Mussorgsky, significó que Igor creció en un hogar intensamente musical. En 1901, Stravinsky comenzó a estudiar derecho en la Universidad Imperial de San Petersburgo, mientras toma lecciones privadas en armonía y contrapunto. Sintiendo el talento en los primeros esfuerzos del joven compositor, Rimsky-Korsakov tomó a Stravinsky bajo su tutela privada. En el momento de la muerte de su mentor en 1908, Stravinsky había producido varias obras, entre ellas una Sonata para piano en fa sostenido menor , una sinfonía en mi bemol y una pieza orquestal corta titulada Feu d'artifice ("Fuegos artificiales").
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| Ígor Stravinski |
En 1909, Scherzo fantastique y Feu d'artifice de Stravinsky se estrenaron en San Petersburgo. Entre los asistentes estaba el empresario Sergei Diaghilev, que estaba a punto de estrenar sus Ballets Rusos en París. La intención de Diaghilev era presentar nuevas obras en un estilo distintivo del siglo XX, y buscaba nuevos talentos compositivos. Impresionado por Stravinsky, le encargó orquestaciones de la música de Chopin para el ballet Les Sylphides.
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| Serguéi Diáguilev |
Alexandre Benois recordó que en 1908 sugirió a Diaghilev la producción de un ballet nacionalista ruso, una idea tanto más atractiva dada la recién despertada pasión francesa por la danza rusa como los costos elevados de la puesta en escena de la ópera. La inspiración de mezclar el mítico pájaro de fuego con el cuento ruso no relacionado de Koschei el Inmortal posiblemente vino de un popular verso infantil de Yakov Polonsky, "Un viaje de invierno" (1844).
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| Alexandre Benois fue un crítico de arte, pintor, libretista y escenógrafo ruso. |
Benois colaboró con el coreógrafo Michel Fokine, basándose en varios libros de cuentos de hadas rusos, incluida la colección de Alexander Afanasyev, para inventar una historia sobre el pájaro de fuego y el mago malvado Koschei. La escenografía fue diseñada por Aleksandr Golovin y el vestuario por Léon Bakst.
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| Ilustración de Ivan Bilibin de un cuento de hadas ruso sobre el Pájaro de Fuego, 1899. |
Diaghilev se acercó por primera vez al compositor ruso Anatoly Lyadov en septiembre de 1909 para escribir la música. No hay evidencia de que alguna vez aceptó el encargo, a pesar de la historia anecdótica de que tardó en comenzar a componer la obra. Nikolai Tcherepnin compuso algo de música para el ballet (que luego usó en su The Enchanted Kingdom), pero se retiró del proyecto sin explicación después de completar una sola escena. Después de decidir no usar a Alexander Glazunov y Nikolay Sokolov, Diaghilev finalmente eligió a Stravinsky, de 28 años, quien ya había comenzado a esbozar la música en anticipación al encargo.
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| Figurín para Michel Fokine como Príncipe Iván de Léon Bakst, 1910 |
Stravinsky comentaría más tarde sobre trabajar con Fokine que significaba "nada más que decir que estudiamos el libreto juntos, episodio por episodio, hasta que supe las medidas exactas requeridas de la música". En El pájaro de fuego se utilizaron varias ideas de obras de Rimsky-Korsakov. Danza infernal de todos los súbditos de Kaschéi toma prestada la escala altamente cromática que Rimsky-Korsakov creó para el personaje de Chernobog en su ópera Mlada, mientras que Khorovod usa la misma melodía popular en su Sinfonietta , Op. 31. La partitura de piano se completó el 21 de marzo 1910 y fue totalmente orquestada por mayo, aunque no antes de que el trabajo fue interrumpido brevemente por otra obra de Diaghilev: una orquestación de Grieg, Kobold, op. 71, no. 3 para un baile de caridad con Vasily Nijinsky.
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| Escenario de Aleksandr Golovín para El pájaro de fuego, 1910 |
Poco después, Diaghilev comenzó a organizar avances privados del Pájaro de Fuego para la prensa. El crítico francés Robert Brussel, que asistió a uno de estos eventos, escribió en 1930: El compositor, joven, delgado y poco comunicativo, con vagos ojos meditativos y labios firmes en un rostro de aspecto enérgico, estaba al piano. Pero en el momento en que comenzó a tocar, la modesta y tenue vivienda resplandeció con un resplandor deslumbrante. Al final de la primera escena, estaba conquistado: por la última, estaba perdido en la admiración. El manuscrito del atril, tachado con finos trazos a lápiz, reveló una obra maestra.
