En un anterior artículo comenzamos la historia de la Electric Light Orchestra (ELO), un grupo británico de rock progresivo natural de Birmingham (Inglaterra) y liderado por el músico Jeff Lynne.
Portada del primer álbum homónimo de la ELO
Después de la salida de Wood, tras el lanzamiento del álbum debut que comentamos en el artículo 1971: Comienzos y primer álbum de la ELO, Lynne se convirtió en el líder del grupo y compuso, arregló y produjo todas las canciones y trabajos de la formación. Entre 1971 y 1986, durante su época de mayor actividad, el grupo publicó once álbumes y obtuvo una notable popularidad con trabajos como A New World Record, Out of the Blue y Discovery. En otro anterior artículo comentamos su segundo álbum ELO 2: 1973: ELO 2 en el planeta perdido
Portada del álbum ELO 2 en el Reino Unido
En otro anterior artículo continuamos su historia hasta la publicación de su tercer álbum On The Third Day.1973: Al tercer día con la ELO
Portada del álbum On The Third Day
En un artículo continuamos su historia hasta la publicación de su primer álbum en directo The Night the Light Went On in Long Beach: 1974: Terror en Long Beach con la ELO
Portada del álbum The Night the Light Went On in Long Beach
En un anterior artículo continuamos su historia hasta la publicación de su cuarto álbum de estudio Eldorado: 1974: ELO en busca de Eldorado
Portada del álbum Eldorado
En anteriores artículos continuamos su historia hasta la publicación de su quinto álbum de estudio Face the Music:
A pesar del éxito de sus primeros sencillos en el Reino Unido, el grupo obtuvo una mayor popularidad en los Estados Unidos, donde se convirtieron en una de las bandas con mayores ventas de la industria musical. Entre 1972 y 1986, y a pesar de no obtener ningún número uno, la Electric Light Orchestra acumuló un total de quince sencillos top 10 en el Reino Unido y siete en los Estados Unidos, y mantiene el récord de éxitos en el top 40 de la historia de Billboard sin haber cosechado un número uno. Además, ha obtenido 38 premios de la British Phonographic Industry (BPI), veintiuno de la RIAA y diecinueve de la CRIA, y ha vendido más de cincuenta millones de copias a nivel mundial.
Tras su separación en 1986, Lynne volvió a reformar la Electric Light Orchestra en dos ocasiones: en 2001, con la publicación de Zoom, y en 2015, bajo el nombre de Jeff Lynne's ELO, para el lanzamiento de Alone in the Universe.
El 7 de abril de 2017, la banda entró al Salón de la Fama del Rock and Roll.
En este artículo comenzamos una serie del álbum Out of the Blue y comentamos el sencillo Turn to Stone.
Turn to Stone es el primer corte del doble álbum Out of the Blue. También fue el primer tema en ser posteriormente lanzado como sencillo.
"Turn to Stone" fue compuesto en Suiza por Jeff Lynne durante las dos semanas intensas en donde escribió el doble álbum. Lynne toca el sintetizador Moog en el tema.
"Turn To Stone" fue descrita por Donald A. Guarisco como "un buen ejemplo de la habilidad de Electric Light Orchestra para mezclar ganchos pop cargados de cuerdas con rock and roll", elogiando la "variedad de líneas de cuerdas arremolinadas que entran y salen de la mezcla y algunas deslumbrantes armonías de falsete que interactúan con la voz principal de Lynne en estilo de llamada y respuesta". El tema cuenta con una "sección de trabalenguas" en la que la música "se detiene en seco", dejando solo voces "ligeramente desfasadas" puntuadas por los golpes de batería de Bev Bevan.
Lynne ha llamado a "Turn to Stone" una de sus canciones favoritas, diciendo: "Es tan primaria y simple, pero a la vez muy evocadora. Me encanta el ritmo aleatorio". Lynne también ha dicho:
Hay una parte en el medio en la que hablo súper rápido. Sentí que necesitaba algo simple en medio de la canción. A menudo solía poner una pequeña pieza divertida en una canción por si acaso me aburría con ella. Yo decía: 'Bueno, tal vez esto está durando demasiado. Pensaré en algo tonto para poner allí."
Jeff Lynne
Portada del sencillo en Alemania
Lanzamiento
Turn to Stone fue lanzado como sencillo el 14 de octubre de 1977 en el Reino Unido con el tema Mister Kingdom del álbum Eldorado en la cara B. La funda mostraba simplemente el símbolo de la ELO en un fondo azul.
Portada del sencillo en el Reino Unido
En las lista británica alcanzó el puesto 18 permaneciendo 12 semanas en lista. De los cuatro sencillos del álbum, "Turn to Stone" fue el único que no alcanzó el top ten en las listas de singles del Reino Unido.
Pantallazo de la lista británica.
Fue publicado además en los Países Bajos, Italia, Francia, Yugoslavia, España, Irlanda, Bélgica, Alemania, Austria, Turquía, Sudáfrica, Australia, Nueva Zelanda, Singapur, Filipinas, Japón, Estados Unidos, Canadá, Guatemala, Chile. En Venezuela, Perú y México el título se tradujo como Convertido en piedra.