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| Figurín para la Zarevna de Léon Bakst, 1913. |
El pájaro de fuego fue estrenado por los Ballets Russes en el Palais Garnier de París el 25 de junio de 1910, dirigido por Gabriel Pierné. Incluso antes de la primera actuación, la empresa percibió un gran éxito y cada actuación del ballet en esa primera producción, como recordaba Tamara Karsavina, alcanzó un "crescendo" de éxito. "Anótenlo bien", dijo Diaghilev sobre Stravinsky, "es un hombre en vísperas de la celebridad".
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| Tamara Karsávina como Pájaro de fuego y Michel Fokine como Príncipe Iván en la producción de los Ballets Rusos de 1910. |
Los críticos elogiaron el ballet por su integración de decoración, coreografía y música. "La vermiculación de oro viejo del fantástico telón de fondo parece haber sido inventada con una fórmula idéntica a la de la reluciente red de la orquesta", escribió Henri Ghéon en Nouvelle revue française, quien llamó al ballet "la más exquisita maravilla de equilibrio" y añadió que Stravinsky era un "músico delicioso". Michel-Dimitri Calvocoressi aclamó al joven compositor como el heredero legítimo de Los Cinco (círculo de compositores que se reunieron en San Petersburgo, en los años 1856-1870: Mili Balákirev (el líder), César Cui, Modest Músorgski, Nikolái Rimski-Kórsakov y Aleksandr Borodín). El éxito del ballet también aseguró la posición de Stravinsky como el compositor estrella de Diaghilev, y hubo conversaciones inmediatas sobre una secuela, que lleva a la composición de Petrushka y La consagración de la primavera. En Rusia, sin embargo, la reacción fue mixta. Mientras que el amigo de Stravinsky, Andrey Rimsky-Korsakov, habló con aprobación de ella, la prensa en su mayoría tuvo una visión sombría de la música, y un crítico denunció lo que él consideraba su "horrible pobreza de invención melódica". Un compañero alumno de Rimsky-Korsakov, Jāzeps Vītols, escribió que "Stravinsky, al parecer, ha olvidado el concepto de placer en el sonido ... [Sus] disonancias desafortunadamente rápidamente se vuelven fatigosas, porque no hay ideas escondidas detrás de ellas."
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| Jāzeps Vītols |
Sergei Bertensson recordó a Sergei Rachmaninoff diciendo de la música: "¡Gran Dios! ¡Qué obra de genio es esta! ¡Esta es la verdadera Rusia!" Otro colega, Claude Debussy, que más tarde se convirtió en un admirador, adoptó una visión más sobria de la partitura: "¿Qué esperas? Hay que empezar por algún lado". Richard Strauss le dijo al compositor en una conversación privada que había cometido un "error" al comenzar la pieza pianissimo en lugar de asombrar al público con un "choque repentino". Poco después, resumió a la prensa su experiencia de escuchar El pájaro de fuego por primera vez diciendo: "Siempre es interesante escuchar a los imitadores".
Libreto
El ballet se centra en el viaje de su héroe, el príncipe Iván. Mientras caza en el bosque, se pierde en el reino mágico del malvado Koschei el Inmortal, cuya inmortalidad se conserva al mantener su alma en un huevo mágico escondido en un ataúd. Iván persigue y captura al pájaro de fuego y está a punto de matarla; ella ruega por su vida y él la perdona. Como muestra de agradecimiento, ella le ofrece una pluma encantada que puede usar para convocarla en caso de que la necesite.
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| Dibujo de Léon Bakst del zar Iván capturando el Pájaro de Fuego |
El príncipe Iván luego conoce a trece princesas que están bajo el hechizo de Koschei y se enamora de una de ellas. Al día siguiente, Iván se enfrenta al mago y, finalmente, comienzan a pelear. Cuando Koschei envía a sus secuaces tras Iván, invoca al pájaro de fuego. Ella interviene, hechizando a los monstruos y haciéndoles bailar una danza elaborada y enérgica (la "Danza Infernal").
Exhaustos, las criaturas y Koschei caen en un sueño profundo. Mientras duermen, el pájaro de fuego dirige a Iván a un tocón de árbol donde se esconde el ataúd con el huevo que contiene el alma de Koschei. Iván destruye el huevo, y con el hechizo roto y Koschei muerto, las criaturas mágicas que Koschei mantuvo cautivas son liberadas y el palacio desaparece. Todos los seres "reales", incluidas las princesas, se despiertan y con un toque final de la música del pájaro de fuego (aunque en la coreografía de Fokine no aparece en esa escena final en el escenario), celebran su victoria.