Portada del sencillo en los Países Bajos
El sencillo tuvo algo más de éxito al otro lado del Atlántico, alcanzando a principios de 1978 el puesto 13º en las listas de Estados Unidos y el puesto nueve en Canadá.
Contraportada del sencillo en Estados Unidos
Billboard 1/4/1978 pag 75
En Estados Unidos fue certificado oro por más de 500.000 unidades vendidas.
El 4 de noviembre de 2008, Jeff Lynne fue premiado con un BMI (Broadcast Music, Inc.) por la puesta en antena un millón de veces de "Turn to Stone".
Video oficial del tema grabado en 1978 en el estado de Wembley:
Zachary Curd de AllMusic calificó la canción como "Esencialmente una canción de amor, 'Turn to Stone' es música rock épica orquestada y computarizada, cortesía de Jeff Lynne".
Billboard calificó a "Turn to Stone" como un "tema rockero de alta energía" con un "violonchelo demoníaco [marcando] el ritmo".
Record World dijo de él que «los ecos de una docena de éxitos pop resuenan a través de [la canción], pero el disco claramente lleva el sello de Jeff Lynne».
El crítico de Ultimate Classic Rock, Michael Gallucci, la calificó como la quinta mejor canción de ELO, diciendo que "viene con un gancho del tamaño de Godzilla que pisotea todo lo que se interpone en su camino" y que la sinfonía de cuerdas en los estribillos es "impresionante".
Portada del sencillo en Bélgica
Versión de Jeff Lynne
Jeff Lynne volvió a grabar la canción en su propio estudio casero y lo incluyó en el álbum Mr. Blue Sky: The Very Best of Electric Light Orchestra.
El rock progresivo tiene una larga tradición en Latinoamérica desde los años 1970, principalmente en Brasil, Argentina, Uruguay y Chile, por provenir de ahí las bandas que fueron pioneras en este estilo hacia 1970 (Som Imaginario de Brasil, Arco Iris de Argentina y Kissing Spell de Chile), además que grabaron en español usando ese estilo, a diferencia de países que grababan íntegramente en inglés. En algunos de estos grupos, la influencia de las bandas anglosajonas convive con el interés por la música folclórica, dando lugar a fusiones musicales propias.
En este artículo traemos la historia de la banda argentina Melimelum.
Básicamente, Melimelum se formó como banda de apoyo de Jorge Durietz, en momentos donde el histórico dúo Pedro y Pablo, no se podía presentar en vivo, debido a la censura impuesta por el gobierno de Argentina en esos momentos.
Pedro y Pablo
Pedro y Pablo es un dúo de folk rock y canción protesta argentino compuesto por Miguel Cantilo y Jorge Durietz, creado en 1967, y considerados como unos de los pioneros del rock argentino.
Miguel Cantilo (izquierda) y Jorge Durietz (derecha), en el año 1970. Portada de su primer álbum.
La historia del dúo se remonta a 1967, cuando Miguel Cantilo y Jorge Durietz forman un conjunto de rock llamado Los Cronopios; al año siguiente cambian su nombre a Pedro y Pablo. El dúo se destacó por su fusión de rock acústico y poesía mordaz, con letras que a menudo contenían una fuerte crítica social, convirtiéndose en uno de los más significativos de Argentina en su género.
Miguel Cantilo yJorge Durietz empezaron haciendo versiones de The Beatles en fiestas como un trío vocal (junto a Guillermo Cerviño). En el verano de 1968 viajaron a Punta del Este, Uruguay. Comenzaron a cantar públicamente en "La Fusa", café bar de Punta del Este, el cual contó con una mítica y recordada sucursal en Buenos Aires.
Luego volvieron a la Argentina para grabar su primer sencillo con los temas "Yo vivo en esta ciudad / Los caminos que no sigue nadie" (1970). Aún no tenían bien decidido el nombre del dúo: «Si le poníamos Jorge y Miguel parecía nombre de coiffeurs; si le poníamos nuestros apellidos, no quedaba bien porque no se usaba. Había una onda de poner nombres históricos y entonces elegimos Pedro y Pablo, primero porque tenía que ver con la Biblia, después porque tenía que ver con un libro de moda en las librerías, y después porque tenía que ver con Pedro y Pablo Picapiedras.»
Líderes del folk contestatario, el dúo tuvo su primer gran éxito masivo con la canción «La marcha de la bronca» (tema incluido en el primer álbum) con el cual ganaron el "Segundo Festival de la Música Beat".
El álbum Conesa del año 1972, editado por el sello Trova, fue presentado en el Festival B.A. Rock I, ante casi 20.000 espectadores.
Entre 1973 y 1975, las actuaciones de Pedro y Pablo fueron esporádicas debido a la dedicación de Miguel Cantilo a un proyecto de hard rock, influenciado por su admiración hacia Led Zeppelin, que culminó en el álbum "Miguel Cantilo y Grupo Sur" en 1975. Durante ese periodo, Cantilo se trasladó primero a la comunidad hippie de El Bolsón en la Patagonia.
En el año 1976, Miguel Cantilo se exilia fuera de la Argentina recalando en España porque gran parte de su repertorio de canciones era censurado por los militares.
Jorge Durietz se decanta por la grabación de algunas canciones que tenía compuestas y que no habían encajado en el repertorio de Pedro y Pablo. Esto deviene en la formación de Melimelum, un grupo de orientación folk rock que tendría una vida muy corta, pero muy interesante desde el punto de vista musical. Melimelum en latín significa manzana de miel o membrillo. El único disco homónimo, publicado en 1976 por CBS, sería prácticamente abandonado por la discográfica y no obtendría difusión alguna.
Jorge Durietz
Además de Jorge Durietz en guitarra y voz, participaron en la grabación los músicos Daniel Russo (bajo, piano, guitarra, arreglos), Fernando Gonzales (flauta traversa), Eduardo Figueroa (guitarra y voz) y Micky Mitchell (batería).
El LP contó con muy buenas canciones, de clima relajado, acompañándose principalmente con guitarras (acústica y eléctrica) y flautas y con los arreglos de Daniel Russo. El dibujo naíf de la portada era una buena muestra del contenido del disco.
Es necesario destacar el correcto manejo instrumental, dentro de temas que no ofrecen cabida a arreglos demasiado elaborados. Las composiciones remiten a escenas cotidianas y cálidas dentro de un clima que pretende reflejar la libertad mediante símbolos naturales"
Revista Pelo nº 84
En el libro «Los 138 discos que nadie te recomendó», el periodista Sergio Coscia escribió:
Un compendio de poesía mínima sin pretensiones y una apelación a un mundo más personal, intimista y lejano a los duros enfrentamientos de la década, estaba orientado mayormente al rescate de ese eterno verano de nuestra adolescencia que se fija en la memoria, se embellece y se resiste a morir, pese a que los años hagan estragos en nosotros y en nuestros recuerdos. No mucho más es este exquisito disco, ignorado totalmente por la crítica y el público rockero en su época (la gente andaba en otra cosa, claro), lo que ya por entonces nos pareció injusto, aunque inevitable."
El flautista Fernando Gonzálezse fue después del álbum a estudiar a los Estados Unidos, y el grupo comenzó a trabajar en un nuevo álbum. El plan era que no fuera tan acústico como el debut. Nunca vio la luz, ya que tal vez la existencia continua del grupo se extinguió por las bajas ventas del álbum en su debut.
Posteriormente, Durietz se retiró de la música hasta principios de los 80 para el exitoso regreso de Pedro y Pablo, que duró de forma intermitente hasta 1991, con ambos miembros concentrándose en carreras en solitario después.
Opinión personal
El álbum contiene una música folk-rock progresiva muy tranquila y agradable con ligeros toques jazzistas y psicodélicos. Me gusta Rosado atardecer, En el otoño, Dame, dame la mano vida (el tema mas progresivo) y Sol Amarillo. Un álbum que merecía haber tenido más difusión.
En 1968, un año después de su debut en los escenarios con el nombre The Psychedelic Stooges, la banda firmó un contrato con Elektra Records, siguiendo los pasos de The Doors, banda a la que idolatraban y que era en aquellos momentos el buque insignia de Elektra. De acuerdo con lo que contó Iggy, en el documental Gimme Danger de 2016, el guitarrista Ron Ashetonllamó a Moe Howard para consultarle si la banda podía llamarse "The Stooges", a lo cual Howard respondió simplemente diciendo: "No me importa cómo se llamen, siempre que no sea The Three Stooges".
Nota: The Three Stooges o The 3 Stooges (Los tres chiflados) fue un grupo de actores cómicos estadounidenses activo entre 1923 y 1970, que realizaron 190 cortometrajes para Columbia Pictures, emitidos regularmente por televisión desde 1959. Se caracterizaba por su humor absurdo y la comedia física.
The 3 Stooges
El primer álbum de The Stooges, titulado de manera homónima, fue producido por John Cale en la ciudad de Nueva York en 1969. El disco fue lanzado en agosto de 1969 y alcanzó la posición número 106 en la lista Billboard y es considerado uno de los mejores álbumes de proto-punk, con un fuerte impacto, además, en el rock duro. Desde el 2020, el álbum ocupa el puesto 488 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone.
Su segundo álbum, Fun House, fue grabado en mayo de 1970, y fue producido por Don Gallucci, quien trató de recrear en el estudio el sonido visceral y sin vueltas de la banda en directo. Aunque no fue bien recibido en su momento, años después fue ubicado en la posición n.º 191 en la lista de los 500 mejores álbumes de la historia publicada por la revista Rolling Stone en 2003. Es considerado una piedra angular del proto-punk.
Poco después de que se unieran a la banda nuevos músicos, la adicción a la heroína de Iggy ocasionó una breve ruptura de la agrupación.