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| Tamara Karsavina como el Pájaro de Fuego y Michel Fokine como el Príncipe Iván en la producción de los Ballets Rusos de 1910 |
Las tres suites
Además de la partitura de ballet completa de 50 minutos de 1909–10, Stravinsky arregló tres suites para presentaciones de conciertos que datan de 1911, 1919 y 1945. Tomita toma la suite de 1919 para su arreglo para sintetizadores. Esta suite fue creada en Suiza para el director Ernest Ansermet. Cuando se publicó originalmente, la partitura contenía muchos errores, que solo se corrigieron en 1985.
Lanzamiento del álbum Firebird
Tomita grabó el álbum Firebird en 1975 en su estudio casero ocupándose no solo de tocar los instrumentos sino de grabar y mezclar el álbum. En el momento de la producción, además del Moog III que había utilizado hasta entonces, introdujo el Moog 55, que era el último modelo en ese momento.
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| Moog system 55 producido entre 1973 y 1981 |
El álbum fue lanzado en Japón el 3 de septiembre de 1975. Se publicó con una carpeta distinta que el lanzamiento internacional que no utiliza el logo habitual de Tomita. El diseño fue de Osamu Nagakawa con ilustración de Osamu Tezuka. En , se publicó en cuadrafónico.
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| Portada de la edición japonesa |
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| Contraportada del disco |
En Estados Unidos fue publicado en enero de 1976 tanto en estéreo como en cuadrafónico. Si mostró el logo de Tomita.
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| Contraportada de la edición estadounidense |
Detalle de la lista de equipos utilizados en el álbum, según libreto de la edición en CD de 1984:
Alcanzó el puesto 71 en el Billboard 200. y el puesto 4 en el Billboard Classical Chart el 3 de marzo de 1976
También fue publicado en el Reino Unido, Alemania, Canadá, Francia, España, Italia, Nueva Zelanda y Australia.
En Estados Unidos se publicó en mayo de 1976 un sencillo promocional con versiones editadas de los temas Firebird Suite: Finale y Firebird Suite: Infernal Dance Of King Kastchei
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| Etiqueta del sencillo promocional en Estados Unidos |
En España también se publicó un sencillo con los temas Suite "El Pájaro De Fuego" (Danza Infernal Del Rey Kastchel) y Preludio De La Siesta De Un Fauno con RCA Victor (ESP-557).
Recepción
Richard S. Ginell en su reseña para Allmusic comentó: El ya familiar tratamiento de Tomita a la deriva, espacioso y fascífero funciona mejor en los números más lentos de la suite, como "The Round of the Princesses", "Berceuse" y la majestuosidad incorpórea de la apertura del "Finale". Pero la "Danza del pájaro de fuego" y la "Danza infernal" no son tan dinámicas o coloridas como cualquiera de las versiones orquestales de Stravinsky. Para las piezas complementarias, Tomita regresó a los compositores que lo trajeron aquí, una magnífica versión de "Preludio a la tarde de un fauno" de Debussy y una versión pesada y cargada de coro electrónico de "Noche en la montaña calva" de Mussorgsky.
Lista de canciones
Enlace a la lista de reproducción del álbum completo: Isao Tomita - Firebird (4.1 Surround Sound)
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| Imagen del libreto de una edición japonesa de 2004 |
Cara 1
Stravinsky - Firebird Suite
Cara 2
Contenido del álbum
En la cara uno se incluye la suite Firebird de 1919. Cada uno de los cortes se corresponde con uno de los movimientos de la suite, con la excepción del cuarto y último que se corresponde con los movimientos cuarto y quinto, Berceuse y Finale respectivamente.
La cara B del álbum está constituida por dos cortes. El primer corte de la cara B es “Prelude To The Afternoon Of A Faun”. Un estracto del tema aparece también como cara B del sencillo promocional “Firebird”. Prélude à l'après-midi d'un faune, conocido comúnmente bajo su título en español Preludio a la siesta de un fauno, es un poema sinfónico para orquesta compuesto por Claude Debussy, de aproximadamente 10 minutos de duración. Su estreno tuvo lugar en París el 22 de diciembre de 1894, con dirección de Gustave Doret.