Cuando David Bowie se cruzó con Iggy Pop
En 1971, sin un contrato discográfico, los Stooges siguió tocando en pequeños clubes como un quinteto que incluía a Ron Asheton y a James Williamson como guitarristas y a Jimmy Recca como bajista. Dave Alexander había sido despedido por Iggy un año atrás por sus problemas con el alcohol (Alexander falleció en 1975).
James Williamson
David Bowie siempre soñó con conquistar el mercado estadounidense, y su encuentro con dos bandas de culto estadounidenses, Velvet Underground (liderada por Lou Reed) y The Stooges (liderada por Iggy Pop), allanó el camino para su éxito en el otro lado del Atlántico. En 1971, con el lanzamiento de su álbum «Hunky Dory», Bowie inició su transformación hacia el icónico personaje de Ziggy Stardust. El nombre «Ziggy» no fue una elección aleatoria, sino un tributo a Iggy Pop, el cual fue una inspiración para el personaje, tanto musical como líricamente.
David Bowie como Ziggy. Portada del sencillo Rock'n'Roll Suicide
En 1972, David Bowie ya era una sensación en el Reino Unido, y se aventuró en su primer tour por Estados Unidos. Aunque la convocatoria de Bowie en América fue modesta en algunos lugares, su equipo de marketing cuidadosamente orquestado proyectó la imagen de una megaestrella. Bowie, rodeado de guardaespaldas, disfrutó de los mejores restaurantes, hoteles de lujo y limusinas, lo que cautivó a la prensa estadounidense.
Fue en 1972 cuando la vida de Bowie se cruzó con la de Iggy Pop de manera crucial. En el legendario Max’s Kansas City en Nueva York, el club más chic de la ciudad, Bowie expresó su deseo de conocer a Iggy. Bowie pudo comprobar la situación en la que se encontraba y sus problemas con las drogas, y manifestó su decisión de ayudarle, dando inicio a una amistad que transformaría sus vidas para siempre.
Portada del álbum Live at Max's Kansas City de The Velvet Underground
El álbum Raw Power
Con la intervención de Bowie, Iggy tuvo la oportunidad de escapar de su vida autodestructiva en América. El cantante fue contratado individualmente por MainMan Management, que también contaba con Bowie. Se le ofreció un contrato discográfico con Columbia Records en Londres y la oportunidad de reinventarse. Bowie decidió producir un álbum con el músico en Inglaterra. Con Williamson como guitarrista, comenzó la búsqueda de una sección rítmica. Sin embargo, dado que ni Pop ni Williamson estaban satisfechos con ningún músico en Inglaterra, decidieron volver a reunir a los Stooges. Ron Asheton pasó a regañadientes de la guitarra al bajo y Scott Asheton tocó la batería. Las sesiones de grabación produjeron el álbum Raw Power, un disco cargado de referencias sexuales y letras provocadoras.
Portada del álbum Raw Power
Fue el propio Iggy Pop quien produjo y mezcló el álbum, si bien su primer intento fue lamentable mezclando casi todos los instrumentos en un canal y las voces en otro. MainMan exigió que el álbum fuera remezclado, pero Pop se negó. Cuando MainMan informó a Pop de que si el disco no era remezclado por Bowie, no lo publicaría, Pop aceptó, pero insistiendo en que su mezcla de "Search and Destroy" se mantuviera. Debido a problemas de presupuesto, Bowie remezcló las otras siete canciones en un solo día en un estudio barato de Los Ángeles.
Bowie con Iggy Pop
... la situación más absurda que encontré cuando estaba grabando fue la primera vez que trabajé con Iggy Pop. Quería que mezclara Raw Power, así que trajo la cinta de 24 pistas y la puso. Tenía a la banda en una canción, a la guitarra solista en otra y a él en una tercera. De las 24 pistas, solo se utilizaron tres. Me dijo 'mira lo que puedes hacer con esto'. Le dije: 'Jim, no hay nada que mezclar'. Así que empujamos mucho la voz hacia arriba y hacia abajo. En al menos cuatro o cinco canciones esa era la situación, incluyendo "Search and Destroy". Tiene un sonido muy peculiar porque todo lo que hacíamos era de vez en cuando subir la guitarra solista y sacarla.
David Bowie
Iggy Pop dijo que los directivos de Columbia insistieron en que introdujeran dos baladas, una en cada cara del disco. Estas baladas fueron "Gimme Danger" y "I Need Somebody", ambas mucho más oscuras y amenazadoras que las baladas tradicionales. "Search and Destroy" y "Shake Appeal" fueron los sencillos publicados. La portada fue escogida por Tony DeFries (mánager de Bowie).
Iggy Pop actuando en el Massey Hall, Toronto, 1973
El álbum fue lanzado el 7 de febrero de 1973. Las ventas de Raw Power fueron bajas, aunque logró llegar al número 182 en el Billboard de álbumes de pop. La banda continuó sus actuaciones en vivo, pero Columbia terminó por rescindir su contrato y The Stooges se separaron.
A pesar de la tibia recepción del disco, la reputación del álbum aumentó de forma abrumadora en los siguientes años, y el volumen y ferocidad del álbum se convirtieron en el punto de referencia para los demás discos. En 2003, el álbum fue situado en el puesto 125 de la lista de los 500 mejores álbumes elaborada por la revista Rolling Stone.
La explosión punk en el Reino Unido en 1977 marcó el inicio del culto de este disco a gran escala, prueba de lo cual es el hecho de que una reedición del álbum entró en las listas de éxitos británicas en dicho año. Algunas bandas punk se han inspirado en títulos de temas del álbum para escoger sus nombres, como es el caso de los británicos Penetration, formados en 1976, o los italianos Raw Power, formados en 1981.
La banda italiana Raw Power
Entre otros, Kurt Cobain, cantante y guitarrista de la banda de grunge Nirvana, Johnny Marr de The Smiths y Euroboy de Turbonegro han repetido en diversas ocasiones que este es su álbum favorito. Henry Rollins de Black Flag tiene las palabras "Search And Destroy" tatuadas entre los omóplatos.
Tatuaje de Henry Rollins
Las canciones del álbum han sido frecuentemente versionadas. Destacan las versiones de "Search and Destroy" realizadas por The Dictators, Sid Vicious, Red Hot Chili Peppers y Dead Boys; Guns N' Roses grabaron una versión de "Raw Power" en su álbum de versiones The Spaghetti Incident? y Ewan McGregor grabó una versión de "Gimme Danger" para la película Velvet Goldmine.
Tras el lanzamiento de Raw Power, Scott Thurston se unió a la banda en los teclados y Bowie continuó brindando su apoyo, pero el problema con las drogas de Iggy persistió. El último show de The Stooges en 1974 terminó en una pelea entre la banda y un grupo de motociclistas, documentada en el álbum Metallic K.O. El abuso de drogas volvió a estancar la carrera de Pop durante varios años.
Temas de la segunda parte del show del 9 de febrero de 1974 (cara dos del disco Metallic K.O.)
El colapso de Iggy Pop y la adicción a la cocaína de David Bowie
Iggy Pop sufrió un colapso en 1974 debido al abuso de drogas y alcohol, lo que lo llevó a vivir en las calles de Los Ángeles. Más tarde, logró ingresar al UCLA Mental Hospital, marcando un punto crítico en su lucha contra las adicciones.
Por otro lado, Iggy Pop, mientras luchaba contra sus demonios en el UCLA Mental Hospital, hizo una solicitud especial para evitar que sus amigos fueran, entrasen y pusieran en peligro su lucha contra las drogas. Uno de sus pocos visitantes fue David Bowie, que continuó apoyando al músico incondicionalmente.
David Bowie desarrolló una adicción a la cocaína en el verano de 1974, tras el lanzamiento del álbum Diamond Dogs. El documental de Alan Yentob, Cracked Actor mostró a Bowie en el Diamond Dogs Tour en septiembre de 1974 y su estado mental. Bowie dijo en una entrevista de 1987:
Estaba tan bloqueado... tan drogado... Es un caso bastante accidentado, ¿no? Estoy sorprendido de haber salido de ese período, honestamente. Cuando veo eso ahora, no puedo creer que haya sobrevivido. Estuve muy cerca de hundirme físicamente, por completo."
Después de ver una proyección avanzada de la película a principios de 1975, el director Nicolas Roeg se puso en contacto con Bowie para discutir un papel en su próxima adaptación de la novela de Walter Tevis de 1963, The Man Who Fell to Earth. Bowie aceptó el papel y se mudó de Nueva York a Los Ángeles, California, donde se llevaría a cabo el rodaje.
A su llegada a Los Ángeles, Bowie se alojó con Glenn Hughes, el bajista de la banda de rock inglesa Deep Purple. También visitó a su viejo amigo, Iggy Pop, en rehabilitación. Los dos intentaron grabar algo de material en mayo de 1975, pero las sesiones fueron improductivas debido a la adicción a la heroína de Pop. Bowie comentó
Nunca llegará a tiempo a los estudios de grabación. Iggy está condenado".
David Bowie
Hughes le dijo al biógrafo Marc Spitz que Bowie vivía en un estado cada vez más paranoico, recordando que se negaba a usar ascensores debido a su miedo a las alturas. Su adicción rompió amistades con los músicos Keith Moon, John Lennon y Harry Nilsson; más adelante Bowie comentó:
Si realmente quieres perder a todos tus amigos y todas las relaciones que alguna vez apreciaste, [la cocaína es] la droga con la que debes hacerlo".
David Bowie
Según el biógrafo David Buckley, la dieta de Bowie consistía principalmente en pimientos rojos y verdes, leche y cocaína. Bowie admitió más tarde que solo pesaba alrededor de 80 libras (36,3 kilos) y que estaba "fuera de sí la mayor parte del tiempo". Hughes dijo que Bowie no dormía durante «tres o cuatro días seguidos». Circularon historias, en su mayoría de una entrevista, partes de las cuales llegaron a Playboy y Rolling Stone, de que el cantante vivía en una casa llena de artefactos del antiguo Egipto, quemaba velas negras, veía cuerpos caer por su ventana, brujas le robaban su semen, recibía mensajes secretos de los Rolling Stones y vivía con un miedo morboso al guitarrista de Led Zeppelin, Jimmy Page.