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| Claude Debussy |
La composición fue inspirada por el poema L'après-midi d'un faune de Stéphane Mallarmé. Posteriormente Vaslav Nijinsky creó para los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev un ballet titulado La siesta de un fauno basado en esta famosa pieza de Debussy considerada un hito en la música moderna. Según Pierre Boulez, marca el inicio de la música moderna. La melodía cromática en el solo de flauta de la obertura es uno de los pasajes más célebres compuestos para música orquestal.
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| Vestuario de Nijinsky para el ballet "Tarde de fauno" |
No pudiendo asignar a la obra una forma tradicional, salvo por alguna analogía arbitraria, es posible al menos definir las líneas esenciales de su estructura: se divide en seis partes de longitud desigual. En la primera parte, el célebre tema es expuesto cuatro veces por la flauta, primero sin acompañamiento, luego con una armonización provisional, una armonización de espera. Hasta la tercera exposición no conquista su armonía verdadera, implícita, ideal. La cuarta modifica ligeramente el ritmo. La segunda parte, aunque recoge el tema inicial también presenta un segundo motivo, expresado por el oboe. La tercera parte se funde sobre un elemento melódico nuevo, de un prodigioso pero misterioso lirismo. La cuarta parte vuelve al primer tema, variando la figuración rítmica, por lo que no reaparecerá en su aspecto primitivo hasta la quinta parte, que podríamos calificar «reexposición». La coda constituye la sexta y última parte, concluyendo la obra sobre una suerte de sintetización del tema principal, es decir, de reducción de éste a sus notas tonalmente esenciales, como si no fuese más que la sombra de sí mismo, ilustrando así el verso que cierra el poema de Mallarmé.
El segundo y último corte de la cara B es “A Night On Bare Mountain”. Una noche en el Monte Pelado (en ruso Ivánova noch na Lýsoi goré, «La noche de San Juan en el Monte Pelado») es un poema sinfónico del compositor ruso Modest Músorgski. La pieza fue originalmente inspirada por un cuento de Nikolái Gógol, en la cual un campesino presencia un aquelarre en el Monte Pelado, cerca de Kiev en la Noche de San Juan (equivalente a la Noche de Walpurgis). Con mucho de original, el trabajo tiene una historia composicional tortuosa y es conocido en muchas versiones distintas.
Músorgski encabezó la partitura con unas frases de su puño y letra, que desde un principio ayudaron a comprender mejor la atmósfera fantástica de la obra:
- Rumores subterráneos de voces sobrenaturales;
- Aparición de los espíritus de las tinieblas y de Chernabog (Satanás);
- Glorificación de Chernabog y misa negra;
- Aquelarre de brujas;
- Es un aquelarre de brujas y las ve un campesino, dispersando a los espíritus de las tinieblas;
- Amanecer.
Después de la muerte de Músorgski, su amigo y compañero Nikolái Rimski-Kórsakov orquestó y arregló esta extraordinaria obra, tan llena de intenso colorido y fuerza que la han hecho muy popular en los conciertos.
El poema sinfónico fue utilizado en la película Fantasía (1940) de Walt Disney como representación del mal.
Una versión disco de David Shire fue utilizada en la banda sonora de la película Saturday Night Fever.
El bailarín y coreógrafo ruso Ígor Moiséyev creó también una pieza a partir de variaciones del mismo tema.
Reediciones
Fue publicado por primera vez en CD en 1984.
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| Contraportada de la edición de 1984 |
En 2019 se publicó remasterizado en formato SACD y cuadrafónico.
Mi opinión sobre el álbum:
Tomita se encuentra en lo más alto de su carrera. Gracias a la electrónica, escenifica la música, materializando físicamente lo que el autor quería transmitir y que era más difícil de imaginar utilizando solamente los instrumentos clásicos. En este caso, la empresa es más difícil porque tiene que suplir a toda una orquesta. En este álbum, se muestra más moderado manteniéndose fiel al original, quizás pensando en su utilización posterior para un ballet. Los temas que más me gustan son los dos últimos de la suite Firebird, “Infernal Dance Of King Kastchei” y “Berceuse And Finale”.
Isao Tomita, debió ser un hombre bastante enigmático. Me encantan las portadas. Cómo siempre un excelente repertorio musical. Un abrazo
ResponderEliminarEl hecho de montar un estudio casero y el carácter japonés hizo que fuera celoso de su vida privada. Cómo ves, no hay videos en Los que aparezca. Los que convertían música clásica en electrónica no eran muy apreciados por los aficionados a dicha música pero Tomita se hizo un hueco y tiene bastantes seguidores. Muchas gracias por comentar. Un abrazo.
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