Jimmy Page
En una entrevista con Melody Maker en 1977, Bowie describió su vida en Los Ángeles: «Hay una inquietud subyacente... Se puede sentir en todas las avenidas... Siempre he sido consciente de lo dudoso que es permanecer aquí durante mucho tiempo". Tres años más tarde, le diría a NME que la ciudad "debería ser borrada de la faz de la tierra". En abril de 1975, Bowie anunció su retirada de la música, declarando: «He rockeado mi rollo. Es un aburrido callejón sin salida. No habrá más discos de rock'n'roll ni giras mías. Lo último que quiero ser es un puto cantante de rock inútil". El biógrafo Nicholas Pegg atribuye esta cita al estado mental decadente de Bowie; Su "retiro" duró menos de seis meses. El rodaje de The Man Who Fell to Earth comenzó en junio de 1975.
Pagué con la peor depresión maníaca de mi vida. Mi psique se disparó, se fracturó en pedazos. Estaba alucinando las 24 horas del día... Me sentí como si hubiera caído en las entrañas de la tierra."
David Bowie
El álbum Kill City
Tras la segunda ruptura de The Stooges, en 1975, Iggy grabó material con el guitarrista James Williamson, que no fue publicado hasta 1977 en el álbum Kill City tras el éxito de los álbumes en solitario de Pop, The Idiot y Lust for Life. Su voz fue grabada los fines de semana cuando recibió permiso para salir del hospital psiquiátrico. La grabación iba a ser utilizada como una demo para dar a los sellos discográficos con la esperanza de conseguir un nuevo contrato para Pop.
Portada de una edición en CD del álbum
El disco incluiría además canciones inéditas que formaron parte del repertorio de los Stooges, como "I Got Nothin'" y orientaría su sonido hacia un estilo similar al de The Rolling Stones. Las letras del disco hablan de decadencia, vicio y desesperación, como se puede apreciar en una de las líneas de la canción homónima: Til you wind up in some bathroom, overdosed and on your knees (Hasta que acabes en algún váter, con sobredosis y de rodillas). Este disco, a pesar de ser un trabajo acreditado a Iggy y Williamson, es a menudo considerado como un disco de The Stooges, por contener parte del material que formaba su repertorio y gran parte de la esencia de la banda.
Portada original del álbum
Lista de temas
Todas las canciones escritas y compuestas por Iggy Pop y James Williamson, excepto "Master Charge", de Williamson y Scott Thurston.
Con las sesiones de grabación del álbum Station to Station completadas en diciembre de 1975, Bowie comenzó a trabajar en una banda sonora para The Man Who Fell to Earth con Paul Buckmaster, con quien Bowie trabajó para Space Oddity (1969), como su colaborador. Bowie esperaba ser totalmente responsable de la música de la película, pero descubrió que «cuando terminé cinco o seis piezas, me dijeron que si me importaba enviar mi música junto con la de otras personas... y yo solo dije 'Mierda, no vas a conseguir nada de eso'. Estaba tan furioso que había puesto mucho trabajo en ello". No obstante, Maslin argumentó que Bowie estaba "quemado" y no podía completar el trabajo en ningún caso. El cantante finalmente se desplomó, admitiendo más tarde: "Había pedazos de mí tirados por todo el suelo". Cuando Bowie presentó su material para la película a Roeg, el director decidió que no era adecuado. Prefería un sonido más folclórico, aunque John Phillips (el compositor elegido para la banda sonora) describió las contribuciones de Bowie como "inquietantes y hermosas". En el evento, solo un instrumental compuesto para la banda sonora vio la luz del día, evolucionando a «Subterraneans» en su siguiente álbum de estudio, Low.
Con el álbum de la banda sonora abandonado, Bowie decidió que estaba listo para liberarse de la cultura de las drogas de Los Ángeles y regresar a Europa. En enero de 1976, comenzó los ensayos para el Isolar Tour para promocionar el álbum Station to Station, que comenzó el 2 de febrero de 1976 y terminó el 18 de mayo. Bowie invitó a Iggy a unirse al tour y apoyarse mutuamente en deshacerse de su adicción a las drogas. Iggy aceptó sabiendo que debería estar sobrio. Esta fue la primera exposición de Pop a las giras profesionales a gran escala, y quedó impresionado, particularmente con la ética de trabajo de Bowie y más tarde afirmó que aprendió todas sus técnicas de autoayuda a través de Bowie en la gira. Después de un show el 21 de marzo de 1976, Bowie y Pop fueron arrestados juntos por posesión de marihuana en Rochester, Nueva York, aunque los cargos fueron retirados más tarde.
Durante la gira se habló de que Pop grabara un álbum en solitario con Bowie como productor. Bowie y el guitarrista Carlos Alomar habían escrito una nueva canción, titulada "Sister Midnight", y se la ofrecieron a Pop; Bowie ocasionalmente la interpretó en vivo en la gira.
Hacia el final de la gira, tanto Bowie como Pop sabían que querían evitar la cultura de las drogas de Los Ángeles y decidieron mudarse a Europa. A su conclusión, Bowie inicialmente estaba interesado en producir "Sister Midnight" en Munich, Alemania, para su lanzamiento como sencillo. Después de visitar el Château d'Hérouville en Hérouville, Francia, el mismo lugar donde Bowie grabó su álbum Pin Ups en 1973, decidió producir un álbum completo para Pop allí. Bowie reservó dos meses de estudio en el castillo para más tarde en el verano de 1976.
Château d'Hérouville cerca de París
Bowie y Pop llegaron al Château d'Hérouville en junio de 1976 para grabar el álbum The Idiot. Bowie se unió al nuevo propietario del estudio, Laurent Thibault, ex bajista de la banda francesa Magma, y le pidió que tocara el bajo y actuara como ingeniero; Thibault contrató al francés Michel Santangeli para tocar la batería.
Laurent Thibault
Bowie comenzó a componer canciones en el teclado y la guitarra que terminaron en The Idiot. Después de la llegada de Santangeli, Bowie tocó las pistas para él usando un piano eléctrico Baldwin. Durante dos días, con una guía mínima, Santangeli tocó las pistas en bruto (que asumió que eran demos), las primeras tomas a menudo se convertían en parte de la mezcla final. Bowie despidió a Santangeli al final del segundo día, lo que lo llevó a creer que su forma de tocar era inadecuada y que no aparecería en el álbum; Santangeli más tarde expresó su arrepentimiento por el sonido final de la batería. Posteriormente, Bowie comenzó a agregar partes de guitarra. En total, Bowie contribuyó con guitarra, piano eléctrico, sintetizador, saxofón y coros al álbum.
Michel Santangeli
Después de que las pistas de acompañamiento se compusieron con guitarra, teclados y batería, Bowie hizo que Thibault les agregara el bajo con poca orientación. En julio de 1976, Bowie trajo su propia sección rítmica compuesta por el bajista George Murray y el baterista Dennis Davis para añadir sobregrabaciones en algunas pistas, incluyendo «Sister Midnight» y «Mass Production». Mientras que Bowie compuso gran parte de la música de The Idiot, Pop escribió la mayoría de las letras en el estudio, a menudo en respuesta a la música que Bowie estaba componiendo. Pop también estaba dispuesto a improvisar algunas de sus letras mientras estaba de pie junto al micrófono, algo que fascinó a Bowie, quien más tarde utilizó este método al grabar "Heroes" (1977).
George Murray
La grabación continuó en agosto de 1976 en los estudios Musicland de Múnich, que eran propiedad del futuro colaborador de Bowie y productor de música electrónica de baile, Giorgio Moroder. Aquí, Pop grabó la mayoría de sus voces, junto con sobregrabaciones de guitarra adicionales proporcionadas por el guitarrista Phil Palmer, quien, al igual que Santangeli y Thibault, regrabó algunas de las partes de guitarra de Bowie con poca orientación. Palmer describió la colaboración creativa con Pop y Bowie como «vampírica» porque nunca vio a los artistas durante el día y la colaboración fue estimulante pero inquietante. La elección original de Bowie como guitarrista fue el ex miembro de King Crimson, Robert Fripp, quien más tarde trabajaría con él en «Heroes». La última canción grabada para The Idiot fue «Nightclubbing» con Bowie tocando la melodía en el piano usando una vieja caja de ritmos como acompañamiento. Cuando Pop se declaró contento con el resultado, Bowie protestó que necesitaban una batería real para terminarlo. Pop insistió en mantener la caja de ritmos, diciendo que "patea traseros, es mejor que un baterista".
Phil Palmer
Cuando se completó la grabación, Bowie y Pop viajaron a Berlín para mezclar el álbum en el Hansa Studio 1 (no, como a menudo se informa incorrectamente, en el Studio 2 más grande junto al Muro de Berlín). Debido a que su antiguo productor Tony Visconti ya estaba preparándose para coproducir el próximo álbum de Bowie, este lo llamó para que lo ayudara a mezclar el disco, a fin de familiarizarlo con la nueva forma de trabajar de Bowie. Dada la calidad casi de demo de las cintas, el trabajo de postproducción fue, en palabras de Visconti, "más un trabajo de salvamento que una mezcla creativa". El álbum The Idiot fue descrito por Pegg como «un trampolín entre Station to Station y Low».
Tony Visconti
Estilo
The Idiotmarca un cambio drástico para Pop del agresivo sonido proto-punk de los Stooges. En el momento de su lanzamiento, Pop describió The Idiot como «un cruce entre James Brown y Kraftwerk». Retrospectivamente, los críticos han categorizado a The Idiot principalmente como art rock, pero también han notado la presencia de rock gótico, rock industrial, descrito como "totalmente fuera de sintonía" con el sonido punk nacido por los Stooges y acreditado por haber "inventado" el post-punk. En 1981, los editores de NME, Roy Carr y Charles Shaar Murray, sugirieron que el sonido electrónico de The Idiot había sido «pionero» de Low (1977) de Bowie. Según el crítico Simon Reynolds de Tidal Magazine, los «ritmos mecanicistas, la batería quebradiza y las texturas ásperas de la guitarra» del álbum anticiparon la Trilogía de Berlín de Bowie y le permitieron explorar su fascinación por los sonidos electrónicos alemanes inspirados en Neu! y Cluster. Wesley Strick de la revista Circus describió la música como «mecanizada», similar a «Fame» de Bowie, pero «con ritmos marcados por un pulso acelerado», mientras que Richard Riegel de Creem lo llamó «metal de estudio profesional, con ocasionales matices electrónicos alemanes». Nick Kent de NME describió la música como «totalmente remachada y encadenada a un aroma completamente malsano de maldad y malestar zombi de la zona crepuscular». El biógrafo de Bowie, David Buckley, llamó a The Idiot«un infierno funky y robótico de un álbum».
Iggy Pop actuando en 1977
Lanzamiento y promoción
El título de The Idiot (El idiota) fue tomado de la novela homónima de Fiódor Dostoievski con la que Bowie, Pop y Visconti estaban familiarizados. En una entrevista de 1985, Pop dijo que Bowie fue quien lo tituló. Pop sabía que era una referencia a la novela, pero también sentía que su amigo simplemente lo estaba insultando.
Dibujo y texto manuscrito de Fiódor Dostoievski
La pintura Roquairol de Erich Heckel inspiró la foto de portada del álbum. Es una fotografía en blanco y negro tomada por el fotógrafo Andy Kent, que representa a Pop haciendo lo que Pegg llama una "pose torturada y con extremidades rígidas" basada en la figura de la pintura. Bowie más tarde usaría la misma pintura como inspiración para la portada de «Heroes».
Portada del álbum The Idiot
Aunque el álbum se completó en agosto de 1976, Bowie quería asegurarse de tener el suyo propio en las tiendas antes del lanzamiento del de Pop. Thibault opinó que "[Bowie] no quería que la gente pensara que se había inspirado en el álbum de Iggy, cuando en realidad era todo lo mismo". Bowie grabó Low entre septiembre y octubre, y fue lanzado a través de RCA Records en enero de 1977. Debido a que Low tenía un sonido similar al de The Idiot, el sello temía que no se vendiera bien. Sin embargo, el álbum y su primer sencillo «Sound and Vision» fueron éxitos comerciales. El éxito de «Sound and Vision» permitió a Bowie persuadir a RCA para que lanzara The Idiot, lo que hicieron el 18 de marzo de 1977. The Idiot alcanzó el número 72 en la lista Billboard Top LPs & Tape de EE. UU., pasando 13 semanas en la lista. También pasó tres semanas en la lista de álbumes del Reino Unido, alcanzando el número 30, marcando el primer álbum de Pop en el top 40. También alcanzó el número 88 en el Kent Music Report en Australia. RCA lanzó los sencillos «Sister Midnight» y «China Girl» en febrero y mayo de 1977, respectivamente; ambos tenían el mismo lado B, «Baby», y no llegaron a las listas.
Aunque RCA esperaba que hiciera una gira para apoyar a Low, Bowie optó por apoyar a Pop en su propia gira. Con Bowie tocando los teclados, formó una banda que incluía a Ricky Gardiner en la guitarra, con los hermanos y futuros compañeros de banda en Tin Machine, Tony Fox y Hunt Sales en el bajo y la batería, respectivamente. Los ensayos para la gira The Idiot comenzaron a mediados de febrero de 1977 y, según Gardiner, fueron muy bien. Dijo que Bowie estaba de acuerdo con restringir su participación, sin parecer "quitar protagonismo" a Pop en absoluto. La gira, la primera de Pop desde la desaparición de los Stooges, comenzó el 1 de marzo. Los teloneros fueron la banda de rock estadounidense Blondie, a quien Bowie y Pop invitaron después de que la pareja escuchara el álbum debut de la banda en 1976. Las canciones que se tocaron incluyeron temas populares de los Stooges, un par de pistas de The Idiot y canciones que aparecerían en el siguiente álbum de Pop, Lust for Life (1977). Bowie insistía en no quitarle el protagonismo a Pop, a menudo permaneciendo detrás de su teclado y sin dirigirse al público; Giovanni Dadomo de Sounds comentó: «Si querías a David, también tenías la banda». La presencia escénica de Pop fue elogiada, aunque algunos, incluido Nick Kent, creían que Bowie todavía estaba al mando. La gira duró hasta el 16 de abril de 1977. The Idiot y su posterior gira le dieron a Pop mayor fama y éxito que el que había logrado con los Stooges. Sin embargo, durante las entrevistas, a menudo le preguntaban sobre Bowie más que sobre su propio trabajo. Como resultado, Pop adoptó un enfoque más directo al hacer Lust for Life, lo que resultó en un sonido que recordaba más a su trabajo anterior.
Iggy Pop con Bowie al fondo durante la gira
Lista de temas
Todas las canciones están escritas por Iggy Pop y David Bowie, excepto "Sister Midnight", por Pop, Bowie y Carlos Alomar.
